Аннотация: Статья посвящена вопросу о специфике понимания дизайна в разных регионах. В узком смысле дизайн - продукт культуры модернизма, и его истоки можно проследить еще в европейской рациональности времен Просвещения. Однако к сегодняшнему дню понимание дизайна сильно расширилось, и разные регионы мира предлагают разное понимание дизайна, внося свой вклад в «науку» о дизайне. Цель статьи – на основе анализа современного тренда в средовом дизайне «japandi», предполагающего смешение традиций скандинавского (североевропейского) и японского дизайна, обозначить сходства и различия в понимании дизайна в Японии и странах Северной Европы. И хотя «japandi» - тренд 2020-х годов, необходимо отметить, что влияние японского дизайна на североевропейский можно проследить еще в середине ХХ века.   Исследование опирается на компаративный метод, предлагая сравнение разных моделей дизайна в контексте географических, историко-культурных и социально-экономических особенностей регионов. Следуя Н. Скоу и А. Мунку, авторы анализируют североевропейский дизайн с помощью ключевых слов: «север», «природа», «модели» [общественного благосостояния] и «минимализм». Авторы заключают, что специфика североевропейского дизайна в целом строится на идее «умеренности» – балансе природы и культуры, функционализма и поп-культуры, он социально ориентирован и, как следствие, прост, но не строг в своей приверженности простоте. Это делает его доступным и понятным каждому. При этом дизайн здесь - «образ жизни».
Продолжая логику ключевых слов, авторы заключают, что основными для японского дизайна являются: «традиция», «природа», «минимализм» и «забота». В японском дизайне созидание нового происходит путем встраивания в старое. Его минималистичность обусловлена не только влиянием буддизма и традиционной эстетики, в частности простоты «ваби», но и в целом «вестернизацией». Также «японский минимализм» связан с заботой о других людях, он «созерцателен», чему способствует традиционная связь с природой и эстетика потертостей «саби».
Хотя дизайн в обоих регионах стремится к покою, гармонии с природой и простоте форм, в целом японский дизайн «созерцательный», а североевропейский – «умеренно уютный» («хюгге»). «Japandi» – это западный тренд, ппредлагающий «уютную» Японию «для всех».

Abstract: The article is devoted to the issue of the specifics of understanding design in different regions. In a narrow sense, design is a product of modernist culture, and its origins can be traced back to the European rationality of the Enlightenment. However, by today, the understanding of design has greatly expanded, and different regions of the world offer different understanding of design, contributing to the "science" of design. The purpose of the article is to identify similarities and differences in the understanding of design in Japan and the Nordic countries based on the analysis of the modern trend in environmental design "japandi", which involves a blending of Scandinavian (Nordic) and Japanese design traditions. Although "japandi" is a trend of the 2020s, it should be noted that the influence of Japanese design on Nordic design can be traced back to the middle of the twentieth century. The study is based on a comparative method, offering a comparison of different design models in the context of geographical, historical, cultural and socio-economic characteristics of the regions. Following N. Skou and A. Munch, the authors analyze the Nordic design using the keywords: "north", "nature", "models" [of welfare] and "minimalism". The authors conclude that the specifics of Nordic design as a whole are based on the idea of the balance of nature and culture, functionalism and pop culture, it is socially oriented and, as a result, simple, but not strict in its commitment to simplicity. This makes it accessible and understandable to everyone. At the same time, the design here is a "way of life".
Continuing the logic of keywords, the authors conclude that the main ones for Japanese design are: "tradition", "nature", "minimalism" and "care". In Japanese design, the creation of the new takes place by embedding in the old. Its minimalism is due not only to the influence of Buddhism or traditional aesthetics, in particular the simplicity of "wabi", but also to "Westernization" in general. Also, "Japanese minimalism" is associated with caring for other people, it is "contemplative", which is facilitated by the traditional connection with nature and the aesthetics of "sabi" scuffs. Although design in both regions strives for peace, harmony with nature and simplicity of forms, in general Japanese design is "contemplative", and Nordic design is "cozy" ("hygge"). Thus "japandi" is a Western trend offering a "cozy" Japan "for everyone."

Аннотация: В современной архитектуре и средовом дизайне уже давно популярна тема «духа места», которую еще в 1970–1980-е гг. начал развивать норвежский архитектор Кристиан Норберг-Шульц. Эта идея оказалась близка китайским проектировщикам, особенно тем из них, кто наследовал идеи «литераторов» вэньжэнь, и через призму западных идей они по-новому взглянули на собственную традицию. Цель исследования – выявить некоторые характерные черты современной китайской проектной культуры, связанные с влиянием на нее «литераторов» вэньжэнь. Мы полагаем, что эта специфика в большой степени связана с поэтикой воспоминаний, пониманием пространства как череды трансформирующихся и перетекающих друг в друга образов, «метаморфоз бытия». Объект исследования – продукты художественной и проектной культуры «литераторов» вэньжэнь и проектировщиков, переосмысляющих их традицию.   В ходе исследования традиционной эстетики вэньжэнь мы в большой степени опираемся на труды отечественного синолога В. В. Малявина, а также на китайских и японских авторов. Говоря, о современной версии этой эстетики, мы обращаемся к текстам и проектам архитектора Ван Шу, дизайнера Сун Тао, фотографа Сунь Цзюня и др. Изначально вэньжэнь – это человек высоких моральных качеств, затем – ученый и чиновник. Традиционно жизнь вэньжэнь – это уединение и даже отшельничество, отсюда ощущение сна и тема воспоминаний в их творчестве. Кроме того, это «любительство», непрофессиональное увлечение «изящным» – живописью, музыкой и пр. В эстетическом плане – это изящная, но непритязательной красоте «я» 雅. Также с культурой вэньжэнь связана традиция «скрытых смыслов» 寓意 и «чистых даров» 清供.
Под влиянием в большой степени культуры «литераторов» вэньжэнь многие китайские проектировщики ХХ века обратились к поэтике воспоминаний и даже теме ностальгии, интерпретируя пространство как череду трансформирующихся образов, где настоящее переплетаются с прошлым, а естественное – с тем, что сделано руками человека. Как безусловно китайская сегодня ощущается традиционная концепция «дома-сада», когда внутреннее пространство уподобляется рельефу, а рельеф мыслится как жилище.

Abstract: The theme of the "spirit of place" has long been popular in modern architecture and environmental design, which was developed by the Norwegian architect Christian Norberg-Schultz in the 1970s and 1980s. This idea turned out to be close to Chinese designers, especially those of them who inherited the ideas of the literati (wenren), and through the prism of Western ideas they took a new look at their own tradition. The purpose of the study is to identify some characteristic features of modern Chinese design culture associated with the influence of the literati on it. We believe that this specificity is largely related to the poetics of memories, the understanding of space as a series of images transforming and flowing into each other, "metamorphoses of being." The object of research is the products of the artistic and design culture of the literati and designers rethinking their tradition. In the course of researching the traditional aesthetics of literati, we rely on the works of the Russian sinologist V. V. Malyavin, as well as on Chinese and Japanese authors. Speaking of the modern version of this aesthetic, we turn to the texts and projects of architect Wang Shu, designer Song Tao, photographer Sun Jun, etc. Initially, wenren is a man of high moral qualities, then a scientist and an official. Traditionally, the life of the literati is solitude and even hermitage, hence the theme of memories in their work. In addition, this is "amateurism", an unprofessional passion for the "elegant" – painting, music, etc. Aesthetically, it is an elegant, but unassuming beauty of the "ya". The tradition of "hidden meanings" and "pure offers" is also associated with the literati culture.
Influenced to a large extent by the culture of the literati, many Chinese designers of the twentieth century turned to the poetics of memories and even the theme of nostalgia, interpreting space as a series of transforming images where the present is intertwined with the past, and the natural with what is made by human hands. The traditional concept of a "garden house" is certainly felt today, when the interior space is likened to a relief, and the relief is thought of as a dwelling.

Аннотация: Исследование посвящено вопросу об изменении понимания дизайна и его актуальном состоянии. Хотя дизайн возник на Западе, сегодня все большую роль в его развитии начинает играть Восток. Как продукт культуры модернизма дизайн изначально следовал принципу «форма следует за функцией», но после «семантического поворота» стал пониматься как смыслообразование, и форма последовала за смыслом. Однако сегодня понимание смыслов лишь через призму «языка» исчерпало себя, в дизайн начало приходить понимание того, что дизайн – это не только интеллектуально порождаемые смыслы, но и смыслы-ощущения, поэтому западные теоретики и практики дизайна стали искать альтернативные пути развития дизайна, что оказалось созвучно тому пути, которым сегодня идут на Востоке. Цель статьи - обобщить некоторые результаты альтернативного «языковому» пониманию дизайна на Западе и на Востоке. Предмет исследования - изменение способов смыслообразования в современном дизайне.  Методы исследования:
- методы синхронного и асинхронного анализа позволяют проанализировать трансформации в понимании дизайна как исторические, так и региональные;
- метод обобщения, включая сравнительный анализ, позволяет понять разницу подходов к проектированию и формообразованию в разных регионах. В статье современный дизайн представлен как мультикультурный процесс, где разные регионы вносят свой вклад в общую «теорию» дизайна. Однако, и актуальный сегодня восточный путь дизайна неоднороден. Здесь можно выделить японское видение дизайна – «созерцательный подход», предполагающий рефлексию ощущений, опору на личный опыт, а также только оформляющееся сегодня китайское видение дизайна. Потенциальный вклад Китая в развитие дизайна нам видится во включении «воплощённого сознания» в процесс проектирования, когда правильность выбранного решения определяется не только умозрительными расчётами, но «резонирует» с ощущениями проектировщика и заказчика, а также в концепции «живой формы», когда видятся не только композиционные или функциональные связи между элементами, но и связность их движений. Китайский подход можно назвать «витализирующим».

Abstract: The research is devoted to the issue of changing the understanding of design and its current state. Although design originated in the West, today the East is beginning to play an increasingly important role in its development. As a product of modernist culture, design initially followed the principle of "form follows function", but after a "semantic turn" it began to be understood as meaning-making, and form followed meaning. However, today the understanding of meanings only through the prism of "language" has exhausted itself, the understanding today is that design not only intellectually generated meanings, but also senses–sensations, therefore Western design theorists and practitioners began to look for alternative ways of developing design, which turned out to be consonant with the path that is being followed in the East today. The purpose of the article is to summarize some of the results of the alternative "linguistic" understanding of design in the West and in the East. The subject of the study is the change in the ways of meaning formation in modern design. Research methods used in the article are:
- methods of synchronous and asynchronous analysis, that allowed us to analyze transformations in the understanding of design, both historical and regional;
- the method of generalization, including comparative analysis, allows to understand the difference in approaches to design and shaping in different regions. The article presents modern design as a multicultural process, where different regions contribute to the general "theory" of design. However, the current eastern way of design is heterogeneous. Here we can highlight the Japanese vision of design – the "meditative approach", which involves reflection of sensations, reliance on personal experience, as well as the Chinese vision of design that is just taking shape today. We see China's potential contribution to the development of design in the inclusion of "embodied mind" in the design process, when the correctness of the chosen solution is determined not only by speculative calculations, but "resonates" with the feelings of the designer and the customer, as well as in the concept of "living form", when not only compositional or functional connections between elements are seen, but also the coherence of their movements. The Chinese approach can be called "vitalizing".

Аннотация: В статье впервые сопоставляются две похожих и одновременно различных эстетических категории, получивших распространение в культуре потребления: западная показная роскошь гламур и японская гротескная «милота» каваии. Цель исследования – определить те различия в этих категориях, которые обусловлены их региональной спецификой. Такой сравнительный анализ позволит в дальнейшем выявить национальную специфику российского дизайна в условиях культуры потребления. В эстетике и гламура, и каваии есть коммерческий компонент: гламур – симулякр красоты, связанной с очарованием роскоши, идеальной внешности, успешности, а современное каваии – симулякр «милоты», связанной с очарованием объектов любви и привязанности, с несовершенной или незрелой красотой. Обе эстетики имеют схожие функции в современной культуре потребления, являясь основой коммерческих мифов о привлекательности. Если для Запада более характерна «гламуризация», то для Японии – обращение к «кавайному». Обращение к разным эталонам привлекательности обусловлено межкультурными различиями. В ходе исследования мы опираемся на известное эссе «Похвала тени» (1934) японского писателя Танидзаки Дзюнъитиро (1886–1965), в котором он называет западную эстетику – «эстетикой света», а японскую – «эстетикой тени». Гламур, важнейшим средством выразительности которого является блеск, представляет западную «эстетику света». А современная эстетика каваии связана с традиционной японской «эстетикой тени», и, прежде всего, с категорией ики, которая соединяет в себе вызов и смирение, роскошь и умеренность. "Скромность" в эстетике каваии - детские пропорции, бледность и пр., действительно, может граничить с вызовом.

Abstract: In her research Tretyakova compares two similar yet different aesthetic categories that have got widespread use in the culture of consumption: Western brave Glamour and Japanese grotesque Kawaii. The aim of the research is to outline differences in these categories that are caused by their regional specifics. Such comparative analysis allows to define national specifics of Russian design in terms of the culture of consumption. Aesthetics of both Glamour and Kawaii have got an advertising component: glamour is a simulacrum of beauty that presents the charm of luxury, ideal appearance, and success, and contemporary Kawaii is a simulacrum of 'cuteness' that presents the charm of love and tenderness and imperfect or immature beauty. Both aesthetics have similar functions in contemporary culture of consumption as the basis of advertising myths about attractiveness. While glamourization is more typical for the West, Japan is more appealing to Kawaii. This is caused by cross-cultural differences. The research is based on the analysis of a famous essay In Praise of Shadows written by a Japanese writer Jun'ichiro Tanizaki (1886–1965) in 1934 where he called Western aesthetics as 'aesthetics of light' and Japanese aesthetics as 'aesthetics of shadow'. Using shine and brilliance as the most important expressive means, glamour presents the Western 'aesthetics of light'. Contemporary aesthetics of Kawaii relates to the traditional Japanese 'aesthetics of shadow' and, first of all, to the category of iki that unites a challenge and submission, luxury and mildness. In aesthetics of Kawaii sumbission presents child-like proportions, faintness and etc. which can verge on challenge. 

Аннотация: Хотя изучению прекрасного посвящено немало исследований, известно, что в европейской традиции эстетические категории абстрактны и потому малоприменимы на практике, например, в дизайне. В связи с этим автор предлагает выявлять категории традиционной эстетики, определять пути их конкретного воплощения, а затем уже применять на практике. Таким образом, цель исследования – выявить одну из модификаций прекрасного в нашей культуре, рассмотрев для этого одну из ключевых категорий русской традиционной эстетики, в данном случае тоски, и определив её конкретное воплощение в предметной среде. В основу такого подхода был положен труд японского философа Куки Сюдзо (1888–1941) «Структура [красоты] ики», в котором он определил конкретное воплощение традиционной категории японской эстетики ики в разных сферах, в том числе в интерьере, орнаменте и цвете. С опорой на труд С. Куки, а также на трактовку тоски у Н. А. Бердяева (1874–1948), автором статьи было предложено конкретное осмысление тоскливой красоты. В ходе исследования автор сформулировал «структуру тоски» и затем перенёс эту категорию в сферу изобразительного, определив «тоскливую красоту» в орнаменте и цвете. Автор пришёл к выводу о том, что тоскливая красота тесно связана не только со зримой пустотой, но и с орнаментом как выразителем духовных устремлений, что сделало декор неотъемлемой частью представлений о красоте в России.

Abstract: Although there are many researches concerning the Beauty, as known in Europe as well as Russia aesthetic categories are traditionally abstract and consequently not applicable in practical use for example in design. Therefore, the author of this research offers to find concrete categories of traditional aesthetics and then incarnate it in objects. As an example of this approach, he takes a work of Japanese philosopher Shuzo Kuki (1888–1941) “The Structure of Iki [Beauty]” and basing on it, he offers concrete incarnation of such Russian aesthetics category as Toska [Melancholy]. Using interpretation of Toska by Nikolay Berdyaev (1874–1948) the author formulates “Structure of Toska” and extends Toska to arts defining melancholic beauty of Toska in ornaments and colors. The author concludes that melancholic beauty of Toska in our culture is connected not only with the visible void but also with an ornament, which expresses our spiritual aspirations and therefore becomes an essential part of the Beauty in Russia.