Аннотация: Предметом исследования является вокальный цикл Г.В. Свиридова «Песни странника» на стихи китайских поэтов в переводе Ю.К. Щуцкого. Значение этого произведения существенно выходит за рамки простого обращения к восточной поэзии. В статье рассматриваются особенности музыкального воплощения китайской поэзии в вокальном цикле Г.В. Свиридова «Песни странника». На примере песни «Возвращение на родину» проводится детальный анализ музыкально-выразительных средств, используемых композитором для передачи поэтических образов. Особое внимание уделяется работе с фактурой, гармонией и формой, а также способам создания синтеза русской музыкальной традиции и китайской поэтической образности. Исследуется роль фортепианного сопровождения в создании художественного целого. Выявляются характерные черты позднего стиля Свиридова в контексте межкультурного диалога. Исследование основано на комплексном подходе, включающем историко-культурологический, текстологический и музыковедческий анализ. Применяются методы сравнительного анализа, структурно-функционального анализа и семантической интерпретации музыкального текста. Научная новизна исследования заключается в выявлении уникальных механизмов трансформации китайской поэтической образности в контексте русской музыкальной традиции. Впервые детально проанализированы специфические приемы, позволившие Свиридову достичь органичного синтеза восточной поэтической созерцательности с западной композиторской техникой. Выводы исследования демонстрируют, что великий советский и российский композитор Георгий Васильевич Свиридов создал оригинальный музыкальный язык, избегая прямого цитирования или поверхностной стилизации под китайскую музыку. В цикле прослеживается особый тип мелодики, сочетающий распевность русского романса с лаконизмом восточной поэзии, тщательно продуманная фактурная драматургия, гибкая метроритмическая организация и особая работа с тембром. Значение произведения выходит за рамки эксперимента в области межкультурного диалога, затрагивая универсальные темы человеческого бытия.

Ключевые слова: Георгий Свиридов, китайская поэзия, вокальный цикл, музыкальный анализ, межкультурный диалог, фортепианное сопровождение, мелодическая линия, стиль, Песни странника, музыкальная форма

Abstract: The subject of the study is the vocal cycle "Songs of the Wayfarer" by G.V. Sviridov, set to poems by Chinese poets translated by Yu.K. Shchutsky. The significance of this work extends far beyond a simple reference to Eastern poetry. The article examines the characteristics of the musical embodiment of Chinese poetry in the vocal cycle "Songs of the Wayfarer" by G.V. Sviridov. Taking the song "Return to the Homeland" as an example, a detailed analysis is conducted of the musical and expressive means employed by the composer to convey poetic imagery. Special attention is given to the texture, harmony, and form, as well as the methods of creating a synthesis of Russian musical tradition and Chinese poetic imagery. The role of the piano accompaniment in creating an artistic whole is investigated. Characteristic features of Sviridov's late style are identified in the context of intercultural dialogue. The research is based on a comprehensive approach that includes historical and cultural, textual, and musicological analysis. Methods of comparative analysis, structural-functional analysis, and semantic interpretation of the musical text are applied. The scientific novelty of the study lies in the identification of unique mechanisms for the transformation of Chinese poetic imagery within the context of Russian musical tradition. For the first time, specific techniques that allowed Sviridov to achieve an organic synthesis of Eastern poetic contemplation and Western compositional technique are analyzed in detail. The conclusions of the study demonstrate that the great Soviet and Russian composer Georgy Vasilyevich Sviridov created an original musical language, avoiding direct quotation or superficial stylization of Chinese music. The cycle features a special type of melody that combines the lyrical quality of Russian romance with the conciseness of Eastern poetry, a carefully thought-out textural dramaturgy, flexible metrorhythmic organization, and a particular approach to timbre. The significance of the work transcends the realm of experimentation in intercultural dialogue, touching upon universal themes of human existence.

Keywords: musical form, Songs of a Wanderer, style, Melody line, piano accompaniment, intercultural dialogue, musical analysis, vocal cycle, Chinese poetry, Georgy Sviridov

Аннотация: Статья исследует воздействие советской культурной политики на эволюцию жанровой системы анимационного кино в период с 1953 по 1991 год. Актуальность исследования обусловлена необходимостью комплексного изучения механизмов прямого и косвенного влияния государственной идеологии на художественные особенности анимации, что играло определяющую роль в формировании культурного ландшафта эпохи. Предметом исследования является взаимосвязь между советской культурной политикой и жанровым развитием отечественного аниматографа. Основное внимание сосредоточено на детальном анализе поэтапной трансформации жанровых моделей, принципиальном изменении визуально-нарративных стратегий и сложном диалектическом соотношении между идеологическими требованиями и творческим поиском авторов. В работе системно проведена научная периодизация развития жанров и тщательно исследована устойчивая корреляция между кардинальной сменой политических курсов и последующей модификацией сюжетных структур. Для написания статьи применены сравнительный метод, историко-контент-анализ, а также метод систематизации и синтеза данных, что позволило объективно оценить влияние государственной идеологии на жанровую структуру анимационных фильмов. Особое внимание уделено систематизации жанров по временным периодам и трансформации сюжетных схем под влиянием политических установок. Цель работы — определить роль государственной культурной политики в формировании жанрового разнообразия советской анимации.В заключении представлены выводы, расширяющие понимание взаимосвязи идеологии и художественного языка анимации. Исследование демонстрирует, как государственные инициативы стимулировали развитие одних жанров (например, воспитательных и пропагандистских) и ограничивали другие. Новизна исследования заключается в подходе, объединяющем историко-контентный анализ и сравнительный метод, чтобы рассматривать анимацию как зеркало культурно-политических процессов советского времени. Материалы статьи могут быть полезны специалистам в области киноведения, культурологии и истории анимации, а также всем, кто интересуется механизмами взаимодействия искусства и власти в СССР.

Ключевые слова: советская культура, анимация, жанровая структура, культурная политика, идеология, социалистический реализм, авторская анимация, экспериментальная анимация, визуальные приёмы, отечественное кино

Abstract: The article examines the impact of Soviet cultural policy on the evolution of the genre system of animated cinema from 1953 to 1991. The relevance of the study is determined by the need for a comprehensive analysis of the mechanisms of direct and indirect influence of state ideology on the artistic features of animation, which played a defining role in shaping the cultural landscape of the era. The subject of the research is the relationship between Soviet cultural policy and the genre development of domestic animation. The main attention is focused on a detailed analysis of the phased transformation of genre models, the fundamental changes in visual-narrative strategies, and the complex dialectical relationship between ideological demands and the creative search of authors. The work systematically conducts a scientific periodization of the development of genres and meticulously investigates the stable correlation between a radical change in political courses and the subsequent modification of plot structures. The article employs comparative methods, historical content analysis, as well as the method of systematization and synthesis of data, which allowed for an objective assessment of the influence of state ideology on the genre structure of animated films. Special attention is given to the systematization of genres by time periods and the transformation of plot schemes under the influence of political settings. The goal of the work is to determine the role of state cultural policy in shaping the genre diversity of Soviet animation. The conclusions presented expand the understanding of the relationship between ideology and the artistic language of animation. The research demonstrates how state initiatives stimulated the development of certain genres (such as educational and propagandistic) while limiting others. The novelty of the study lies in its approach, which combines historical content analysis and comparative methods to consider animation as a mirror of the cultural-political processes of the Soviet era. The materials of the article may be useful to specialists in film studies, cultural studies, and the history of animation, as well as to anyone interested in the mechanisms of interaction between art and power in the USSR.

Keywords: domestic cinema, visual techniques, experimental animation, author's animation, socialist realism, ideology, cultural policy, genre structure, animation, Soviet culture

Аннотация: Настоящее исследование посвящено репрезентации женского образа в буддийском искусстве Лунмэньских пещер, с особым вниманием к процессам формирования, маргинализации и исчезновения женской субъектности. Основной акцент сделан на анализе скульптурных изображений мирских жертвователей — женщин, чьё участие в религиозной жизни зафиксировано в визуальных и эпиграфических материалах. Работа исследует, каким образом различные визуальные стратегии, включая пространственное размещение фигур, стилизацию внешности, гендерную типизацию и их противопоставление мужским персонажам, способствовали формированию образа женщины в религиозно-культурном контексте Древнего Китая. Центральное место в исследовании занимает вопрос о том, как буддийская иконография конструировала женский образ как инаковый и в каких формах проявлялась ограниченная субъектность женщин в рамках патриархальной религиозной традиции. В исследовании применяются методы иконографического, семиотического и гендерного анализа, направленные на выявление механизмов визуальной маргинализации и репрезентации женской субъектности в буддийском искусстве пещер Лунмэнь. Научная новизна исследования заключается в выявлении особенностей формирования и исчезновения женской субъектности в этом визуальном контексте через критический гендерный анализ.Впервые в рамках настоящего исследования акцент делается на системной маргинализации женских образов, осуществляемой через особенности их пространственного размещения, стилистическую типизацию и визуальное противопоставление мужским фигурам. Такой подход позволяет проследить, как формировались устойчивые визуальные коды, способствовавшие вторичному статусу женщин в религиозном пространстве. Несмотря на подчёркнутую зависимость и обезличенность женских жертвователей, источники — как скульптурные, так и эпиграфические — фиксируют элементы зарождающейся субъектности, выражающиеся в актах дара и телесной визуализации. Выводы исследования позволяют утверждать, что образы женщин в буддийских нишах не только воспроизводили патриархальные культурные установки, но и открывали ограниченное, но устойчивое пространство альтернативной духовной активности, проявлявшейся в символическом присутствии и визуальной настойчивости, несмотря на структурное подчинение.

Ключевые слова: Визуальная субъективность, Иконография, Гендер и религия, Женщины-донаторы, Лунмэньские пещеры, Буддийское пещерное искусство, Религиозное пространство, Патронаж, Женское представительство, Другость

Abstract: This study examines the complex visual and spatial mechanisms of female representation in Chinese Buddhist cave art, with a particular focus on the Longmen Grottoes. As sacred architectural complexes, Buddhist caves are not only repositories of devotional images but also gendered spaces in which hierarchical social structures and religious forms of subjectivity are encoded. Women frequently appear in these visual programs—primarily in the role of donor figures—but their depiction is typically marked by marginal spatial placement, reduced scale, and stereotypical facial and bodily features. These visual strategies simultaneously render women visible and push them to a symbolic periphery, creating a dual process of representation and erasure. This research centers on the representation of women in Chinese Buddhist cave art, addressing a cutting-edge topic at the intersection of religious art and gender studies. The article engages in a comprehensive discussion of the mechanisms through which gender and power interact in Buddhist iconography. It combines the theory of alterity with the practice of Buddhist visual language to move beyond the traditional, simplified depiction of donor figures. The argument is presented through feminist critique and image analysis. Against the backdrop of a growing re-evaluation of female spiritual subjectivity and the increasing study of women's positions within non-Western visual traditions, this work offers a Chinese perspective on how women construct spaces of agency within traditional religious and patriarchal structures. It also contributes a cultural perspective to contemporary discussions on gender equality and religious diversity. The aim of this research is to analyze the visual representation of women in Chinese Buddhist art, with a special emphasis on cave art—particularly the Longmen Grottoes. The study seeks to explore how gender and power interact in Buddhist iconography and how female figures express their spiritual practices and subjectivity while situated within religious and social structures.

Keywords: Feminine representation, Patronage, Religious space, Visual subjectivity, Iconography, Gender and religion, Female patron, Longmen Grottoes, Buddhist cave art, Otherness

Аннотация: Медицина сегодня вышла за пределы узкоспециализированной науки, она активно присутствует в пространстве культуры. Гигиенические практики и санитарные нормы регламентируют поведение человека. В связи с этим возрастает значимость грамотной трансляции достижений медицины населению. Музей способен выступать инструментом популяризации медицинского знания. В 1893 году состоялась Первая Всероссийская Гигиеническая выставка. Впервые в истории нашей страны правительство Российской Империи решило популяризировать медицинское знание музейными средствами. Предметом статьи выступают способы показа медицинского знания на Первой Всероссийской гигиенической выставке. Задача популяризировать гигиену и санитарное просвещение населения на этой выставке была передана в руки врачей. Именно из них состоял организационный комитет, который занимался разработкой программы, отбором экспонатов и оформлением выставки. Несмотря на значимость поднимаемой темы, посещаемость выставки была низкой, что ставит вопрос о методах подачи информации, использованных при её проектировании. Для обозначенной цели была избрана методология М. Фуко – его характеристика «медицинского взгляда», который определяет методологию медицинского исследования при клинической медицине и шире вообще взгляд на мир. На Первой Всероссийской Гигиенической выставке наблюдается конфликт между медицинским взглядом и популяризацией. Организаторы выставки – врачи высказались на своём «медицинском языке», оформили её в соответствии со своим видением мира, что оттолкнуло посетителей. Экспонаты на выставке были оформлены в соответствии с научной классификацией, к ним прилагались пояснения также, написанные конкретным медицинским языком. Выставлялось много статистических данных, оформленных в таблицах и диаграммах, а также предметы, фотографии, планы, чертежи, приборы и оборудование. Однако все экспонаты были разбросаны по выставке и располагались очень скученно, близко, прилегая друг к другу. В результате, посетитель попадал как бы в огромное больное тело – панорама санитарного устройства Российской Империи, в котором из множества частей (выставленных экспонатов) нужно было выбрать симптомы (антисанитарные практики) и, проанализировав их, выработать лечение (индивидуальные гигиенические меры). Врачи легко ориентировались в однотипном ряде экспонатов и статистических данных, и находили для себя полезные сведения, но для простого посетителя такая сложная интеллектуальная работа оказалась непосильной.

Ключевые слова: гигиеническая выставка, медицинский музей, выставочное проектирование, популяризация, медицинский взгляд, приёмы экспонирования, материальность, конкретность, статистичность, клиническая медицина

Abstract: Medicine today has gone beyond the boundaries of a science; it is actively present in the cultural space. Hygienic practices and sanitary standards regulate human behavior. In this regard it is very important to popularize medical knowledge. The museum can be a useful tool for this purpose. In 1893, firstly in russian history the All-Russian Hygienic Exhibition was organized. The subject of the article is the methods of displaying medical knowledge at the First All-Russian Hygienic Exhibition. The aim of popularizing hygiene and health education at this exhibition was transferred to the hands of doctors. The First All-Russian Hygienic Exhibition was poorly attended despite the importance of its topic and careful preparation. That’s why the problem of the methods of presenting information used in the design of the exhibition should be analyzed. For the stated purpose, the methodology of M. Foucault was chosen - his characteristic of the "medical view", which determines the methodology of medical research in clinical medicine and, more broadly, the view of the world in general. At the First All-Russian Hygienic Exhibition, a conflict between the medical view and popularization can be observed. The organizers of the exhibition - doctors spoke in their "medical language", designed it in accordance with their vision of the world, which alienated visitors. As a result, the visitor found himself in a kind of huge sick body – a panorama of the sanitary system of the Russian Empire, in which from a multitude of exhibited parts it was necessary to select symptoms (unsanitary practices) and, having analyzed them, develop a treatment (individual hygienic measures). Doctors easily navigated the uniform series of exhibits and statistical data, and found useful information for themselves, but for a simple visitor such complex intellectual work turned out to be beyond their capabilities.

Keywords: clinical medicine, statistical nature, concreteness, materiality, methods of exhibiting, medical view, popularization, exhibition design, medical museum, hygienic exhibition

Аннотация: В статье рассматривается процесс трансформации эстетики и стилистики китайского фарфора в XX-XXI вв. с точки зрения его инновационной функциональности. Исследование рассматривает новые функции китайского фарфора как сложное явление. Инновационность соединяет в себе три аспекта: развитие технологий, изменение культурных значений и приспособление к рынку. Показано как традиционные ремесленные методы и проверенные веками способы декорирования и создания форм заменяются новыми. В новых способах работы с изделиями цифровые технологии и современные материалы сочетаются с историческим наследием. Цель статьи — указать на возможности сохранения основ традиционного искусства в сочетании с современными идеями и методами. Приводятся примеры развития керамики: от новых способов украшения в начале XX века до современных экспериментов. Исследование носит междисциплинарный характер, объединяющий историко-культурный анализ источников, сравнительное изучение технологических процессов и эмпирическую оценку современных проектов в области керамического искусства и промышленного дизайна. Культурологический анализ используется в исследовании для того, чтобы продемонстрировать, как каноны красоты и символика прошлого сосуществуют в мире современной функциональности, вплоть до цифровой культуры. Научная новизна исследования заключается в междисциплинарном подходе, объединяющем историю искусства, технологии и культурологию. Показано, что цифровые технологии не заменяют традиционные методы, а повышают их культурную ценность. Данная работа также вносит вклад в изучение влияния глобализации на рынок фарфора, представляя анализ спроса на сувениры и художественные произведения. Делается вывод о том, что знание культурных традиций помогает современным дизайнерам, а технологическая модернизация (цифровизация, 3D-печать) не подменяет традиционные практики, а, напротив, усиливает их культурную значимость. Содержание статьи может быть полезно для исследователей сохранения наследия любой культуры посредством реинтерпретации его культурных символов. Автор предполагает, что традиция и инновации не противостоят, а взаимно поддерживают друг друга в непрерывном диалоге эпох, где технологические прорывы обретают смысл через связь с культурной памятью.

Ключевые слова: китайский фарфор, функциональные инновации, традиции и современность, декоративное мастерство, современный фарфор, 3D-печать, влияние глобализациия, дизайн, рыночный спрос, культурное наследие

Abstract: The article examines the transformation of the aesthetics and style of Chinese porcelain in the 20th-21st centuries in terms of its innovative functionality. The study considers the new functions of Chinese porcelain as a complex phenomenon. Innovation incorporates three aspects: technological development, changes in cultural meanings, and market adaptation. It shows how traditional craftsmanship methods and time-tested techniques of decoration and form creation are being replaced by new ones. In the new methods of working with products, digital technologies and modern materials are combined with historical heritage. The aim of the article is to highlight the possibilities of preserving the foundations of traditional art in conjunction with contemporary ideas and methods. Examples of the development of ceramics are provided: from new decoration techniques in the early 20th century to modern experiments. The research is interdisciplinary, combining historical and cultural analysis of sources, comparative study of technological processes, and empirical evaluation of contemporary projects in ceramic art and industrial design. Cultural analysis is employed in the research to demonstrate how the canons of beauty and the symbolism of the past coexist in the realm of modern functionality, extending into digital culture. The scientific novelty of the research lies in its interdisciplinary approach, integrating art history, technology, and cultural studies. It is shown that digital technologies do not replace traditional methods but rather enhance their cultural value. This work also contributes to the study of the impact of globalization on the porcelain market, presenting an analysis of the demand for souvenirs and works of art. The conclusion is drawn that knowledge of cultural traditions assists contemporary designers, and technological modernization (digitization, 3D printing) does not substitute traditional practices but, on the contrary, reinforces their cultural significance. The content of the article may be useful for researchers preserving the heritage of any culture through the reinterpretation of its cultural symbols. The author suggests that tradition and innovation do not oppose each other but mutually support one another in a continuous dialogue between eras, where technological breakthroughs find meaning through connection with cultural memory.

Keywords: design, market demand, influence of globalisation, 3D printing, contemporary porcelain, decorative craftsmanship, tradition and modernity, functional innovation, Chinese porcelain, cultural heritage

Аннотация: Объектом данного исследования выступает советский научно-фантастический кинематограф 1950–1980-х годов. Предметом исследования является образ инопланетянина советском кинематографе 1950–1980-х годов в визуальных, сюжетных и символических структурах. В статье рассматриваются ключевые этапы трансформации этого образа — от утопической модели "другого" к сложным метафизическим и аллегорическим фигурам в позднесоветском кино. Особое внимание уделено визуальным, жанровым и стилистическим средствам, с помощью которых создавался инопланетный образ: декорациям, световой и монтажной драматургии, художественным кодам анимации и игрового кино, а также звуковым и пространственным решениям. Теоретической и методологической базой при написании данной работы послужили труды отечественных исследователей М. Ямпольского, М. Когана, О. Кожемяко, А. Синицына, И. Жукова, С. Добина, Е. Рязанцевой, М. Воронина, Н. Громова, И. Кондакова, Е. Ульяновой, В. Житенёва, а также зарубежных исследователей T. Dobzhansky, S. Lem, R. Lewis, Yu. Tsivian, M. Smith, G. Roberts. Методы исследования включают семиотический и визуально-аналитический методы, обеспечивающие интерпретацию знаковых и символических структур, формирующих образ инопланетянина, интертекстуальный анализ, позволяющий установить связи между кино и литературной фантастикой (произведения Ефремова, Стругацких, Лема и др.), сравнительный метод, дающий возможность сопоставить различные этапы и стилистические традиции внутри жанра. Основные выводы исследования показывают, что образ инопланетянина в советском кино трансформировался от воплощения технократической надежды и мечты о межзвёздной солидарности до визуального выражения философских кризисов и идеологических сомнений. Он становится не столько фигурой внешнего иного, сколько экранной метафорой внутреннего человека, Бога, совести, утопии и страха. Исследование демонстрирует, что через этот образ советский кинематограф выражал как коллективные чаяния будущего, так и скрытые противоречия культурной идентичности. Научная новизна исследования заключается в комплексном анализе образа инопланетянина в советском кино с акцентом на его художественную трансформацию: от персонажа утопического проекта к аллегорической фигуре культурной и философской рефлексии. В работе впервые проводится системное сопоставление визуальных и смысловых стратегий, задействованных в создании этого образа в разных десятилетиях.

Ключевые слова: Советский кинематограф, Научная фантастика, Инопланетянин, Визуальная культура, Инаковость, Философская аллегория, Жанровая трансформация, Идеология в искусстве, Экранный образ, Художественные средства

Abstract: The object of this study is Soviet science fiction cinema of the 1950s to 1980s. The subject of the research is the image of the alien in Soviet cinema from the 1950s to the 1980s in visual, narrative, and symbolic structures. The article examines the key stages of the transformation of this image—from the early utopian model of the "other" to complex metaphysical and allegorical figures in late Soviet cinema. Special attention is given to the visual, genre, and stylistic means used to create the alien image: sets, lighting and editing dramaturgy, artistic codes of animation and live-action cinema, as well as sound and spatial solutions. The theoretical and methodological basis for this work includes the works of domestic researchers M. Yampolsky, M. Kogan, O. Kozhemyako, A. Sinitsin, I. Zhukov, S. Lem, S. Dobin, E. Ryazantseva, M. Voronin, N. Gromov, I. Kondakov, E. Ulyanova, V. Zhitenyov, as well as foreign researchers T. Dobzhansky, S. Lem, R. Lewis, Y. Tsivian, M. Smith, G. Roberts. The research methods include semiotic and visual-analytical methods, which provide an interpretation of the sign and symbolic structures that form the image of the alien, intertextual analysis that allows establishing connections between cinema and literary fiction (the works of Yefremov, Strugatsky, Lem, etc.), and a comparative method that enables the juxtaposition of different stages and stylistic traditions within the genre. The main conclusions of the study show that the image of the alien in Soviet cinema evolved from the embodiment of technocratic hope and dreams of interstellar solidarity to a visual expression of philosophical crises and ideological doubts. It becomes less a figure of the external other and more a screen metaphor for the inner self, God, conscience, utopia, and fear. The research demonstrates that through this image, Soviet cinema expressed both collective aspirations for the future and the hidden contradictions of cultural identity. The scientific novelty of the study lies in the comprehensive analysis of the image of the alien in Soviet cinema, emphasizing its artistic transformation: from a character of a utopian project to an allegorical figure of cultural and philosophical reflection. For the first time, this work conducts a systematic comparison of the visual and meaningful strategies involved in creating this image across different decades.

Keywords: Artistic means, Screen image, Ideology in art, Genre transformation, Philosophical allegory, Otherness, Visual culture, Alien, Science fiction, Soviet cinema

Аннотация: Предметом исследования является то, как русский художник Павел Покидышев выражает и реконструирует идеализированную социальную сцену, с помощью своего уникального живописного языка.В статье подробно рассматриваются следующие аспекты: формирование и выражение живописного языка, концепция времени в произведениях (линейное и переплетенное время), синтез визуальных элементов разных культур, а также механизмы конструирования и передачи утопических идеалов через визуальное искусство. Особое внимание в статье уделяется тому, как Павел Покидышев конструирует язык живописи при переходе от искусства позднего Средневековья к искусству раннего Возрождения. Воссозданию и воображению «идеального общества» в его произведениях, столкновению и слиянию культур разных исторических периодов и тому, как это отражается в концепции "линейного переплетения времени". Концепция «линейного переплетения времени» как способ объединить мистическое религиозное искусство Средневековья, рыцарский дух и гуманизм эпохи Возрождения и воссоздать утопический мир, мирный, гармоничный и свободный от противоречий. В данной работе используется метод систематизации. Метод абстрагирования. Метод анализа литературы. Сочетается с метафизической методологией исследования. Основным выводом проведенного исследования является то, что в творчестве Павла Покидишева сочетаются стили позднего Средневековья и раннего Возрождения, создавая форму искусства, которая преодолевает поколения. Особым вкладом автора является визуальное преодоление границы между реальностью и фантазией в своих произведениях, успешно сочетая разум и чувствительность, традиции и новаторство, тайну и гуманизм. Его женские фигуры, как духовные символы, воплощают индивидуальность и свободу гуманистической мысли эпохи Возрождения. В то же время Покидишев разрушает концепцию линейного времени и строит идеализированный утопический мир с помощью сложных исторических элементов и повествования, в котором переплетается пространство и время. Новизна исследования заключается в том, что искусство Покидишева преодолевает границы времени и истории с помощью тонкого языка, который возвращает к ценностям человеческой культуры и мысли и исследует отношения между разумом и свободой личности. Вызывая ностальгию по средневековому мистицизму, а также отражая интеллектуальное освобождение раннего Ренессанса, его работы образуют уникальный мост между традицией и современностью, демонстрируя глубокую связь между историей и временем.

Ключевые слова: средневековье, Возрождение, идеальный мир, ретро, утопия, Реальность, Фантастика, граница, гуманизм, линейного переплетающегося времени

Abstract: The subject of the study is how the Russian artist Pavel Pokidyshev expresses and reconstructs an idealized social scene through his unique painting language. The article examines the following aspects in detail: the formation and expression of the painting language, the concept of time in the works (linear and interwoven time), the synthesis of visual elements from different cultures, and the mechanisms of constructing and conveying utopian ideals through visual art. Special attention is given to how Pavel Pokidyshev constructs the language of painting when transitioning from late Medieval art to early Renaissance art. The recreation and imagination of the "ideal society" in his works, the confrontation and merging of cultures from different historical periods, and how this reflects the concept of "linear interweaving of time." The concept of "linear interweaving of time" as a way to combine the mystical religious art of the Middle Ages, the knightly spirit, and the humanism of the Renaissance to recreate a utopian world, peaceful, harmonious, and free of contradictions. This work employs the method of systematization, the method of abstraction, and the method of literature analysis, combined with a metaphysical methodology of research. The main conclusion of the conducted research is that in the work of Pavel Pokidyshev, the styles of late Medieval and early Renaissance art merge, creating an art form that transcends generations. The author's special contribution is the visual overcoming of the boundary between reality and fantasy in his works, successfully combining reason and sensibility, tradition and innovation, mystery and humanism. His female figures, as spiritual symbols, embody individuality and the freedom of humanist thought of the Renaissance. At the same time, Pokidyshev dismantles the concept of linear time and constructs an idealized utopian world using complex historical elements and narratives in which space and time intertwine. The novelty of the study lies in the fact that Pokidyshev's art transcends the boundaries of time and history through a subtle language that returns to the values of human culture and thought and explores the relationships between reason and individual freedom. Evoking nostalgia for medieval mysticism while reflecting the intellectual liberation of the early Renaissance, his works form a unique bridge between tradition and modernity, demonstrating a profound connection between history and time.

Keywords: linear interwoven time, humanism, border, Fantasy, Reality, utopia, retro, ideal world, Renaissance, Middle Ages

Аннотация: Предметом исследования являются особенности архитектурного стиля, получившего название "Сталинский ампир" как часть крымского культурного ландшафта. В статье рассмотрено понятие "культурный ландшафт" и его значение на полиэтнической территории России в целом и Крыма в частности, понятие архитектурного стиля, влияние на формирование стилей в Крыму этнических культур и сменяющих друг друга государственных образований, формирование локального "крымского стиля" в период модерна и его влияние на последующее развитие постмодерна. Рассмотрены особенности базового стиля ампир как имперского стиля времен правления Наполеона и его распространение на территориях Западной и Восточной Европы, а также в России. Обусловлены причины восприятия основных черт ампира в период СССР времен правления И. В. Сталина, на примерах ряда архитектурных объектов Крыма. В статье использован онтологический метод применительно к истории стиля ампир, компаративистский метод в сравнении особенностей европейского и сталинского ампира, метод синтеза в выявлении их общих черт и анализа в исследовании отдельных архитектурных примеров. Основными выводами проведенного явления стали следующие: 1. Архитектурные стили являются неотъемлемой частью культурного ландшафта Крыма, поскольку они являются отражением социально-этнических и религиозных компонентов, а также государственных образований, сменявших друг друга в крымской истории. 2. Базовый стиль ампир стал олицетворением имперского правления Наполеона Бонапарта, и распространился в странах Западной и Восточной Европы, а также в Российской Империи в первой трети XIX в. Он основан на античной ордерной системе в ее древнеримской интерпертации, с привнесением черт дворцового стиля XVIII в. – рококо. 3. Сталинским ампиром принято называть стиль общественной архитектуры СССР времени правления И. В. Сталина, в котором, как и в Древнем Риме и во Франции периода Директории воплотились идеи объединения многочисленных территорий под единым правлением. Сталинский ампир в Крыму имеет ряд особенностей, связанных с влиянием на него региональных черт крымского модерна, что делает его одним из узнаваемых маркеров крымского культурного ландшафта.

Ключевые слова: культурный ландшафт, Крым, стиль, архитектура, ампир, сталинский ампир, постмодерн, ротонда, шпиль, галерея

Abstract: The subject of the study is the features of the architectural style known as "Stalinist Empire" as part of the cultural landscape of Crimea. The article examines the concept of "cultural landscape" and its significance in the multi-ethnic territory of Russia in general and Crimea in particular, the concept of architectural style, the influence of ethnic cultures and shifting state formations on the development of styles in Crimea, the formation of a local "Crimean style" during the modern period, and its impact on the subsequent development of postmodernism. The Empire style spread during the reign of Napoleon in Western and Eastern Europe, as well as in Russia, is analyzed. The reasons for the perception of the main features of the Empire style during the USSR under the rule of I. V. Stalin are explained using examples of several architectural objects in Crimea. The article employs an ontological method regarding the history of the Empire style, a comparative method to compare the features of European and Stalinist Empire, a synthesis method to identify their common traits, and an analytical method to study individual architectural examples. The main conclusions of the research are : 1. Architectural styles are an integral part of the cultural landscape of Crimea, as they reflect the socio-ethnic and religious components, as well as the state formations that followed one another in Crimean history. 2. The basic Empire style became the embodiment of the imperial rule of Napoleon Bonaparte and spread in the countries of Western and Eastern Europe, as well as in the Russian Empire in the first third of the 19th century. It is based on the ancient order system in its ancient Roman interpretation, with the introduction of features of the palace style of the 18th century – Rococo. 3. The term Stalinist Empire refers to the style of public architecture in the USSR during the rule of I. V. Stalin, in which, as in Ancient Rome and France during the Directory period, the ideas of uniting numerous territories under a single government were embodied. The Stalinist Empire in Crimea has a number of features related to the influence of regional characteristics of Crimean modernism, making it one of the recognizable markers of the Crimean cultural landscape.

Keywords: postmodern, Stalin's Empire Style, Empire style, architecture, style, Crimea, cultural landscape, rotunda, The spire, gallery

Аннотация: Настоящее исследование посвящено цвету в религиозной живописи кочевых народов северной части Китая. При династиях Тан и Сун (VII – XIII вв.) – в период «золотого века» китайской живописи – номады также создавали свой художественный язык с собственным арсеналом выразительных средств, в особенности в отношении цвета. Выбор и семантика красок строились на сочетании активных заимствований из разных культур, в том числе ханьской, и в то же время на этнокультурных особенностях в восприятии и истолковании цвета и колористических сочетаний. В качестве объекта настоящего исследования видится эволюция средств художественной выразительности в живописи кочевых народов Северного Китая. Предмет – воздействие на приемы использования цвета в живописи номадов художественных традиций других народов. Методологически статья опирается на подходы по изучению различных аспектов бытования художественных традиций кочевых народов, их формирования и эволюции. Использованы труды российских и китайских исследователей, посвященные анализу и интерпретации изобразительного языка искусства номадов. В работе учитываются данные археологии, антропологии и этнографии, а также культурологии. Новизна работы заключается в том, что она предлагает установить четкие ориентиры, позволяющие увидеть близость средств художественного выражения искусства номадов, в частности в отношении цвета. В статье представлены различные аспекты значения цвета и колорита в искусстве северных кочевых народов средневекового Китая на примере фресковой живописи. В соответствии с установкой проведен анализ цветовых характеристик произведений представителей данных народов, населявших территории современного Синьцзяна; выявлены заимствованные и самобытные черты в выборе, использовании и семантике цвета в композициях, выработанные художниками-представителями кочевой культуры посредством трансформаций колорита в религиозном искусстве; расширены представления о творчестве номадов Китая, что в перспективе позволяет рассмотреть тенденции в арт-пространстве кочевников России.

Ключевые слова: кочевые народы, номады, Северный Китай, кочевая культура, цвет, китайская живопись, уйгуры, хань, Синьцзян, Шелковый путь

Abstract: This research is dedicated to color in the religious painting of the nomadic peoples in northern China. During the Tang and Song dynasties (7th – 13th centuries) – a period known as the "golden age" of Chinese painting – nomads also created their own artistic language with a distinct arsenal of expressive means, particularly concerning color. The choice and semantics of colors were built on a combination of active borrowings from different cultures, including Han culture, and at the same time on the ethnocultural characteristics in the perception and interpretation of color and color combinations. The object of this study is seen as the evolution of artistic expressiveness in the painting of the nomadic peoples of Northern China. The subject is the influence of the artistic traditions of other peoples on the techniques of color usage in nomadic painting. Methodologically, the article relies on approaches that study various aspects of the existence of artistic traditions of nomadic peoples, their formation, and evolution. Works by Russian and Chinese researchers dedicated to the analysis and interpretation of the visual language of nomad art have been used. The study takes into account data from archaeology, anthropology, ethnography, and cultural studies. The novelty of the work lies in its proposal to establish clear guidelines that allow for the recognition of the closeness of the artistic expression means of nomad art, particularly regarding color. The article presents various aspects of the significance of color and hue in the art of northern nomadic peoples in medieval China, exemplified by fresco painting. In accordance with the premise, an analysis of the color characteristics of works by representatives of these peoples, who populated the territories of modern Xinjiang, has been conducted; borrowed and indigenous features in the choice, usage, and semantics of color in compositions have been revealed, developed by artist representatives of nomadic culture through transformations of hue in religious art; and perceptions of the creativity of nomads in China have been expanded, which in turn allows for an examination of trends in the art space of the nomads of Russia in the future.

Keywords: Chinese painting, color, nomadic culture, Northern China, nomads, nomadic peoples, Uyghurs, Han, Xinjiang, Silk Road

Аннотация: Детализация искусства и влияние цифровых технологий преобразили искусство создания китайских плакатов, соединив классические эстетические приёмы с новейшими достижениями в области медиа. Это исследование погружается в анализ слияния традиционных элементов плакатного искусства Китая с современными цифровыми методами, раскрывает влияние цифровизации на плакатное искусство. Проанализированы трансформации, которым подверглось искусство плаката – начиная от его роли в социально-политических процессах и заканчивая его нынешним положением, где старинные практики и современные инновации сливаются в единое целое. Методологическая база исследования включает методы историко-культурного анализа, визуальной антропологии и сравнительного анализа. Атвор рассматривает плакат как культурный артефакт, отражающий изменения в обществе и технологиях. В качестве источников исследования используется широкий спектр материалов, включая архивные плакаты, исследования в области дизайна, а также современные цифровые ресурсы, иллюстрирующие переход. Научная новизна исследования заключается в анализе взаимодействия традиционного китайского плакатного искусства с цифровыми медиа, что ранее не представлялось в научной литературе в столь широком контексте. Исследование выявляет механизм трансформации визуальных кодов и стилистических приемов китайского плаката в условиях цифровизации, а также определяет ключевые факторы эволюции жанра. Особое внимание уделено семиотике китайского плаката, где традиционные символы и цветовые доминанты приобретают новые смыслы в цифровой среде. Выявлено, что цифровая репрезентация плакатного искусства Китая не только сохраняет его культурную идентичность, но и адаптирует его к глобальному медиапространству, формируя уникальные визуальные нарративы XXI века. Кроме того, впервые рассматривается роль цифровых технологий в изменении художественного языка плаката, что расширяет представления о принципах визуальной коммуникации. Контент-анализ демонстрирует, как цифровые инструменты формируют новые концепции художественного выражения, сочетая элементы культурного наследия с инновационными медиаформатами. Таким образом, исследование вносит вклад в изучение дигитализации визуального искусства и культурных индустрий, раскрывая механизмы синтеза традиции и новаторства в китайском плакате.

Ключевые слова: цифровое искусство, китайский плакат, визуальная коммуникация, мультимедиа, дизайнерские концепции, культурное наследие, туризм, искусство, плакат, дизайн

Abstract: Digitalization of art and the influence of digital technologies have transformed the art of creating Chinese posters, combining classic aesthetic techniques with the latest achievements in the field of media. This study dives into the analysis of the fusion of traditional elements of China’s poster art with modern digital methods, understanding the impact of digitalization on the evolution of design and visual presentation of information. The transformations that the art of the poster underwent are analyzed – from its role in socio-political processes to its current position, where ancient practices and modern innovations merge into a single whole. The field of design in the context of digital media art covers many areas and is reflected in various fields, especially in such as the creation of advertising materials, the formation of architectural space and industrial design, the development of multimedia products, design in the field of online media, as well as innovations in the field of displayed graphics and interfaces. Such creative action in the field of design is a process based on the use of computer technology for artistic creation. Artists and designers are required not only to form works of art with deep aesthetic qualities, but also to meet the growing needs of society in the field of beauty and the development of artistic and aesthetic concepts. The purpose of our research is to capture and analyze the process of merging the traditional art of the Chinese poster with modern digital media, through key aspects of the mutual influence of the latter, as well as to assess the values of integration for the development of contemporary art. Research methods include analysis of scientific literature and sources on the Chinese development of digital media arts, comparative and content analysis, visual content for the study of stylistics, technique.

Keywords: design, Chinese poster, visual communication, poster, art, tourism, cultural heritage, design concepts, multimedia, digital art