Аннотация: Предметом исследования является монументальное вокально-симфоническое сочинение выдающегося отечественного композитора второй половины XX века Бориса Тищенко «Реквием» на стихи А. Ахматовой. Отпевали Ахматову в церкви Никольского собора в Ленинграде 10 марта 1966 года. В партитуре «Реквиема» композитор поставил точку 16 августа 1966-го. Таким образом, сочинение на стихи Ахматовой стало памятью о ней, музыкальным приношением и даже первым нерукотворным ей памятником. Особое внимание в статье уделяется симфонической форме «Реквиема», разночтениях в трактовках поэтической темы у Тищенко и Ахматовой, роли симфонического оркестра и солистов-вокалистов, автор касается, также, важной темы качественного исполнения сложнейших тищенковских партитур.   Основным выводом проведенного исследования является тот факт, что «Реквием» Тищенко стал важным звеном в процессе обновления отечественного симфонизма 1960-1970-х годов, написанный свежим современным языком, он стал одним драйверов этого обновления. По сути, сочинение это является вокальной симфонией, и композитор последовательно развивает в произведении именно симфоническую форму. Новизна исследования заключается в том, что первые в отечественном музыкознании «Реквием» Тищенко рассмотрен так полно и подробно, раскрыта содержательная часть произведения, проанализированы исполнительские сложности. Автор обоснованно причисляет симфоническое сочинение Тищенко к ряду самых значительных в истории русской музыки.

Ключевые слова: тенор, сопрано, симфония, Реквием, Дмитрий Шостакович, Анна Ахматова, Борис Тищенко, симфонический оркестр, поэзия, драма

Abstract: The research subject is a monumental semi-orchestral composition created by an outstanding Russian composer of the late 20th century Boris Tischenko “Requiem” with lyrics by A. Akhmatova. A funeral service over Akhmatova was read at the church of St. Nicholas Naval Cathedral in Leningrad on March 10, 1966. The score of the “Requiem” was finished on August 16, 1966. Thus, the composition with the lyrics by Akhmatova has become a tribute to her, a musical offering, and even the first monument not built with hands. The author gives special attention to the symphonic form of the “Requiem”, differences in the interpretations of the poetic theme in the works of Tischenko and Akhmatova, the role of the symphonic orchestra and the leading singers; the author also considers an important issue of a high-quality performance of the hardest scores created by Tischenko. The main conclusion of the research is the fact that Tischenko’s “Requiem” has become an important element in the process of renovation of Russian symphonic style of the 1960s - the 1970s. As a composition, written in a modern language, it has become one of the drivers of this renovation. As such, the composition is a vocal symphony, and the composer develops the symphonic form step-by-step. The scientific novelty of the research consists in the fact that it is the first work in Russian musicology to consider Tischenko’s “Requiem” in detail, to reveal the contensive aspect of the composition, and to analyze the difficulties of performing the composition. The author reasonably reckons the symphonic composition by Tischenko among the most significant pieces in the history of Russian music.   

Keywords: Symphony orchestra, tenor, soprano, Symphony, Requiem, Dmitry Shostakovich, Anna Akhmatova, Boris Tishchenko, poetry, drama

Аннотация: Джаз стал первым видом музыкального творчества ранее развитие которого было сохранено в звукозаписи. Записанная в 1917 году квинтетом Original Dixieland “Jass” Band из Нового Орлеана грампластинка вошла в историю традиционного джаза как первая джазовая звукозапись. В научном сообществе существует мнение, что музыкальный материал, представленный на этой записи, вряд ли можно считать типичным образцом джазового исполнения того периода. Исполнителями были белые музыканты, хотя большинство первых джазовых групп были негритянскими; музыка была далека от настоящей сольной импровизации. Однако она была нехарактерной уже потому, что была записана. Предметом исследования данной статьи является влияние технологии звукозаписи на джазовую культуру на этапе становления. Если в те годы джазовые музыканты хотели сделать запись, они должны были учитывать многочисленные особенности технологии звукозаписи. Особое внимание автор уделяет изучению последствий воспроизводимости звукозаписи для джазовых музыкантов и восприятию этой музыки слушателями. В качестве методологической базы исследования выступает комплексный подход, охватывающий изучение исторических источников, воспоминаний музыкантов, относящихся к джазовой культуре и индустрии звукозаписи. Исследование демонстрирует опасность опоры только на аудиозапись в ретроспективных критических исследованиях первой джазовой грампластинки, предлагая альтернативные подходы в её оценке.

Ключевые слова: джаз, эстрада, звукозапись, фонограмма, ОДДБ, Ник ЛаРокка, Генри Рагас, Ларри Шилдс, Эдвин Эдвардс, Тони Сбарбаро

Abstract: Jazz was the first type of music where the earliest stage of its development was recorded. A single performance recorded in 1917 by the New Orleans quintet, the Original Dixieland “Jass” Band, is known as the first jazz record in history. In the academic community, there’s the perception that the musical content featured on this record cannot be viewed as a typical representative of jazz music from that period. The music was performed by white musicians, though most first jazz bands were black, and the music was far from a genuine solo improvisation. However, the very act of recording the music made it atypical to begin with. The subject of this article is the influence of sound recording technology on jazz culture at this stage of its foundation. At that time, jazz musicians had to consider various technical peculiarities of sound recording technology if they wished to create a recording. The author pays special attention to analyzing the consequences of the reproducibility of these recordings for jazz musicians and the audience’s perception. In this article, the author uses a comprehensive methodology that involves analyzing historical sources and memoirs of jazz musicians related to the sound recording industry. The research proves that audio recordings are insufficient as a source to critically research the first jazz gramophone record and suggests alternative approaches to its interpretation. In those years, if jazz musicians wanted to make a recording they had to bear in mind numerous peculiarities of sound recording technology. The author gives special attention to the analysis of the consequences of reproducibility of a recording for jazz musicians, and for the audience’s perception. As a research methodology, the author uses the comprehensive approach which includes the study of historical sources and jazz musicians’ memoirs related to the sound recording industry. The research proves that audio recordings are not sufficient as a source for critical research of the first jazz gramophone record, and suggests alternative approaches to its interpretation.   

Keywords: Henry Ragas, Nick LaRocca, ODJB, phonogram, sound recording, pop music, jazz, Larry Shields, Edwin Edwards, Tony Sbarbaro

Аннотация: В последнем произведении С.И. Танеева - кантате "По прочтении псалма" в наивысшей концентрации реализовалось многогранное мастерство композитора, его творческое credo, мысли и чувства, определявшие весь жизненный путь. В ряде исследований советского периода можно встретить весьма неоднозначные и в целом тенденциозные суждения о значении и содержании кантаты. Как правило, в них дезавуировался основной - религиозно-философский контекст произведения, лишь в работах последних десятилетий этому аспекту уделяется пристальное внимание. В данном исследовании предложен собственный вариант трактовки религиозно-философской концепции произведения, основанный на анализе работы композитора с литературным текстом и выявлении семантических взаимосвязей между поэтическим и музыкальным содержанием кантаты. Автор исследования приходит к выводу, что Танеев не ставит перед собой задачу буквального отражения литературного текста в музыке, а использует его, прежде всего, в качестве источника ярких образных ассоциаций, заданная последовательность которых позволяет ему выстроить определенную религиозно-философскую картину мира. Музыкальный номер кантаты можно разделить на две содержательные сферы: макрокосм – модель мироздания в ее религиозно-философском представлении (№№ 1-4), микрокосм – человек и путь его духовного становления в земном мире, приводящий к осознанию высших нравственных основ жизни, сформулированных в священном тексте (№№ 5-9).

Ключевые слова: Танеев, кантата, музыкальная семантика, Хомяков, Христианство, аллегория, символ, метафора, микрокосм, макрокосм

Abstract: In the last work by S.I. Taneev - a cantate “At the reading of a psalm” - a multifaceted mastery of the composer, his artistic convictions, which had defined his life journey, manifested themselves to the highest degree. In some research works of the Soviet period, rather ambiguous and tendentious assertions about the meaning and the content of the cantata can be found. Usually, they disavow the key - religious and philosophical - context of the composition, and only the works of the recent decades focus on this aspect. The author of this article offers the variant of the interpretation of the religious and philosophical concept of the composition based on the analysis of the composer’s work with a literary text and the detection of semantic interrelations between the poetic and the musical contents of the cantata. The author concludes that Taneev doesn’t set himself a task to literally reflect the literary text in music, but uses it, principally, as a source of colorful vivid associations, the preassigned order of which allows him to create a particular religious and philosophical worldview. The musical part of the cantata can be divided into two conceptual spheres: macrocosm - the universe in its religious and philosophical understanding (NN 1-4), and microcosm - a person and the way of her spiritual evolvement in the world, leading to the understanding of the highest moral fundamentals of life, formulated in the sacred text (NN 5-9).   

Keywords: microcosm, metaphor, symbol, allegory, Christianity, Khomyakov, musical semantics, cantata, Taneev, macrocosm

Аннотация: Вокальный цикл Л. Бергера «Прекрасная Мельничиха» рассмотрен в контексте связей с позднейшим сочинением Ф. Шуберта, обусловленных использованием поэтических текстов В.Мюллера. Предметом исследования является система внутренних связей как в поэтических текстах, так и в музыке песен, образующих вокальный цикл: тональной логике, тематических и жанровых решениях. При анализе учитываются новые качества жанра Lied в берлинской песенной школе, который оказывается связующим звеном между фольклорной песней и авторским творчеством. Усиление авторского начала приводит к появлению диалогической напряженности в тексте, стилизованном под Lied im Volkston. В цикле выявляются символические и структурные связи, приближающие его к типу вокального цикла как дневника, что будет характерно для творчества Ф.Шуберта и Р.Шумана. Такое решение основано на организации цикла вокруг фигуры Мельника как главного героя и определяющей роли в цикле образов поэзии Мюллера. Анализ цикла позволяет заключить, что вокальный цикл Людвига Бергера развивает этот жанр в направлении шубертовских шедевров в большей степени, нежели цикл Л. ван Бетховена «К далекой возлюбленной». Главный вывод исследования: изначальная связь со спектаклем (лидершпилем) преодолевается в замысле Мюллера и Бергера, и решающая роль в такой концепции принадлежит композитору.

Ключевые слова: Вильгельм Мюллер, Людвиг Бергер, романтизм, вокальные циклы Шуберта, лидершпиль, берлинская песенная школа, круг песен, символика, немецкая Lied, Прекрасная Мельничиха

Abstract: The author considers L. Berger’s vocal cycle “The Beautiful Miller Maid” in the connection with the latest composition by Schubert, determined by the usage of poetic texts of W. Müller. The research subject is the system of internal linkages both in poetic texts and the music of songs of the vocal cycle: the tone logic and thematic and genre design. The author takes into account the new features of the genre Lied in Berlin singing style, which is the point of contact between a folklore song and an author’s work. The intensification of the author’s element leads to the emergence of a dialogue tensity in a text simulating a “Lied im Volkston”. In the cycle, symphonic and structure linkages become apparent  bringing it closer to the type of a vocal cycle as a diary that would be typical for the works of F. Schubert and R. Schumann. Such a design is based on the organization of the cycle around the figure of a Miller as a central character and a defining role in the cycle of images of Müller’s poetry. The analysis of the cycle allows concluding that the vocal cycle by L. Berger develops this genre in the direction of Schubert’s masterpieces far more so than Beethoven’s cycle “To the distant beloved”. The key idea of the research is as follows: the initial linkage to the play (Liederspiel) is overcome in the design of Müller and Berger, and the decisive role in this concept  is the one of the composer.   

Keywords: symbolism, circle of songs, the Berlin song school, leaderspiel, Schubert vocal cycles, romanticism, Ludwig Berger, Wilhelm Mueller, German Lied, The Lovely Maid of the Mill

Аннотация: Б. Чайковский – автор ярких, самобытных симфонических произведений. Темброво-оркестровая палитра является, несомненно, одной из главных составляющих музыкального языка его сочинений. В данной статье на примере Скрипичного и Фортепианного концертов, симфонических поэм «Подросток» и «Ветер Сибири», «Севастопольской симфонии», «Симфонии с арфой» рассматриваются некоторые вопросы, связанные с темброво-оркестровым языком симфонических произведений Б. Чайковского, такие как: темброфактурное воплощение тематизма (особенности оркестровых составов); ансамблевые сочетания инструментов и их значение. Также анализируются излюбленные темброфактурные приемы композитора. Авторами было выделено и рассмотрено явление «тембрового пуантилизма», характерного для тембрового письма композитора.   Самобытные симфонические произведения Б. Чайковского не раз становились предметом исследования. В 2019 году появилась статья Ю. Абдокова в которой автор рассматривает особенности оркестра в театральной музыке Б. Чайковского. Оркестр в симфонических сочинениях композитора также несет в себе черты театральности, однако имеет и свои особенности. Черты темброво-оркестрового письма Б. Чайковского предметом специального анализа ранее не становились, что определило научную новизну представленной статьи. В данной статье была сделана попытка обобщить ряд особенностей тембрового письма композитора. Сам Б. Чайковский всегда подчеркивал, что необходимо находить единственный и окончательный вариант оркестровки.

Ключевые слова: отечественная музыка, современная музыка, Борис Чайковский, симфония, симфоническая музыка, симфоническое произведение, оркестр, тембр, оркестровый аспект, оркестровые приёмы

Abstract: Boris Tchaikovsky is the author of bright and original symphonic compositions. A timbre-orchestra palette is, undoubtedly, one of the key components of the music language of his works. The authors of this research analyze Tchaikovsky’s  Violin concerto and Piano concerto, the symphonic poems “The Juvenile” and “The Winds of Siberia”, the Symphony No 3 “Sevastopol”, and the Symphony with Harp, in order to consider particular aspects connected with the timbre-orchestra language of his symphonic compositions, such as: the timbre-texture embodiment of thematic invention (the peculiarities of orchestra compositions); the ensemble combinations of instruments and their meaning. The authors also analyze the composer’s favorite timbre-texture techniques. The authors define and consider the phenomenon of “timbre pointillism” typical for the timbre writing of the composer. The original symphonic works by Tchaikovsky have been studied many times. In 2019 a research by Yu. Abdokov was published in which the author considers the peculiarities of an orchestra in Tchaikovsky’s theatrical music. The orchestra in his symphonic compositions also has theatrical features, however with some peculiarities. The features of Tchaikovsky’s timbre-orchestra writing haven’t been analyzed yet, and this fact determines the scientific novelty of the research. The authors attempt to generalize the peculiarities of the timbre writing of the composer. Tchaikovsky himself always emphasized the necessity of a single and final variant of orchestration.   

Keywords: timbre, orchestra, symphonic work, symphonic music, symphony, Boris Tchaikovsky, modern music, Russian music, orchestral aspect, orchestral techniques

Аннотация: Статья касается вопроса межкультурного сотрудничества России и Италии в области балетного искусства. Поскольку данный вид взаимодействия длится уже несколько столетий, то работа отличается несколькими векторами исследования: историко-культурным и искусствоведческим. Кроме того, автором работы затронут важный вопрос – истока культурного сотрудничества, берущего начало в традиционном для Италии – оперном искусстве. В статье рассмотрен не только хронологическая составляющая русско-итальянского сотрудничества на протяжении XVIII-XXI вв, но и даны разъяснения (социально-исторического и искусствоведческого толка) процессам взлета или снижения интереса к данному виду культурной коммуникации. Выявлена и разъяснена уникальная закономерность – изначального приоритета итальянок на русской сцене XIX века, а затем полной смены этого влияния – триумфального покорения Европы русскими мастерами, признание таланта которых продолжается и сегодня.    Научная новизна работы заключается в том, что впервые обращено внимание не только на саму историческую хронологию визитов итальянских танцовщиков на русскую Императорскую балетную сцену, но дано обоснование и объяснение самой динамики этого процесса. Более того, в работе впервые акцентировано внимание на смене локомоторного компонента в системе культурного обмена "Италия-Россия", произошедшего во второй половине XX века. Таким образом, научная новизна и значимость работы заключена в попытке изучить процесс межкультурного взаимодействия в его развитии от XVIII века до настоящего времени. Такой подход позволяет выявить исторический, культурно-социальный и искусствоведческий составляющие, а также позволяет выявить актуальность данный темы и для дня сегодняшнего, когда искусство продолжает оставить мягким механизмом в том числе и политико-географического взаимодействия стран, создавая "культурный портрет" страны на карте мира.

Ключевые слова: межкультурный диалог, балерина, танцовщик, театр, XVIII-XXI век, Италия, Россия, балет, искусство, Санкт-Петербург

Abstract: The author studies the problem of intercultural cooperation between Russia and Italy in the field of ballet art. Since this type of interaction has been ongoing for several centuries, the research is divided into two vectors: the historical-cultural and the critical ones. Besides, the author considers an important issue of the origins of the cultural cooperation stemming from the opera art, traditional for Italy. The article considers not only the chronological component of Russia-Italy cooperation during the 18th - the 21st centuries, but also explains (in the socio-cultural and critical ways) the processes of surge and slump of interest in this form of cultural communication. The author detects and explains a unique pattern - the initial priority of Italians at the Russian scene of the 19th century, and the following radical change of this influence - a triumphal conquering of Europe by the Russian masters, whose talent is still appreciated. The scientific novelty of the research consists in the fact that for the first time attention is not only given to the very historical chronology of the visits of Italian dancers to the Russian Imperial Ballet Scene, but also the dynamics of this process is explained. Moreover, the article is the first work focusing on the change of a locomotive component in the system of the Italy-Russia cultural exchange which  took place in the late 20th century. Thus, the scientific novelty and importance of the research consist in the attempt to study the process of intercultural cooperation in its development from the 18th century to the present moment. Such an approach allows detection the historical, socio-cultural and critical components, and helps to reveal the topicality of this problem for the modernity, when art is still a soft mechanism of, among other things, political and geographical interaction between countries, forming a “cultural portrayal” of the country on the world map.   

Keywords: Saint-Petersburg, art, intercultural dialogue, dancer, ballerina, theater, XVIII - XXI century, Italy, Russia, ballet

Аннотация: Опера «Сказки Гофмана» Жака Оффенбаха – уникальное явление в истории оперного жанра, притягивающее к себе внимание интерпретаторов и исследователей. При соприкосновении с текстом музыканты сталкиваются с рядом трудностей, вызванных необычной историей создания оперы и другими ее особенностями. Изучение специфики оперы на литературном, музыкальном и сценическом уровнях при помощи применения герменевтического подхода является целью статьи. Объединение трёх автономных оригинальных произведений Гофмана в масштабную драму, написанную Ж. Барбье и М. Карре, а затем в либретто (Ж. Барбье), осуществилось при помощи способа деконструкции романтических стереотипов главного героя, что раскрывает особенности рассматриваемой оперы и объясняет интерес представленной статьи. Главной задачей музыкального анализа стало выявление средств выразительности, с помощью которых композитор смог раскрыть замысел авторов литературного текста и донести его до зрителей. Основным формообразующим способом построения музыкальной драматургии становится «романтическая ирония» (М. Я. Куклинская). Отсюда и жанровая двойственность исследуемой оперы, которая проявилась в виде синтеза жанров opera comique и opera lyrique. Также выявлено взаимодействие элементов обоих жанров, помогающих в создании необычной атмосферы оперы; наличие «игры со зрителями», дающей возможность манипулирования зрительскими ожиданиями, что в большей степени свойственно оперетте, а не оперному жанру.

Ключевые слова: академический вокал, романтическая ирония, деконструкция, интерпретация, Сказки Гофмана, Оффенбах, музыкальный театр, opera comique, opera lyrique, музыкальная герменевтика

Abstract: The opera by Jacques Offenbach “The Tales of Hoffmann” is a unique phenomenon in the history of the opera genre attracting the attention of interpreters and researchers. Dealing with the text, musicians face particular problems caused by an unusual story behind the opera and its other peculiarities. The purpose of this article is to study the specificity of the opera at the literary, music, and stage levels using  the hermeneutical approach. The three independent original works of Hoffmann were combined in a grand drama composed by J. Barbier and M. Carré, and then in a libretto (J. Barbier) by means of deconstruction of romantic stereotypes of the main character, which reveals the peculiarities of the opera under consideration and explains the topicality of this research. The music analysis is aimed at the detection of expressive means through which the composer had managed to explain the idea of the authors of the literary text and get it across to the audience. The key formative way of building a music drama is a “romantic irony” (M. Ya. Kuklinskaya). That’s where the genre dualism of the opera under consideration comes from, which manifested itself in the form of the synthesis of the genres opera comique and opera lyrique. The authors also detect the interaction of elements of both genres helping to create an unusual atmosphere of the opera, and the play with the audience, allowing manipulating the spectators’ expectations, which is more typical of operetta than of opera genre.   

Keywords: opera lyrique, opera comique, academic vocals, romantic irony, deconstruction, interpretation, Tales of Hoffman, Offenbach, musical theater, musical hermeneutics

Аннотация: В статье впервые ставится проблема реконструкции музыкально-эпических традиций Новгородской области. Объектом исследования выступают напевно-декламационные формы фольклора, типологически связанные с былинной традицией. Предметом изучения становятся их структурные и стилевые особенности. Впервые в одном источнике систематизируются все факты бытования музыкального эпоса, зафиксированные на территории Новгородской области разными собирателями, от слуховых нотаций слуховые нотаций А. К. Лядова (1890 год) до последних свидетельств бытования музыкально-эпической традиции (записи Ленинградской-Санкт-Петербургской консерватории 1980-1990 годов). В качестве сравнительных материалов использованы фольклорные образцы из Вологодской, Архангельской, Тверской областей. Некоторые музыкальные тексты публикуются впервые. Автором выделен жанровый состав музыкально-эпической области новгородского фольклора (скоморошины и небылицы, баллады, духовные стихи и поминальные песнопения), описаны виды композиционного строения основных образцов (одностиховые, тирадные и строфические). Исследованный материал дает основания предполагать, что в новгородских фольклорных традициях в конце XIX и на протяжении XX столетий были распространены способы мелодекламации, типологически родственные двум северорусским стилям - формульному кратко-напевному и рапсодическому. Делается вывод о том, что что бассейн озера Ильмень и прилегающие территории были одним из тех мест, где происходило формирование этих стилей. С одной стороны, обнаружение типологической близости новгородских и севернорусских форм музыкального повествования помогает определить структуру и оценить стилистику единичных фактов новгородского фольклора. С другой стороны, найденные параллели имеют принципиально важное значение для подтверждения новгородских корней северно-русских былинных традиций.

Ключевые слова: фольклорный архив, фольклорные жанры, Русский Север, локальные традиции, музыкальный эпос, баллады, духовные стихи, поминальные песнопения, Новгородский фольклор, народные песни

Abstract: The author is the first to raise the problem of reconstruction of the musical-epic traditions of Novgorod region. The research object is chant-declamation forms of folklore, typologically related to the bylina tradition. The research subject is their structural and stylistic peculiarities. For the first time, all facts of existence of musical epos, recorded in Novgorod region by various collectors, are gathered in one source - from the auditory notations of A.K. Lyadov (1890) to the latest evidence of existence of the musical-epic tradition (the recordings of Leningrad - St.Petersburg conservatory of the 1980s - 1990s). As the materials for comparison, the author uses the folklore images from Vologda, Arkhangelsk and Tver regions. Some musical texts are published for the first time. The author defines the genre composition of the musical-epic area of Novgorod folklore (buffoonery and takes, ballads, spiritual poems and memorial songs), describes the forms of composition of the main samples (one-line verses, long speeches and strophical). The research material gives reasons to assume that in Novgorod folklore traditions of the late 19th - the 20th centuries, the forms of recitation of music were widespread, typologically related to two North-Russian styles - the symbolic brief-chant and rhapsodical. The author concludes that the lake Ilmen basin and the adjacent territories was one of the places where these styles had been forming. On the one hand, the discovery of the typological relation of Novgorod and the North-Russian forms of musical narration helps define the structure and evaluate the style of single facts of Novgorod folklore. On the other hand, the parallels found are of key importance for the confirmation of Novgorod origins of the North-Russian bylina traditions.   

Keywords: memorial chants, spiritual verses, ballads, musical epos, local traditions, Russian North, folklore genres, folklore archive, Novgorod folklore, folk songs