Аннотация: Статья посвящена анализу структурного противоречия между официальным дискурсом "сохранения" нематериального культурного наследия (НКН) этнических меньшинств КНР и реальными процессами трансформации традиции. Предметом исследования выступает жанр фэйгэ ("летящая песня") народа мяо – импровизационная вокальная традиция, сложившаяся в условиях горного ландшафта провинции Гуйчжоу и внесённая в Государственный реестр НКН в 2008 году. Цель работы состоит в выявлении механизмов идеологической апроприации и стадийной стандартизации народной традиции, а также в обосновании необходимости переосмысления модели государственной охраны НКН применительно к устным импровизационным жанрам этнических меньшинств. Источниковая база включает законодательные акты КНР и ЮНЕСКО, нотные издания, материалы государственного реестра и собственные полевые материалы автора. Отдельный раздел посвящён критике источников: показано, что доступные "оригинальные" фиксации фэйгэ сами являются продуктами институциональной работы с фольклором. В работе использованы пять подходов: полевое этнографическое исследование; сравнительный музыковедческий анализ народной и обработочной версий, включая уникальную пару записей одного исполнителя; исторический анализ; критический дискурс-анализ официальных нарративов охраны НКН; метод кейс-стади. В статье показано, что государственная система охраны НКН воспроизводит "парадокс фиксации": институционализация устной традиции трансформирует её природу, причём эта трансформация начинается раньше момента включения в реестр – на стадии фольклористической записи. Полевые материалы фиксируют структурный сдвиг в механизме передачи: устный метод сохраняется, но воспроизводится внутри административной рамки, а у части молодёжи обработочная версия вытеснила народную настолько, что о существовании второй они не знают. Вместе с тем полевые наблюдения не подтверждают тезис о полном исчезновении живой практики: в праздничном и бытовом контексте она фиксируется за пределами институциональных площадок. Сами носители устойчиво разграничивают "настоящую" и сценическую фэйгэ, не отождествляя их и не считая вторую подделкой. Обоснована необходимость перехода от логики музеефикации к логике живого наследия при критическом учёте ограничений этого подхода в условиях централизованного управления культурой.

Ключевые слова: нематериальное культурное наследие, народ мяо, фэйгэ, аутентичность, КНР, этнические меньшинства, государственная культурная политика, апроприация, устная традиция, живое наследие

Abstract: This article is dedicated to the analysis of the structural contradiction between the official discourse of "preservation" of the intangible cultural heritage (ICH) of ethnic minorities in the People's Republic of China (PRC) and the actual processes of tradition transformation. The subject of the study is the genre of feige ("flying song") of the Miao people – an improvisational vocal tradition that developed in the mountainous landscape of Guizhou Province and was included in the State Register of ICH in 2008. The aim of the work is to identify the mechanisms of ideological appropriation and staged standardization of folk tradition, as well as to justify the need to rethink the model of state protection of ICH in relation to the oral improvisational genres of ethnic minorities. The relevance of the study is determined by the fact that as the Chinese system of ICH protection becomes more complex, the question of the authenticity of what is included in it becomes increasingly acute. The methodology of the work is based on a combination of four complementary approaches: historical analysis, comparative musicological analysis of two versions of the same work, critical discourse analysis of official narratives of ICH protection, and a case study method of the selected work. The information base includes legislative acts from the PRC and UNESCO. Our research shows that the state system of ICH protection reproduces the "paradox of fixation": the institutionalization of oral tradition inevitably transforms its nature. Using the example of the 1963 adaptation, it is demonstrated how the normalization of rhythm, the replacement of Miao-language text with political lyrics in Chinese, and the addition of orchestral accompaniment have turned the improvisational genre into a concert piece, pushing the original into the background of mass consciousness. Comparative musical analysis of the two versions reveals specific points of divergence between the living tradition and its institutional counterpart. A notable intergenerational gap in the transmission of the genre is recorded: among the youth, competence in feige is extremely rare. The necessity of shifting from the logic of "museumification" to the logic of "living heritage" is substantiated, which implies support for the linguistic environment, ritual practices, and the economic viability of the communities that carry this heritage.

Keywords: intangible cultural heritage, Miao people, feige, authenticity, PRC, ethnic minorities, state cultural policy, appropriation, oral tradition, living heritage

Аннотация: Статья рассматривает феномен использования песни в структуре современного сериала в виде клиповых сцен. Объектом для исследования выступает современный (выпущенный преимущественно в последние десять лет на различных интернет-платформах) немузыкальный сериал. "Немузыкальный" в рамках исследования означает такой сериал, в котором музыка и песни не являются ядром сюжетного движения, а используются как один из множественных инструментов построения нарратива. Данное ограничение связано с принципиально иным построением драматургии и повествования в музыкальных жанрах, таких как сериал-байопик или мюзикл, где музыка неотделима от сюжета и нарратива. Предметом исследования являются драматургические, формообразующие и эстетические функции песни в её клиповом воплощении в рамках сериального повествования. Теоретико-методологическую базу составляют труды Э. Тоффлера, Т. Н. Шеметовой, Ф. В. Фуртай и других исследователей клип-культуры. На основе теоретических подходов к определению музыкального клипа (поликодовый текст, формула культурных клише, «фильм-катектор») и эмпирических наблюдений выделяются и описываются два основных типа клиповых конструктов. Первый тип – клип-повествование – характеризуется смысловой связью вербального, музыкального и визуального рядов. В таком случае песня выступает инструментом раскрытия внутреннего мира персонажей, тематического обобщения и драматургического развития. Такие сцены характеризуются условной автономностью и повышенной нарративной значимостью. Изъятие подобной сцены приводит к потере важных смыслов, определяющих значение для повествования. Второй выделенный в статье тип – клип-действие. Данный вид клипов призван к созданию яркого эмоционального впечатления, а музыкальный ряд отвечает за ритмическую организацию монтажной последовательности. Смысловая связь с текстом песни, в таком случае, условна или отсутствует. Предложенная типологизация клиопвых сцен иллюстрируется анализом конкретных примеров из сериалов «Аркейн», «Пищеблок», «Кибердеревня», «Игра в кальмара» и «Плейлист волонтёра». В завершении работы делается вывод о необходимости рассматривать песню в сериале не как второстепенное дополнение, а как активную формообразующую силу. Предложенная методологическая оппозиция «клип-действие» и «клип-повествование» может служить рабочим инструментом для анализа монтажно-музыкальных решений в современных сериальных произведениях.

Ключевые слова: песня, сериал, музыкальный клип, клип-культура, экранная культура, драматургия, нарратив, клип, музыка, онлайн-кинотеатры

Abstract: The article examines the phenomenon of using songs in the structure of modern series in the form of clip scenes. The object of study is the contemporary (mostly released in the last ten years on various internet platforms) non-musical series. "Non-musical" in the context of the study means a series in which music and songs are not the core of the plot movement, but serve as one of the multiple tools for constructing the narrative. This limitation is related to the fundamentally different construction of dramaturgy and storytelling in musical genres, such as biopic series or musicals, where music is inseparable from the plot and narrative. The subject of research is the dramaturgical, formative, and aesthetic functions of the song in its clip embodiment within the framework of serial narration. The theoretical and methodological basis includes the works of E. Toffler, T. N. Shemetova, F. V. Furtaev, and other researchers of clip culture. Based on theoretical approaches to defining the music video (polycoded text, formula of cultural clichés, "film-catector") and empirical observations, two main types of clip constructs are identified and described. The first type—clip-narrative—is characterized by the meaningful connection of verbal, musical, and visual components. In this case, the song acts as a tool for revealing the inner world of the characters, thematic generalization, and dramaturgical development. Such scenes are characterized by conditional autonomy and increased narrative significance. Removing such a scene results in the loss of important meanings that are crucial for the narrative. The second type distinguished in the article is the clip-action. This type of clip is intended to create a vivid emotional impression, while the musical component is responsible for the rhythmic organization of the montage sequence. The meaningful connection to the song's lyrics is, in this case, conditional or nonexistent. The proposed typology of clip scenes is illustrated by analyzing specific examples from the series "Arcane," "Kitchen Block," "Cyber Village," "Squid Game," and "Volunteer Playlist." In conclusion, the work emphasizes the need to consider the song in a series not as a secondary addition but as an active formative force. The proposed methodological opposition of "clip-action" and "clip-narrative" may serve as a working tool for analyzing montage-musical solutions in contemporary serial works.

Keywords: song, TV series, music video, clip culture, screen culture, dramaturgy, narrative, clip, music, online streaming platforms

Аннотация: Предметом исследования является взаимосвязь целостности и дифференцированности техники в процессах изобретения и культурного воспроизводства. Рассматриваются два аспекта целостности, выделенные В. М. Розиным, – общность разнородных проявлений техники и её принадлежность более широкому культурному целому. Собственные закономерности генезиса и функционирования технических объектов соотносятся с культурными условиями их создания, применения и передачи. Устройство технических объектов рассматривается в связи со средой и операциями, посредством которых люди создают, применяют и преобразуют технику. Особое внимание уделяется тому, как освоение техники влияет на способы её восприятия и оценки, а приобретённый опыт направляет последующие изобретения. Исследуется, как избирательное освоение и передача опыта связывают культурную преемственность с изменением способов создания и применения техники. В ходе анализа сопоставляются концепции М. Хайдеггера и Ж. Симондона с опорой на философию Ю. Хуэя. Культурная передача исследуется с привлечением антропологии техники, концепций деятельности М. С. Кагана и культурной формы А. Я. Флиера. Сохранение и преобразование способов выполнения операций анализируются на материале цифрового аннотирования и истории брайлевской печати. В статье предложено понятие технической формы как исторически сложившегося воспроизводимого способа выполнения одной или нескольких взаимосвязанных операций. Целостность техники объясняется исторической взаимозависимостью её предметных воплощений и человеческих умений. Показано, что воспроизведение освоенных операций в новых условиях может требовать изменения устройств и способов их применения. Дифференциация технических форм может поэтому становиться условием культурной преемственности. Культурная передача продолжает технический генезис, поскольку переданные знания и умения участвуют в последующих изобретениях. Обоснован рекурсивный характер взаимосвязи технического генезиса и культурного воспроизводства. Созданная техника изменяет человеческие способности, а приобретённый опыт направляет её дальнейшее создание и применение. Однако включение пользовательского опыта в функционирование техники не равнозначно участию пользователей в её преобразовании. Если люди могут выполнять предусмотренные операции, но не пересматривать их, разнообразие опыта может воспроизводиться в пределах прежних технических ограничений.

Ключевые слова: философия техники, культура, техническая форма, культурная форма, рекурсивность, технический генезис, техноразнообразие, технический объект, техническая культура, культурное воспроизводство

Abstract: This article examines the relationship between the wholeness and differentiation of technology in invention and cultural reproduction. Following V. M. Rozin, it considers both the commonality of heterogeneous manifestations of technology and their inclusion within a broader cultural whole. The regularities governing the genesis and functioning of technical objects are examined alongside the cultural conditions of their creation, use, and transmission. Attention focuses on relationships between devices, their environments, and human operations. The study explores how learning to use technology changes its perception and evaluation, and how the selective transmission of knowledge and skills connects cultural continuity with changes in the ways technology is created and used. Heidegger’s and Simondon’s theories are compared, drawing on Hui’s philosophy. Cultural transmission is examined using the anthropology of technology, Kagan’s concept of activity and Flier’s concept of cultural form. The preservation and transformation of ways of performing operations are analysed through digital annotation and the history of Braille printing. The article proposes technical form as a historically developed, reproducible way of performing one or several interconnected operations. The wholeness of technology is explained through the historical interdependence of its material embodiments and human skills. Reproducing learned operations under new conditions may require changes to devices and their use. The differentiation of technical forms can therefore become a condition for cultural continuity. Cultural transmission continues technical genesis as transmitted knowledge and skills inform subsequent inventions. This relationship is recursive. Technology changes human abilities, while acquired experience guides its further development and use. However, incorporating user experience into the functioning of technology is not equivalent to users participating in its transformation. Where users can perform predefined operations but cannot revise them, diverse experiences may be reproduced within existing technical constraints.

Keywords: philosophy of technology, culture, technical form, cultural form, recursivity, technical genesis, technodiversity, technical object, technical culture, cultural reproduction

Аннотация: Предметом исследования является трансформация массовой культуры в цифровую эпоху сквозь призму интегративного методологического подхода. Автор подробно рассматривает такие аспекты, как эволюция классических парадигм анализа массовой культуры (теории интеграции, субверсии, сопротивления и поля борьбы) и их применимость к новым цифровым средам. Особое внимание уделяется механизмам формирования культурных смыслов в условиях алгоритмизации: в частности, феноменам алгоритмической реификации творчества, диалектике цифровой эмансипации и порабощения, а также становлению киберфольклора как новой культурной формы. В фокусе анализа специфика цифрового мифа и семиозиса в новых медиа, включая ИИ-генерируемый контент, платформенные экономики внимания и новые формы цифровой субъектности. Эмпирическая база охватывает современные кейсы, демонстрирующие противоречивую природу цифровых культурных практик от парадокса платформы OnlyFans до нейрокапитализма TikTok и особенностей производства ИИ-арта. Таким образом, предмет объединяет теоретические основания культурологического анализа с актуальными эмпирическими проявлениями в цифровом пространстве. Методология исследования строится на синтезе критической теории, семиотики и культурных исследований. Применяются сравнительный анализ исследовательских парадигм, имманентная критика, семиотический разбор культурных текстов, а также протоколы цифровой антропологии (анализ данных, VR-этнография). В качестве аналитических перспектив используются критико-теоретическая, семиотическая и культурологическая оптики. Новизна исследования заключается в разработке интегративной модели анализа массовой культуры, адаптированной к цифровому контексту, и в создании обновленной методологической триады, которая позволяет системно фиксировать противоречия современных культурных процессов. Особым вкладом является модель цифрового мифа как развитие семиотической теории, а также предложенные протоколы цифровой антропологии, сочетающие традиционные культурологические методы с инструментами анализа больших данных и виртуальной этнографии. Основными выводами являются выявление ключевых тенденций цифровой массовой культуры: алгоритмическая реификация творчества, при которой креативность все больше подчиняется логике платформ и метрик; диалектика цифровой эмансипации и порабощения, проявляющаяся в одновременном расширении возможностей самовыражения и усилении механизмов эксплуатации; генезис киберфольклора, возникающей на пересечении пользовательского творчества, алгоритмов и сетевой коммуникации. Эмпирическая верификация на кейсах подтверждает продуктивность предложенной интегративной методологии и демонстрирует ее способность фиксировать сложные, часто противоречивые культурные процессы в цифровой среде.

Ключевые слова: массовая культура, цифровая антропология, семиотика, нейрокапитализм, алгоритмическая культура, платформенные исследования, ИИ-творчество, теоретическая критика, имманентная критика, киберфольклор

Abstract: The subject of the research is the transformation of mass culture in the digital age through the lens of an integrative methodological approach. The author examines in detail aspects such as the evolution of classical paradigms for analyzing mass culture (theories of integration, subversion, resistance, and fields of struggle) and their applicability to new digital environments. Special attention is paid to the mechanisms of cultural meaning formation in conditions of algorithmization: in particular, the phenomena of algorithmic reification of creativity, the dialectic of digital emancipation and subjugation, and the emergence of cyber folklore as a new cultural form. The analysis focuses on the specifics of digital myth and semiosis in new media, including AI-generated content, platform attention economies, and new forms of digital subjectivity. The empirical basis covers contemporary cases demonstrating the contradictory nature of digital cultural practices, from the paradox of the OnlyFans platform to TikTok's neuro-capitalism and the peculiarities of AI art production. Thus, the subject combines the theoretical foundations of cultural analysis with relevant empirical manifestations in digital space. The research methodology is built on a synthesis of critical theory, semiotics, and cultural studies. Comparative analysis of research paradigms, immanent criticism, semiotic analysis of cultural texts, and protocols of digital anthropology (data analysis, VR ethnography) are applied. Analytical perspectives include critical-theoretical, semiotic, and cultural studies optics. The novelty of the research lies in the development of an integrative model for analyzing mass culture, adapted to the digital context, and the creation of a revised methodological triad that allows for the systematic identification of the contradictions in contemporary cultural processes. A special contribution is the model of digital myth as an advancement of semiotic theory, as well as the proposed protocols of digital anthropology, combining traditional cultural methods with big data analysis tools and virtual ethnography. The main conclusions include the identification of key trends in digital mass culture: algorithmic reification of creativity, wherein creativity increasingly succumbs to the logic of platforms and metrics; the dialectic of digital emancipation and subjugation, manifested in the simultaneous expansion of self-expression capabilities and the intensification of exploitation mechanisms; and the genesis of cyber folklore, arising at the intersection of user creativity, algorithms, and network communication. Empirical verification through case studies confirms the productivity of the proposed integrative methodology and demonstrates its ability to capture complex, often contradictory cultural processes in the digital environment.

Keywords: mass culture, digital anthropology, semiotics, neurocapitalism, algorithmic culture, platform studies, AI creativity, critical theory, immanent critique, cyberfolklore

Аннотация: В концепции Дэвида Болтера и Ричарда Грузина в общем смысле ремедиация обозначает представление, переосмысление и преобразование одного медиума средствами другого. Предметом исследования выступает феномен нейросетевой ремедиации (нейро-ремедиации) как специфический тип алгоритмического преобразования художественных форм. Цель работы заключается в теоретическом обосновании данного понятия, разработке таксономии нейро-ремедиации и создании структурированных критериев оценки оригинальности генеративного искусства, преодолевающих классические эстетические и правовые дихотомии «оригинал – копия». Задачами исследования является концептуализация термина «нейро-ремедиация»; исторический и типологический анализ эволюции ремедиации; выявление специфики нейро-ремедиации, разграничение её от смежных понятий; анализ трансформации статуса исходного художественного произведения; определение, как в эпоху искусственного интеллекта оригинал превращается из единичного культурного объекта в «статистический паттерн», «вектор в латентном пространстве» или обучающую выборку; предложение критериев оригинальности нейропроизведений, исследование феномена «распределенного авторства», изучение проблемы «стирания медиума» и медиальной прозрачности. Методология исследования включает сравнительно-исторический анализ, типологический метод, формально-стилистический анализ, дискурс-анализ. Для систематизации материала применены методы таксономизации и концептуального моделирования. Проведен анализ конкретных художественных проектов для иллюстрации теоретических положений. Основными выводами проведенного исследования являются следующие утверждения: нейро-ремедиация представляет собой не техническое копирование, а особый тип медиального преобразования, меняющий структуру творческого акта. Художественная ценность генеративного произведения определяется не визуальным результатом, а характером замысла, способом работы с источниками и степенью рефлексии. Оригинальность в эпоху ИИ измеряется не новизной формы, а новизной смысла, возникающего при столкновении статистического паттерна с нетипичным для него содержанием. Для легитимации нейро-искусства необходима замена эстетики медиальной прозрачности этикой медиальной раскрываемости. Новизна исследования заключается во введении в научный оборот и обосновании понятия «нейро-ремедиация», разработана четырехкомпонентная шкала оценки оригинальности нейро-произведения, включающая плотность латентного усвоения, осознанность авторской интенции, трансформацию статуса источника и эстетическую валидность артефактов. Результаты исследования могут быть применены в искусствоведческой экспертизе для формализованной оценки генеративного искусства и разграничения ремесленной генерации от концептуального художественного жеста.

Ключевые слова: нейро-ремедиация, генеративное искусство, искусственный интеллект, гипермедиа, медиальная прозрачность, ремедиация, синтез медиа, цифровое искусство, нейросети, интермедиальность

Abstract: In the framework proposed by David Bolter and Richard Grusin, remediation broadly refers to the representation, reinterpretation, and transformation of one medium through another. This study focuses on the phenomenon of remediation by a neural network as a specific type of algorithmic transformation of artistic forms. The objective of this research is to theoretically substantiate the concept of remediation by a neural network, develop a taxonomy of this phenomenon, and establish structured criteria for evaluating the originality of generative art, thereby transcending the classical aesthetic and legal dichotomies of "original – copy." The tasks of the study include conceptualizing the term "remediation by a neural network"; conducting a historical and typological analysis of the evolution of remediation; identifying the specific features of remediation by a neural network while delineating it from related concepts; analyzing the transformation of the status of the original artwork; and determining how, in the age of artificial intelligence, the original transitions from a unique cultural object to a "statistical pattern," a "vector in latent space," or a training dataset. The research also proposes criteria for assessing the originality of neuro-artworks, examines the phenomenon of "distributed authorship," and addresses the issue of "medium erasure" and media transparency. The methodology employed in this research includes comparative-historical analysis, the typological method, formal-stylistic analysis, and discourse analysis. To systematize the material, methods of taxonomy and conceptual modeling were applied. An analysis of specific artistic projects is conducted to illustrate the theoretical positions presented. The main conclusions of this research assert that neuro-remediation is not merely technical copying but a distinctive type of media transformation that alters the structure of the creative act. The artistic value of a generative work is determined not by the visual outcome but by the nature of the conceptual intent, the approach to source materials, and the degree of reflexivity involved. Originality in the age of AI is measured not by the novelty of form but by the novelty of meaning that arises when a statistical pattern confronts atypical content. To legitimize neuro-art, a shift from the aesthetics of media transparency to the ethics of media disclosure is necessary. This study introduces the concept of "neuro-remediation" into scholarly discourse and develops a four-component scale for assessing the originality of neuro-artworks. This scale includes latent assimilation density, authorial intent awareness, source status transformation, and aesthetic validity of artifacts. The results of this research may be applied in art criticism to formalize the assessment of generative art and distinguish craft-driven generation from conceptual artistic gesture.

Keywords: remediation by a neural network, generative art, artificial intelligence, hypermedia, medial transparency, remeation, media synthesis, digital art, neural network, intermediality