Аннотация: Предметом исследования является творчество джазового пианиста и композитора Николая Яковлевича Левиновского, создателя и руководителя одного из самых популярных в 1980-е гг. джаз-ансамбля «Аллегро», представителя «русского джаза». Его исполнительская и композиторская деятельность в период 1970-1980-х гг. рассмотрены в социокультурном контексте, определяющем трансформацию идеологических и культурных норм. Автором дана оценка деятельности филармонического камерного джаз-ансамбля «Аллегро» Н. Я. Левиновского как важного фактора активизации процесса институализации джаза в советском культурном пространстве. Рассмотрена эволюция композиторского мышления Н. Левиновского, обратившегося в период 1980-х гг. к экспериментам, способствующим формированию аутоимиджа советского джаза. Автором выявлена особенность композиторского мышления Н. Я. Левиновского, стилистический рельеф сочинений которого образовывала система взаимопроникновения приемов джазовой музыки и ладо-интонационных структур национальных культур. На основе анализа концертных выступлений и студийных записей джаз-ансамбля «Аллегро» выявлена специфика ансамблевого звучания, определена новизна подхода Н. Я. Левиновского к воплощению стилистики свинговых или джаз-роковых композиций. Сделан вывод о том, что в композиторском творчестве Н.Я. Левиновского намечается сближение приемов джазовой музыки с национальными музыкальными традициями, что способствует дальнейшему развитию джазового искусства, расширению географии его популяризации и продуктивной ассимиляции.

Ключевые слова: Николай Яковлевич Левиновский, джаз-ансамбль Аллегро, советский джаз, русский джаз, джазовый композитор, джазовый пианист, джаз-рок, рок-музыка, биг-бэнд, джазовый фестиваль

Abstract: The subject of the research is the work of jazz pianist and composer Nikolai Yakovlevich Levinovsky, the creator and leader of one of the most popular jazz ensembles in the 1980s, "Allegro", a representative of Russian jazz. His performing and composing activities during the 1970s and 1980s are considered in the socio-cultural context that determines the transformation of ideological and cultural norms. The author evaluates the activity of the Philharmonic chamber jazz ensemble "Allegro" by N. Y. Levinovsky as an important factor in activating the process of institutionalization of jazz in the Soviet cultural space. The evolution of N. Levinovsky's compositional thinking, which turned in the 1980s to experiments contributing to the formation of the autoimage of Soviet jazz, is considered. The author reveals the peculiarity of N. Ya. Levinovsky's compositional thinking, the stylistic relief of whose compositions was formed by a system of interpenetration of jazz music techniques and lado-intonation structures of national cultures. Based on the analysis of concert performances and studio recordings of the Allegro jazz ensemble, the specificity of the ensemble sound is revealed, the novelty of N. Y. Levinovsky's approach to the embodiment of the stylistics of swing or jazz-rock compositions is determined. The conclusion is made that N.Y. Levinovsky's compositional work is planned to bring jazz music techniques closer to national musical traditions, which contributes to the further development of jazz art, the expansion of the geography of its popularization and productive assimilation.

Keywords: big band, rock music, jazz rock, jazz piano player, jazz composer, Russian jazz, Soviet jazz, Allegro jazz ensemble, Nikolay Yakovlevich Levinovsky, jazz festival

Аннотация: Предмет исследования – концерт для фортепиано с оркестром «Эрхуан» современного китайско-французского композитора Чэнь Цигана (1951). Сочинение, написанное в зрелый период творчества мастера, наглядно демонстрирует художественно убедительный синтез национальных и европейских музыкальных традиций. Китайские влияния связаны, прежде всего, с опорой на характерные черты Пекинской оперы цзинцзюй, французские влияния обусловлены воздействием стилистики импрессионизма Клода Дебюсси и принципов музыкального письма Оливье Мессиана, учеником которого был Чэнь Циган. Главная цель исследования – охарактеризовать оригинальные черты концерта «Эрхуан», обусловленные сочетанием влияний Пекинской оперы цзинцзюй и французской музыки ХХ столетия. Концерт «Эрхуан», одно из наиболее репертуарных сочинений в наследии композитора и показательный образец его стиля, впервые рассматривается в отечественном музыкознании. Основные выводы исследования: национальные традиции Пекинской оперы представлены в концерте «Эрхуан» на ладовом (пентатонный лад чжи), метроритмическом (паттерны ло гу дянь цзы), формообразующем (традиционные вариации баньцян ти) и тембровом (имитация инструментов ансамбля Пекинской оперы и системы их настройки) уровнях; французские влияния проявляют себя в красочной ладогармонической палитре (воздействие музыкального языка Дебюсси), а также в рецепции техники Мессиана (теория добавочной длительности, прием нерегулярного увеличения и уменьшения ритма, принцип мотивной комбинаторики, последовательная смена ладов ограниченной транспозиции).

Ключевые слова: Чэнь Циган, концерт, Пекинская опера, современная китайская музыка, китайская музыкальная культура, Оливье Мессиан, вариации баньцян ти, ритмические паттерны логу, китайский ученик Мессиана, китайские лады

Abstract: The subject of the research is the concerto for piano and orchestra "Erhuang" by the contemporary Chinese-French composer Chen Qigang (1951). The work, written in the mature period of the master's work, clearly demonstrates an artistically convincing synthesis of national and European musical traditions. Chinese influences are associated primarily with the reliance on the characteristic features of the Peking Opera jingju, French influences are due to the influence of the Impressionist style of Claude Debussy and the principles of musical writing by Olivier Messiaen, whose student was Chen Qigang. The main purpose of the study is to characterize the original features of the Erhuang concerto, due to the combination of influences from the Peking Opera and French music of the 20th century. The concert "Erhuang", one of the most repertoire works in the composer's heritage and a representative example of his style, is considered for the first time in Russian musicology. The main conclusions of the study: the national traditions of the Peking Opera are presented in the concert "Erhuang" on the modal modes (pentatonic scale of zhi), metro-rhythmic (patterns of luo gu dian zi), forma (traditional variations of banqiang ti) and timbre (imitation of the instruments of the Peking Opera ensemble and their tuning system) levels; French influences manifest themselves in a colorful harmonic palette (the influence of Debussy's musical language), as well as in the reception of Messiaen's technique (the theory of additional duration, the method of irregular increase and decrease in rhythm, the principle of motivic combinatorics, the sequential change of modes of limited transposition).

Keywords: Peking Opera, modern Chinese music, Messiaen's Chinese student, lo gu rhythmic patterns, banqiang ti variations, Olivier Messiaen, Chinese musical culture, Concerto, Chen Qigang, Chinese modes

Аннотация: В качестве предмета исследования рассматриваются две хронологически близкие музыкальные интерпретации мифа об античном титане Прометее: симфоническая поэма А.Н. Скрябина и хор С.И. Танеева из цикла «Двенадцать хоров для смешанных голосов на стихи Я.П. Полонского». В статье рассматривается специфика трактовки Прометея, одного из центральных символов европейской культуры. Отмечается, что за свою долгую историю содержание мифа о Прометее интерпретировалось в широком диапазоне от бунтовщика, идущего на самопожертвование ради человечества, до вдохновенного художника-творца, открывшего людям блага культуры; от святого великомученика и пророка истинного Бога, до предводителя революционных народных масс. В результате анализа делается вывод, что в произведении Танеева центральным мотивом выступает призвание художника, идущего на самопожертвование против сил зла и невежества. У Скрябина Прометей трактован, как активная творческая энергия Вселенной, вступающая в борьбу с материей и преобразующая её. В анализе также выявляется ряд стилевых параллелей в наследии двух композиторов, таких как, философская концептуальность, монументальность замысла и его реализации, устремленность к преображению человека через искусство, рациональные основания творчества, ориентация на западноевропейские образцы искусства. В качестве противоположных стилистических черт отмечается принадлежность композиторов к разным полюсам охранительства и новаторства в искусстве, различающиеся подходы к использованию литературного слова. Подчёркивается влияние новаторских прозрений композиторов на пути развития музыкального искусства XX века.

Ключевые слова: Танеев, Скрябин, Прометей, миф, Хоровой цикл, Симфоническая поэма, Символ, Интерпретация, Полонский, Серебряный век

Abstract: Two chronologically close musical interpretations of the myth of the ancient titan Prometheus are considered as the subject of the study: the symphonic poem by A.N. Scriabin and the chorus by S.I. Taneyev from the cycle "Twelve Choirs for Mixed Voices to the poems of Ya.P. Polonsky". The article discusses the specifics of the interpretation of Prometheus, one of the central symbols of European culture. It is noted that over its long history, the content of the Prometheus myth has been interpreted in a wide range from a rebel who goes to self-sacrifice for humanity, to an inspired artist-creator who revealed the benefits of culture to people; from the holy great martyr and prophet of the true God, to the leader of the revolutionary masses of the people. As a result of the analysis, it is concluded that the central motive in Taneyev's work is the vocation of the artist, who goes to self-sacrifice against the forces of evil and ignorance. In Scriabin, Prometheus is interpreted as the active creative energy of the Universe, entering into a struggle with matter and transforming it. The analysis also reveals a number of stylistic parallels in the legacy of the two composers, such as philosophical conceptuality, monumentality of the idea and its implementation, striving for the transformation of a person through art, rational foundations of creativity, orientation to Western European art samples. As opposite stylistic features, the composers belong to different poles of protectiveness and innovation in art, and different approaches to the use of the literary word are noted. The influence of innovative insights of composers on the development of musical art of the XX century is emphasized.

Keywords: Interpretation, Symbol, Symphonic Poem, Choral cycle, myth, Prometheus, Scriabin, Polonsky, Taneyev, The Silver Age

Аннотация: Предметом исследования является артистический феномен Николо Гримальди, выдающегося итальянского оперного певца-кастрата начала XVIII века. Автор рассматривает творческую биографию и фокусируется на анализе сценического мастерства певца, установившего высокую планку драматического искусства в Англии. Николо Гримальди (1673–1732) прославился под псевдонимом Николини (Nicolini или Nicolino). Его имя стало широко известно благодаря легендарным выступлениям на сцене лондонского Королевского театра в 1708–1712 и 1715–1717 годах. Реконструкция вокально-драматического профиля певца, опирающаяся на надежные исторические источники, потребовала привлечения комплексной методологии, включающей исторические, культурологические и лингвистические методы исследования.   Информация о жизни и творчестве Николини до сих пор была неизвестна российскому музыкальному сообществу и на русском языке публикуется впервые. Сохранились различные источники информации о Николини: музыкально-критические обзоры в лондонских газетах, партитуры и либретто опер, эссе, письма и воспоминания современников, засвидетельствовавших характер вокального и актерского мастерства артиста. Они послужили материалом для историко-биографического анализа, результаты которого заинтересуют как практикующих певцов, так и исследователей итальянской барочной оперы. Историческая значимость Николини заключается в том, что он как превосходный певец и актер повлиял на укрепление и развитие итальянской оперы в ранний период ее бытования в Лондоне.

Ключевые слова: Николо Гримальди, Николини, певец, Лондон, итальянская опера, театр, актерское мастерство, вокальное искусство, публика, театральная критика

Abstract: The subject of the research is the artistic phenomenon of Nicolo Grimaldi, an outstanding Italian operatic castrato of the early 18th century. The author examines the creative biography and focuses on the analysis of the stage skills of the singer, who set the bar high for dramatic art in England. Nicolo Grimaldi (1673–1732) became famous under the pseudonym Nicolini (or Nicolino). His name became widely known thanks to the legendary performances on the stage of the Royal Theater in London in 1708–1712 and 1715–1717. The reconstruction of the vocal-dramatic profile of the singer, based on reliable historical sources, required to employ a comprehensive methodology, including historical, cultural and linguistic research methods. Information about Nicolini’s life and work has been still unknown to the Russian musical community and is being published in Russian for the first time. Various sources of information about Nicolini have been preserved: music-critical reviews in London newspapers, scores and librettos of operas, essays, letters and memoirs of contemporaries who testified to the character of the artist’s vocal and acting skills. They served as material for a historical and biographical analysis, the results of which will be of interest to both practicing singers and researchers of Italian baroque opera. The historical significance of Nicolini lies in the fact that, as an excellent singer and actor, he influenced the strengthening and development of Italian opera in the early period of its existence in London.

Keywords: theater criticism, audience, vocal art, acting technique, theatre, Italian Opera, London, singer, Nicolini, Nicolo Grimaldi

Аннотация: XIX век подарил миру множество талантливых оперных певцов, каждый из которых обладал своей артистической харизмой и уникальным стилем вокального исполнения. Одним из таких певцов был бас-баритон Антонио Тамбурини – мастер интерпретации партий Джоаккино Россини, Винченцо Беллини, Гаэтано Доницетти, Саверио Меркаданте, Джованни Паччини, Карло Коччи и Вольфганга Амадея Моцарта. Предметом исследования является творчество оперного баритона начала XIX века Антонио Тамбурини. Объектом исследования выступают оперные партии, исполненные Тамбурини за годы работы в театрах. В статье делается упор на первоисточники: творческую биографию певца, описанную музыкальным критиком XIX века Кастилем-Блазом, отзывы современников о сценических выступлениях Антонио Тамбурини. В работе преобладают исторический и теоретический методы исследования. Актуальность исследования обусловлена ролью Антонио Тамбурини в становлении и развитии баритонового амплуа в начале XIX века, а также недостатком изученности процессов, произошедших в оперном искусстве в эпоху раннего романтизма. Этот период освещен в музыковедческих трудах О.В. Жестковой, Л.А. Садыковой, И.П. Драч, Е.А. Рубахи, А.Е. Хоффманн, С.В. Решетниковой, Дж. Поттера, А. Якобсхагена, Дж. Старка, однако упомянутые работы посвящены в основном изучению оперного исполнительства теноров и сопрано. Период зарождения баритонового исполнительства в них не рассматривался и творчество Антонио Тамбурини осталось неизученным, что говорит о несомненной новизне работы. Основным выводом работы является выявление основных аспектов исполнительского стиля Антонио Тамбурини и раскрытие секрета его уникальности.

Ключевые слова: бас-баритон, basso cantante, Антонио Тамбурини, вокальная техника, исполнительский стиль, интерпретация, актерское дарование, вокальная партия, импровизация, вокализация

Abstract: The 19th century gave the world many talented opera performers, each of whom had his own artistic charisma and unique style of vocal performance. One of these singers was the bass-baritone Antonio Tamburini, a master of interpretation of the roles of Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Saverio Mercadante, Giovanni Paccini, Carlo Coccia and Wolfgang Amadeus Mozart. The subject of the research is the work of the early 19th century operatic baritone Antonio Tamburini. The object of the study is the opera parts performed by Tamburini over the years of work in theaters. The relevance of the study is due to the role of Antonio Tamburini in the formation and development of the baritone art at the beginning of the 19th century, as well as the lack of knowledge of the processes that took place in opera art in the era of early romanticism. This period is covered in the musicological works of O.V. Zhestkovoy, L.A. Sadykova, I.P. Drach, G. Potter, A. Jacobshagen, J. Stark, A.E. Hoffmann, S.V. Reshetnikova, however, the mentioned works are mainly devoted to the study of the operatic performance of tenors and sopranos. The period of the birth of baritone performance was not considered in the above works, and the work of Antonio Tamburini remained unexplored, which indicates the undoubted novelty of the work. The article focuses on primary sources: the singer's creative biography, described by the 19th century music critic Castile-Blaz, contemporaries' reviews of Antonio Tamburini's stage performances. The work is dominated by historical and theoretical research methods. The main conclusion of the work is to identify the main aspects of the performing style of Antonio Tamburini, revealing the secret of the uniqueness of his art.

Keywords: improvisation, vocal part, acting talent, interpretation, performing style, vocal technique, Antonio Tamburini, basso cantante, bas-baritone, vocalization