Аннотация: Художественное пространство в анимационном искусстве является многогранным понятием, включающим разнообразные аспекты, влияющие на восприятие анимационного фильма. Эта тема активно обсуждается в теоретическом дискурсе и охватывает различные подходы к его терминологическому определению и классификации. Целью данного научного исследования является обоснование выбора универсальных, с точки зрения автора работы, параметров, характеризующих художественное пространство анимационного фильма. Объектом исследования стал анимационный кинематограф как явление искусства и культуры. Предметом исследования является художественное пространство анимационного произведения. Задачи исследования заключаются в анализе существующих искусствоведческих классификаций параметров художественного пространства анимационного фильма, а также предложении следующих параметров для анализа художественного пространства анимационного произведения: семантический, темпоральный, монтажно-ритмический, цветосветовой, звуковой. Для классификации художественного пространства анимационного фильма использовался системно-аналитический и типологический подходы. В анализе анимационных фильмов применялся описательно-аналитический и структурно-семантический методы. Научная новизна работы заключается в том, что в ней впервые предложена классификация параметров, с помощью которых можно глубоко проанализировать разные грани художественного пространства анимационного произведения, что представляет интерес для дальнейших искусствоведческих разработок в области анимационного кинематографа. В качестве примеров того, что перечисленные параметры художественного пространства анимационного произведения способствуют целостному и глубокому рассмотрению картин, проанализированы фильмы отечественных режиссеров анимационного кино – Ю.Б. Норштейна «Сказка сказок» и Д.А. Геллера «Мужчина встречает женщину». Предложенная классификация параметров художественного пространства анимационного фильма может представлять теоретическую и практическую значимость: несет в себе потенциал для искусствоведческих исследований в области анимационного искусства, может дать направление дальнейшим научно-теоретическим работам и быть включена в концептуально-методологический базис в творческом процессе режиссеров и художников анимационного кино.

Ключевые слова: художественное пространство, анимационное искусство, параметры художественного пространства, анимационный кинематограф, анализ анимационного фильма, классификация художественного пространства, семантический параметр, темпоральный параметр, монтажно-ритмический параметр, цветосветовой параметр

Abstract: Artistic space in animation art is a multifaceted concept, including various aspects that influence the perception of an animated film. This topic is actively discussed in theoretical discourse and covers various approaches to its terminological definition and classification. The purpose of this scientific study is to justify the choice of universal parameters, from the point of view of the author of the work, characterizing the artistic space of an animated film. The object of the study was animation cinema as a phenomenon of art and culture. The subject of the study is the artistic space of an animation work. The objectives of the study are to analyze existing art classifications parameters of the artistic space of an animated film, as well as to propose the following parameters for analyzing the artistic space of an animated work: semantic, temporal, editing-rhythmic, color-light, sound. To classify the artistic space of an animated film, a system-analytical and typological approach was used. In the analysis of animated films, descriptive-analytical and structural-semantic methods were used. The scientific novelty of the work lies in the fact that it is the first to propose a classification of parameters with the help of which it is possible to deeply analyze different aspects of the artistic space of an animated work, which is of interest for further art history research in the field of animated cinema. As examples of how the listed parameters of the artistic space of an animated work contribute to a holistic and deep examination of the films, the films of Russian animation film directors - Yu. B. Norshteyn "The Tale of Tales" and D. A. Geller "A Man Meets a Woman" - are analyzed. The proposed classification provides potential for art historical research in the field of animation art.

Keywords: color-light parameter, the temporal parameter, the installation and rhythmic parameter, semantic parameter, classification of the art space, analysis of an animated film, animated cinematography, parameters of the art space, animation art, art space

Аннотация: Современное экранное искусство включает в себя кино, видеоарт, интерактивные инсталляции, открывает новые горизонты для формирования художественного образа. Интерактивные медиа представляют собой тип мультимедийного контента, который подразумевает активное взаимодействие с ним пользователя, что включает в себя различные формы, такие как интерактивные презентации, игры, приложения и цифровые инсталляции, которые объединяют текст, звук, изображения и видео в одном пространстве. Актуальность данного исследования связана с увеличением популярности произведений интерактивного искусства – компьютерных игр и, как следствие, увеличением потребности индустрии в квалифицированных гейм-дизайнерах. Цель исследования состоит в анализе способов художественного проектирования, которые используют гейм-дизайнеры для создания художественных образов в игровом видеоконтенте, что способствует разработке комплексного подхода в создании изобразительного решения интерактивного игрового видео-контента. Задачами исследования является систематизация методов и приемов, с помощью которых художник привлекает и удерживает внимание пользователя в игровом медиаконтенте. Объектом исследования выступают интерактивные компьютерные игры. Предметом исследования является особенность работы художника при создании образа интерактивного контента, в частности, компьютерных игр. В процессе исследования применялись общенаучные методы, такие как анализ и синтез, описание и систематизация. На сегодняшний день гейм-дизайн является слабо изученным феноменом в отечественном искусствоведении. Новизна работы определяется тем, что в ней выявлены ключевые изобразительные приемы, применяемые в создании игрового контента. Исследование уточняет возможности дизайнера при создании художественного образа в интерактивных компьютерных играх. Практическая ценность данного исследования заключается в том, что его результаты и изложенный опыт могут быть использованы начинающими авторами при создании новых произведений интерактивного искусства. Результаты исследования имеют значение не только для истории и теории интерактивного искусства, но и в области искусствоведения в целом, поскольку затрагиваемые проблемы рассмотрены на материалах изобразительного искусства, кино и видеоигр. Предложенная систематизация методов и приемов работы художника имеет практическую значимость, так как может быть использована в работе гейм-дизайнерами, а также теоретическую значимость, так как может применяться при составлении программно-методического материала для обучения художников анимации и компьютерной графики.

Ключевые слова: интерактивное искусство, интерактивные медиа, компьютерная графика, экранный образ, компьютерная игра, компьютерные технологии, игровая механика, композиция кадра, виртуальное искусство, художественный образ

Abstract: Interactive media is a type of multimedia content that involves active user interaction, which includes various forms such as interactive presentations, games, applications and digital installations that combine text, sound, images and video in one space. The relevance of this study is related to the increasing popularity of interactive art works – computer games and, as a consequence, the increasing demand of the industry for qualified game designers. The aim of the study is to analyze the artistic design methods used by game designers to create artistic images in game video content, which contributes to the development of an integrated approach to creating a visual solution for interactive game video content. The objectives of the study are to systematize the methods and techniques by which the artist attracts and holds the user's attention in gaming media content. The object of the study is interactive computer games. The subject of the study is the peculiarity of the artist's work when creating an image of interactive content, in particular, computer games. In the course of the research, general scientific methods were used, such as analysis and synthesis, description and systematization. The novelty of the work is determined by the fact that it identifies key visual techniques used in the creation of game content. The study clarifies the designer's capabilities in creating an artistic image in interactive computer games. The proposed systematization of methods and techniques of an artist's work has practical significance, since it can be used in the work of game designers, as well as theoretical significance, since it can be used in compiling software and methodological material for training animation and computer graphics artists.

Keywords: artistic image, virtual art, game mechanics, frame composition, computer technology, computer game, screen image, computer graphics, interactive media, interactive art

Аннотация: Предметом исследования является феномен утраченного в творчестве японского режиссера Хаяо Миядзаки. В качестве объекта исследования был выбран анимационный фильм «Ходячий замок», который стал переломным в судьбе режиссера. В процессе съемок он переживал череду утрат: смерть друга, распад студии, начало очередной войны, наступление старости. Понимание работы печали было впервые рассмотрено с психологической точки зрения Зигмундом Фрейдом еще в начале прошлого века. В настоящее время тема травмы и утраты в современной мировой культуре остается по-прежнему актуальной. Автор подробно рассматривает феномен утрата в линии каждого из персонажей фильма. В частности, были проанализированы основные персонажи истории: Софи, Хаул, Ходячий замок, второстепенные персонажи и антагонисты. Особое внимание уделяется феномену «абсолютного зла» и «ностальгии» по утраченному. В данной работе в качестве метода исследования был предпринят подробный анализ выбранного фильма с позиции прикладного психоанализа. В исследовании было показано, что «Ходячий замок» является волшебной сказкой про инициацию взросления любовной пары. Женщины представлены достаточно всемогущими и фаллическими «матерями», в то же время как мужчины – слабыми и немощными «детьми». Антагонисты воплощают сложную структуру, включающую негативные стороны души, злых персонажей, а также образ войны. Отдельно было отмечено проявление феномена «абсолютного зла», целью которого является разрушение любых смыслов и образование «пустоты», что отличается от либидозной тенденции к формированию разнообразных связей и поиску смысла. Каждый герой фильма сталкивается с утратой как внешней, так и внутренней. Без запуска работы печали невозможно пережить ее и продолжить развитие психики по пути «взросления». Был выделен образ «ностальгии» по утраченному у режиссера, отражающий его бессознательные воспоминания о ранних годах жизни. Таким образом история «Ходячего замка» дает возможность прикоснуться к теме горевания по утраченному в творчестве режиссера, что воплощает его обеспокоенность за будущее человечества. Данная статья может послужить трамплином для знакомства с личность режиссера и его волшебным миром, а также с его последним фильмом-завещанием: «Мальчик и птица», или «Как вы поживаете?».

Ключевые слова: прикладной психоанализ, ностальгия по утраченному, абсолютное зло, работа печали, меланхолия, печаль, утраченное, японская культура, аниме, Хаяо Миядзаки

Abstract: The subject of the study is the phenomenon of the lost in the work of Japanese director Hayao Miyazaki. The object of the study was the animated film "Howl’s Moving Castle", which became a turning point in the director's life. In the process of filming, he experienced a series of losses: the death of a friend, the collapse of the studio, the beginning of another war, the onset of his own aging. Understanding the working (influence) of mourning was first considered from a psychological point of view by Sigmund Freud at the beginning of the last century. Currently, the topic of trauma and loss in modern world culture remains relevant. In this paper, the analysis of the selected film from the standpoint of applied psychoanalysis was undertaken. In particular, the main characters of the story were analyzed: Sophie, Howl, the Moving Castle, secondary characters, and antagonists. In the study, it was shown that "Moving Castle" is a magical fairy tale about the initiation of a loving couple to come of age. Women are represented as rather omnipotent and phallic "mothers", while men are represented as weak and infirm "children". Antagonists embody a complex structure that includes the negative sides of the soul, evil characters, as well as the image of war. Separately, the manifestation of the phenomenon of "absolute evil" was shown, the purpose of which is the destruction of any meanings and the formation of "emptiness", which differs from the libidinal tendency to form various connections and search for meaning. Each character in the film faces loss, both external and internal. Without starting the work of mourning, it is impossible to survive it and continue the development of the psyche on the way of "growing up". The image of the director's "nostalgia" for what was lost was highlighted, reflecting his unconscious memories of the early years of his life. Thus, the story of Howl’s Moving Castle provides an opportunity to touch the theme of mourning for what was lost in the director's work, which embodies his concern for the future of humanity. This article can serve as a springboard for acquaintance with director’s personality and his magical world, as well as with his last film-testament: "The Boy and the Heron" or "How Do You Live?"

Keywords: anime, Hayao Miyazaki, Japanese culture, applied psychoanalysis, nostalgia for the lost, absolute evil, the work of mourning, melancholia, mourning, lost one

Аннотация: Данная статья посвящена изучению развития самотерапевтических документальных фильмов в Китае с 2000 года. Объектом исследования является китайское документальное кино о самотерапии. Предметом исследования являются документальные фильмы о самотерапии начала 2000-х годов: «Несчатных больше, чем один» (2000), «Домашняя видеозапись» (2001), «Найтингейл, не единственный голос» (2001), а также фильмы, появившиеся после 2016 года: «Светская беседа» (2016), «Соберись перед прыжком» (2017) и «Прекрасная вдова и ее надоедливый сын» (2019). Особое внимание уделяется самотерапевтическим документальным фильмам, представленным на кинофестивале «Мать» и документальном мастер-классе «FamilyLens», созданном в Китае в 2022 году. Автор подробно рассматривает такие аспекты темы как причины возникновения, определение жанра и форма кинотекста. Для понимания траектории развития китайских документальных фильмов о самотерапии, а также причин и характеристики каждого периода, в данном исследовании используется комплексный подход с применением контент-анализа и текстового анализа, а также психоаналитическая теория для объяснения съемочной деятельности документальных фильмов о самотерапии. В статье утверждается, что ключевым моментом в основании поджанра документальных фильмов о самотерапии в Китае является присутствие режиссера в качестве главного героя фильма, снимающего самого себя. В исследовании выявлены два отчетливых периода развития самотерапевтического документального кино в Китае, оба из которых тесно связаны с развитием кинооборудования. В заключение автор не только оценивает положительное отношение самотерапевтической документальной практики к самосознанию и повышению осведомленности общества о проблемах, связанных с родной семьей, но и утверждает, что исследователи должны уделять больше внимания потенциальным этическим проблемам, присутствующим в фильмах. Это объясняется тем, что, по сути, режиссеры не исцеляются в процессе съемок, а используют его как средство нападения на своих родителей.

Ключевые слова: самотерапевтическая документалистика, история развития, этапы развития, причины возникновения, текстовые характеристики, арт-терапия, Кинофестиваль Мать, мастер-класс Grassland, мастер-класс FamilyLens, этическая значимость

Abstract: This article is devoted to the study of the development of self-therapeutic documentaries in China since 2000. The object of the study is a Chinese documentary about self-therapy. The subject of the research are documentaries about self-therapy in the early 2000s: "More than One is unhappy" (2000), "Home Videotape" (2001), "Nightingale is not the only Voice" (2001), as well as films that appeared after 2016: "Small Talk" (2016), "Minding the Gap" (2017) and "The Lovely Widow and Her Annoying Son" (2019). Special attention is paid to self-therapeutic documentaries presented at the Mother Film Festival and the documentary masterclass FamilyLens, created in China in 2022. The author examines in detail such aspects of the topic as the causes of its occurrence, the definition of the genre and the form of the film text. To understand the trajectory of development of Chinese documentaries about self-therapy, as well as the causes and characteristics of each period, this study uses an integrated approach using content analysis and text analysis, as well as psychoanalytic theory to explain the filming of documentaries about self-therapy. The author argues that the key point in the foundation of the subgenre of documentaries about self-therapy in China is the presence of the director as the main character of the film, filming himself. The study identifies two distinct periods in the development of self-therapeutic documentary films in China, both of which are closely related to the development of film equipment. In conclusion, the author not only evaluates the positive attitude of self-therapeutic documentary practice towards self-awareness and raising public awareness of problems related to the native family, but also argues that researchers should pay more attention to potential ethical problems present in films. This is because, in fact, directors do not heal during filming, but use it as a means of attacking their parents.

Keywords: ethical importance, Grassland Workshop, FamilyLens Workshop, art therapy, the Mother Film Festival, textual features, reasons for origin, stages of development, history of development, self-therapy documentary

Аннотация: Материалами исследования стали сценарии авторов, дебютировавших в 2000-е годы: М. Курочкина, И. Угарова, В. Сигарева, А. Родионова, А. Новотоцкого, В. Моисеенко, А. Звягинцева и О. Негина. Особое внимание при анализе сценариев уделяется литературным средствам художественной выразительности и их роли в конструкции киноязыка сценария. С 1930-х годов в советской киношколе сформировался специфический для нее тип кинодраматургии – литературный сценарий, в котором визуальное решение будущего фильма создается средствами литературы. В 1990-е годы в российском кинопроизводстве появился конкурентный литературной форме тип записи – американский формат, чье использование предполагает отказ от литературных средств. К 2000-м годам российская кинодраматургия находится под влиянием сразу трех тенденций: советской традиции литературного сценария, нового западного американского формата и современной театральной драматургии рубежа веков, чьи авторы в этот период начинают пробовать себя в кино. Исследование киноязыка литературных сценариев проводится с помощью структурно-семиотического метода. Анализу подвергаются элементы киноязыка: речь, закадровый голос, актерская партитура, характер действия в кадре, композиция. Результаты анализа позволяют сделать вывод о возникновении двух новых направлений в российской кинодраматургии. Поэтика литературных сценариев авторов, пришедших в кинематограф из театральной драматургии, проявляется в стремлении к документальности и натуралистичности персонажей и их речи, предлагаемых обстоятельств, сеттинга, сюжетов, что находит свое отражение и в лирических средствах ремарки. Используемые ими техники, в том числе театральная техника вербатима, оказывают грандиозное влияние на современный отечественный кинематограф. Лаконичный язык американского формата записи, традиционно ассоциирующийся с продюсерской моделью производства, находит свое отражение в авторской кинодраматургии А. Звягинцева и О. Негина, стремящейся к точности и краткости постановочного плана. Этот раскол знаменует актуализацию проблемы формы, остро стоявшую в отечественном кинематографе 1930-х годов.

Ключевые слова: форма сценария, литературный сценарий, современный российский кинематограф, российская новая драма, американский формат сценария, вербатим, поэтика киносценария, киноязык, советская киношкола, речь в кино

Abstract: The study materials included screenplays by authors who made their debut in the 2000s: M. Kurochkin, I. Ugarov, V. Sigarev, A. Rodionov, A. Novototsky, V. Moiseenko, A. Zvyagintsev, and O. Negin. Since the 1930s Soviet film school had formed a specific type of screenplay, literary script, in which the visual identity of the future film is created through literary means. In the 1990s, a competitive type of script appeared in the Russian film production – it was American screenplay format which implied he abandonment of literary techniques. By the 2000s, Russian film dramaturgy was influenced by three tendencies: the Soviet tradition of the literary screenplay, the new Western American screenplay, and contemporary theatrical dramaturgy of the turn of the century, whose authors began to experiment with cinema during this period. The study of the cinematic language of literary screenplays is conducted using a structural-semiotic method. Elements of cinematic language are analyzed: speech, voice-over, actor's score, character action in the frame, composition. The results of the analysis allow us to conclude the emergence of two new directions in Russian film dramaturgy. The poetics of literary screenplays by authors who transitioned to cinema from theatrical dramaturgy manifest in a quest for documentary realism in characters and their speech, proposed circumstances, setting, and plot, which is reflected in lyrical remarks. The techniques they use, including the theatrical technique of verbatim, have a tremendous impact on contemporary Russian cinema. The concise language of the American format, traditionally associated with the producer model of production, finds its reflection in the authorial film dramaturgy of A. Zvyagintsev and O. Negin, aiming for precision and conciseness in the staging plan. This split marks the actualization of the problem of form, which was acute in Soviet cinema in the 1930s.

Keywords: script form, Soviet filmschool, film language, screenplay poetics, Verbatim, American screenplay, modern Russian cinema, Russian New Drama, literary script, speech in cinema

Аннотация: Предметом исследования в настоящей работе являются так называемые «похоронные» документальные фильмы, создание которых было положено ещё до революции. Во все времена они несли важную информационную и смысловую нагрузку. Они фиксировали авторитет умершего в глазах массовой публики. Различались государственные и частные похороны. Ритуал носил каноничный характер, который был впервые резонансно нарушен во время похорон Льва Николаевича Толстого, о чём свидетельствуют сохранившиеся фильмы. В статье рассматриваются особенности и видоизменение "похоронных" фильмов с течением времени. Кардинальную трансформацию они претерпели с наступлением нового времени после февральской революции 1917 года и прихода к власти большевиков. На киноэкране утвердился новый похоронный ритуал со своими особенностями и новыми смыслами.   Методологической основой исследования является системный анализ. В работе использовался культурно-исторический метод и искусствоведческий анализ сохранившихся фильмов и киноматериалов. Новизна данного исследования связана с тем, что сейчас стало возможным при анализе использовать не только самые общие впечатления, но всмотреться и достаточно подробно описать изучаемые кинофильмы и кинодокументы. Это позволяет избежать досадных ошибок и неточностей в понимании и толковании увиденного. И это же усиливает роль визуальных свидетельств в осмыслении истории. Обзору того, как менялась парадигма видения похоронного ритуала с дореволюционных времён при переходе к новому миру после революции 1917 года, а также выявлению смыслов и значений, и посвящена настоящая статья. Её выводы связаны с принципиальной сменой главной идеи похоронной церемонии – от прощания с покойным перед его отправкой в дальний путь был совершён переход к представлению о жертвенности и принесению клятвы о продолжении борьбы за светлое будущее. Результаты исследования могут быть полезны профессиональным работникам документального кино, архивистам и могут быть использованы в практической работе и в учебных курсах.

Ключевые слова: Фильм, похоронный, Анастасия Вяльцева, Лев Толстой, Ленин, церемония, жертва, ритуал, Марсово Поле, революция

Abstract: The subject of research in this work is the so-called "funeral" documentaries, the creation of which was initiated before the revolution. At all times, they carried an important informational and semantic load. They fixed the authority of the deceased in the eyes of the mass public. There were public and private funerals. The ritual was canonical in nature, which was first resonantly violated during the funeral of Leo Nikolaevich Tolstoy, as evidenced by the preserved films. The article examines the features and modification of "funeral" films over time. They underwent a radical transformation with the advent of modern times after the February revolution of 1917 and the Bolsheviks came to power. A new funeral ritual with its own peculiarities and new meanings has been established on the cinema screen. The methodological basis of the research is a system analysis. The work used a cultural-historical method and an art historical analysis of preserved films and film materials. The novelty of this study is due to the fact that it has now become possible to use not only the most general impressions in the analysis, but to take a closer look and describe in sufficient detail the films and film documents being studied. This allows you to avoid annoying mistakes and inaccuracies in understanding and interpreting what you see. And it also reinforces the role of visual evidence in understanding history. This article is devoted to an overview of how the paradigm of the funeral ritual vision has changed since pre-revolutionary times during the transition to a new world after the 1917 revolution, as well as to the identification of meanings. Her conclusions are connected with a fundamental change in the main idea of the funeral ceremony – from saying goodbye to the deceased before sending him on a long journey, a transition was made to the idea of sacrifice and swearing an oath to continue the struggle for a bright future. The results of the research can be useful to professional documentary filmmakers, archivists and can be used in practical work and in training courses.

Keywords: revolution, The Field of Mars, The ritual, victim, The ceremony, Lenin, Leo Tolstoy, Anastasia Vyaltseva, funeral, Film

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является процесс творческого замысла режиссёра, который претерпевает изменения при переходе от традиционного кинематографического пространства к миру виртуальной реальности. Особая роль отведена технической составляющей VR-кинематографа. Важность этой темы несомненна, так как она затрагивает основы кинематографического искусства, а также представляет интерес для широкого круга специалистов в области кино и виртуальной реальности. Она актуализирует вопросы творческой свободы, технологических возможностей и новых форм взаимодействия автора с аудиторией. Целью работы является рассмотрение того, как изменяется роль режиссера в контексте создания виртуальных миров, и как новые возможности, которые предоставляют авторам технические инновации, влияют на структуру и восприятие кинематографических произведений. Основываясь на методах сравнительного анализа, в работе проведена попытка понять трансформацию режиссерского замысла в контексте виртуального пространства. Новизна работы определяется тем, что в ней выявлены различия традиционного и виртуального подходов в кинематографе, а также дан предположительный прогноз развития VR-кинематографа, описана роль искусственного интеллекта и машинного обучения в сюжетной составляющей кинематографа. Поскольку виртуальная реальность несет в себе потенциал кардинальных изменений в режиссуре, в работе затронуты такие аспекты как повествование и стилистика в классическом и VR-кинематографе, роль зрителя, контроль зрительского восприятия со стороны режиссера, эмоциональное влияние VR и классического кинематографа, особенности визуализации, а также психологические аспекты, отличающие классический и инновационный подходы. Будущее виртуального кинематографа обещает расширение границ возможного в киноповествовании. Режиссерам предстоит стать не просто рассказчиками, но и инженерами человеческого опыта, способными создавать и управлять сложными эмоциональными и сенсорными ландшафтами. С ростом технологических возможностей режиссеры будут исследовать новые формы повествования, где виртуальные среды предоставят неограниченные пространства для творчества. Однако, вместе с новыми возможностями приходят и новые вызовы, включая необходимость учитывать этические аспекты и психологическое воздействие виртуальных сценариев на зрителей. Режиссеры будущего виртуального кинематографа будут стоять на переднем крае этих перемен, направляя развитие искусства в новые, еще неизведанные регионы человеческого опыта.

Ключевые слова: язык мультимедиа, новые технологии, технологии виртуальной реальности, VR-кинематограф, авторский кинематограф, виртуальная реальность, режиссерский замысел, пространство кинематографа, искусство кино, интерактивная реальность

Abstract: The subject of research in this article is the process of creative design by the director, which undergoes changes when transitioning from traditional cinematographic space to the world of virtual reality. A significant role is given to the technical component of VR cinema. The importance of this topic is undeniable, as it touches the foundations of cinematographic art and is of interest to a wide range of specialists in the field of film and virtual reality. It raises issues of creative freedom, technological capabilities, and new forms of interaction between the author and the audience. The aim of the work is to consider how the role of the director changes in the context of creating virtual worlds, and how new opportunities provided by technical innovations affect the structure and perception of cinematographic works. Based on comparative analysis methods, the work attempts to understand the transformation of the director's creative design in the context of virtual space. The novelty of the work is determined by the fact that it carries out a comparative analysis of traditional and virtual approaches in cinema, as well as provides a tentative forecast for the development of VR cinema, describes the role of artificial intelligence and machine learning in the narrative component of cinema. Since virtual reality carries the potential for radical changes in direction, the work touches on aspects such as narrative and stylistics in classical and VR cinema, the role of the viewer, control of viewer perception by the director, the emotional impact of VR and classical cinema, visualization features, as well as psychological aspects that distinguish classical and innovative approaches. The future of virtual cinema promises an expansion of the boundaries of what is possible in storytelling.

Keywords: interactive reality, the art of cinema, cinematorgaf space, multimedia language, new technologies, virtual reality technologies, VR cinema, auteur cinema, virtual reality, director's idea

Аннотация: Предметом исследования является специфика художественно-изобразительных приемов, которые используют британские создатели мультипликационных фильмов на современном этапе на примере картин «Барашек Шон» и «Ван Гог. С любовью, Винсент». Объект исследования –художественная анимация Великобритании начала XXI века. В статье посредством анализа элементов визуального ряда мультфильмов, созданных с использованием выразительных средств классического искусства, выявляются тенденции британской анимации последних лет. Рассматриваемые в статье работы демонстрируют авторские подходы современных режиссеров Великобритании в отношении художественного-образного решения мультфильмов, связанных с разными видами изобразительного искусства, например, со скульптурой в пластилиновой анимации и масляной живописью. Цель состоит в выявлении и характеристике изобразительных приемов в британских мультфильмах начала XXI века.   Методология исследования представляет наибольшую трудность, так как она не разработана в полной мере в отношении характеристики художественно-изобразительной специфики анимационных фильмов, но при этом открывает возможности для междисциплинарного анализа. В ходе исследования используется искусствоведческий анализ, в частности структурное изучение сюжетных и композиционных особенностей анимации. Новизна исследования обуславливается тем, что в российской науке заявленная проблематика остается практически не изученной. Впервые картины «Барашек Шон» и «Ван Гог. С любовью, Винсент» рассматриваются с точки зрения средств художественной выразительности и в плане смыслообразования. По результатам анализа делается вывод о том, что современная британская анимация идет путем создания фильмов, в которых активно задействованы средства изобразительного искусства. Это задает высокий уровень исполнения картин, т.к. требует от авторов безупречного владения изобразительной грамотностью, позволяющей достичь максимальной выразительности образов. Вероятно, что в дальнейшем опора на художественный язык классического искусства и ручной труд мультипликаторов продолжит формироваться в качестве специфической черты британской анимации.

Ключевые слова: анимация, школа анимационного кино, Великобритания, современное искусство, экранные искусства, кинематограф, анализ, мультипликационный фильм, история развития, изобразительное искусство

Abstract: The subject of the study is the specificity of artistic and visual techniques used by the British creators of animated films, using the example of the paintings "Shaun the Sheep" and "Van Gogh. Love, Vincent." The object of research is the artistic animation of Great Britain at the beginning of the XXI century. The article reveals the trends of British animation in recent years by analyzing the elements of the visual series of cartoons created using the expressive means of classical art. The works considered in the article demonstrate the author's approaches of modern British directors in relation to the artistic and figurative solution of cartoons related to various types of fine art, for example, sculpture in plasticine animation and oil painting. The aim is to identify and characterize the visual techniques in British cartoons of the early 21st century. The research methodology presents the greatest difficulty, since it has not been fully developed in relation to the characteristics of the artistic and visual specifics of animated films, but at the same time opens up opportunities for interdisciplinary analysis. The research uses an art historical analysis, in particular a structural study of the plot and compositional features of animation. The novelty of the research is due to the fact that in Russian science the stated problem remains practically unexplored. For the first time, the paintings "Shaun the Sheep" and "Van Gogh. With love, Vincent" are considered from the point of view of means of artistic expression and in terms of meaning formation. Based on the results of the analysis, it is concluded that modern British animation proceeds by creating films in which visual arts are actively involved. This sets a high level of performance of paintings, because it requires the authors to have impeccable command of visual literacy, which allows them to achieve maximum expressiveness of images. It is likely that in the future, reliance on the artistic language of classical art and the manual labor of animators will continue to form as a specific feature of British animation.

Keywords: history of development, animated film, analysis, cinema, screen arts, contemporary art, Great Britain, Animation Film School, animation, visual art

Аннотация: В данной статье рассматриваются специфические особенности художественного образа, художественной формы экранного, в том числе анимационного произведения. Художественный образ в анимации представляет собой сложный и многоуровневый феномен, который выражает выразительно-изобразительное видение режиссера и передает содержание через художественную форму. Целью работы является попытка дать определение «художественного образа» в анимационном кино. Объектом исследования выступает форма анимационного произведения как целостность его художественной концепции, объединяющая в себе различные аудиовизуальные элементы, предполагающие трудоемкое технологическое воплощение на экране, соединяющее в себе выразительно-изобразительное видение режиссера, его творческую интерпретацию выбранного сюжета. Автор статьи предлагает рассматривать одним из важнейших аспектов, характеризующих целостность анимационного фильма анимационный образ как художественный феномен. Новизна работы заключается в попытке дать определение такого понятия как "образ анимационного фильма". Новый эмпирический материал предполагает обновление искусствоведческой терминологии, в том числе киноведческого инструментария в процессе теоретического анализа экранной культуры. В этом ракурсе необходимо сущностное уточнение, расширение и обновление традиционной терминологии (в частности – определение художественного образа в анимации), применяемой в художественно-эстетическом анализе экранных произведений. Результаты исследования могут иметь как научно-теоретическое, так и творческо-практическое применение. Материалы и выводы данной статьи могут быть использованы как концептуально-методологический базис в дальнейших научных исследованиях.

Ключевые слова: сущность анимационного образа, анимационный термин, художественная форма, определение анимационного образа, художественный образ, анимация, экранные технологии, выразительное средство, художественное творчество, анимационный образ

Abstract: This article discusses the specific features of the artistic image, the artistic form of the screen, including animated works. The artistic image in animation is a complex and multilevel phenomenon that takes the expressive and visual form of the director's vision and conveys the content through the artistic form. The aim of the work is to attempt to define the "artistic image" in animated cinema. The object of the study is the form of an animated work as the integrity of its artistic concept, combining various audiovisual elements, involving a laborious technological embodiment on the screen, combining the expressive and visual form of the director's vision, his creative interpretation of the chosen plot. The author of the article suggests considering the animated image as an artistic phenomenon as one of the most important aspects characterizing the integrity of an animated film. The novelty of the work lies in an attempt to define such a concept as "the image of an animated film". The new empirical material presupposes the updating of the terminology of art criticism, including the film-making tools in the process of theoretical analysis of screen culture. In this perspective, it is necessary to clarify, expand and update the traditional terminology (in particular, the definition of an artistic image in animation) used in the artistic and aesthetic analysis of screen works. The results of the study can have both scientific and theoretical, and creative and practical application. The materials and conclusions of this article can be used as a conceptual and methodological basis for further scientific research.

Keywords: artistic creation, expressive means, screen technology, the essence of the animated image, art form, animation term, definition of an animated image, artistic image, animation, animated image

Аннотация: В статье исследуются средства литературной выразительности, используемые в литературных сценариях кинодраматургов 1990-х годов. Литературный сценарий, характеризующийся широким использованием литературных средств, с 1930-х годов становится образовательным и производственным стандартом советского кинематографа. Все элементы этой формы подчинены цели последующего экранного воплощения и напрямую связаны с проблематикой будущей картины. В 1990-е годы переход с советской системы кинопроизводства, управляемого государством, к продюсерской модели, влечет за собой переход к американской форме записи, сухой и лаконичный язык которого радикально противоположен стилистическому своеобразию литературного сценария. Последние дебютанты из числа выпускников ВГИКа, получивших образование в согласии с советской моделью преподавания кинодраматургии (П. Луцык и А. Саморядов, Р. Литвинова, А. Балабанов), развивают в своих сценариях комплекс приемов, направленный на отражение современной им проблематики через формирование хронотопа фильма, речевую характеристику героя и его образ средствами литературы – синтаксиса, с помощью которого организуется пространственно-временное единство сценария, создаются реплики, партитура роли, логика монтажа и операторской работы (крупность, ракурс, точка съемки). Эти структурные элементы неотъемлемы для кинодраматургии как вида текста. Автор приходит к выводу о том, что разработка способов их оформления в тексте сценария авторами 1990-х годов значительно влияет на последующее развитие российской кинодраматургии.

Ключевые слова: литературная форма сценария, киноязык, киносценарий, российский кинематограф, американский формат сценария, советская киношкола, ВГИК, ВКСР, российская новая драма, поэтика киносценария

Abstract: The article explores the means of literary expressiveness used in the literary screenplays of film screenwriters of the 1990s. The literary screenplay, characterized by the extensive use of literary devices, became an educational and production standard of Soviet cinema from the 1930s. All elements of this form are subservient to the goal of subsequent screen embodiment and are directly related to the issues of the future film. In the 1990s, the transition from the state-controlled Soviet film production system to the producer model led to a shift towards the American screenplay, whose dry and concise language was radically opposed to the stylistic uniqueness of the literary screenplay. Some of the last debutants among the graduates of VGIK, who received their education in accordance with the Soviet model of teaching film dramaturgy (P. Lutsyk and A. Samoryadov, R. Litvinova, A. Balabanov), develop in their screenplays a complex set of techniques aimed at reflecting their contemporary issues through the formation of the film's chronotope, speech characteristics of the hero and their image using literary means – syntax, through which the spatial-temporal unity of the screenplay is organized, replicas, the score of the role, and the logic of editing and camera work (scale, angle, point of shooting) are created. These structural elements are inseparable from screenplay as a type of text. The author comes to the conclusion that the development of methods for their presentation in the screenplay text by the authors of the 1990s significantly influences the subsequent development of Russian screenwriting.

Keywords: Russian New Drama, VKSR, VGIK, Soviet film school, American screenplay, Russian cinema, film script, film language, literary script, screenplay poetics

Аннотация: Целью настоящей работы является раскрытие особенностей восприятия исторической архивной кинохроники на примере дореволюционных неигровых фильмов, являющихся её разновидностью. Задача исследования заключается в выявлении качеств дореволюционной кинохроники, которые оказывали влияние на массового зрителя до революции и их сравнение с теми её качествами, которые выходят на первое место при её восприятии современными зрителями. В работе в качестве метода используется аналитический подход, который опирается на теоретические положения, вытекающие из рассмотрения специфики кинохроники как особого вида кинематографа. Также рассматривается становление российского неигрового кино на раннем этапе, выявляются используемые им приёмы в развитии, и изучаются дошедшие до нас свидетельства восприятия кинохроники в первых кинотеатрах. В качестве примера рассматриваются фильмы: «Государь Император, Государыня Императрица и Наследник Цесаревич изволят пробовать матросскую пищу на императорской яхте «Штандарт» во время пребывания в Шхерах в 1908 г.» (1908 г.), «Добыча асбеста на Урале» (1911 г.) и «Открытие моста через Волгу в центре Ржева» (1911 г.). Результаты проведённого исследования подтверждают влияние произошедшего так называемого визуального поворота и свидетельствуют о принципиальной разнице восприятия визуальной информации по сравнению с вербальной. При анализе сохранившихся киноматериалов, в том числе, документальных фильмов, заметно, что ныне эти эфемерные экранные образы передают дыхание подлинной жизни, и мы смотрим на экран не за тем, чтобы узнать какую-либо историю, а чтобы почувствовать атмосферу бытия тех людей. Новизна предпринятого исследования заключается в разработке модели восприятия дореволюционной кинохроники как в общих чертах, так и с точки зрения конкретной зрительской аудитории прежде и теперь.

Ключевые слова: дореволюционная кинохроника, фильм, зритель, восприятие, неигровой, кинематограф, экранная действительность, понимание, образ, видимость

Abstract: The purpose of this work is to reveal the peculiarities of perception of historical archival newsreels on the example of pre-revolutionary non-fiction films. The objective of the study is to identify the qualities of pre-revolutionary newsreels that influenced the mass audience before the revolution and compare them with those qualities that come out on top when perceived by modern viewers. In the work, an analytical approach is used as a method, which is based on theoretical provisions arising from the consideration of the specifics of newsreels as a special type of cinematography. The formation of Russian non-fiction cinema at an early stage is also considered, the techniques used in its development are revealed, and the extant evidence of the perception of newsreels in the first cinemas is studied. Films considered are : "The Sovereign Emperor, the Empress Empress and the Heir Tsarevich are pleased to taste sailor food on the imperial yacht "Standard" during their stay in the Skerries in 1908" (1908), "Asbestos mining in the Urals" (1911) and "The opening of the bridge across the Volga in the center of Rzhev" (1911). The results of the study confirm the influence of the so-called visual turn that occurred and indicate a fundamental difference in the perception of visual information compared to verbal. When analyzing the preserved film materials, including documentaries, it is noticeable that now these ephemeral screen images convey the breath of authentic life, and we look at the screen not to learn any story, but to feel the atmosphere of being of those people. The novelty of the undertaken research lies in the development of a model of perception of pre-revolutionary newsreels both in general terms and from the point of view of a specific audience before and now.

Keywords: visibility, image, understanding, screen reality, cinema, non - gaming, perception, viewer, film, pre - revolutionary newsreel

Аннотация: Предметом статьи является кинематографическое произведение, снятое в Башкортостане башкирским режиссером, — игровой фильм «Стеклянный пассажир» Булата Юсупова. Автор осуществляет архетипический, семиотический и герменевтический анализ кинематографического текста. Проведенный анализ вскрывает в медиатексте тенденции создания игрового кино в Башкортостане. Первый представляют исследования мифологических элементов внутри кинопроизведения. Он покажет нам наличие в произведении элементов национального мифа и их связь с литературными архетипами и архетипами Юнга. Второй, семиотический, происходит в условиях вычленения знаков из отношений внутри целой структуры, определяющей кинопроизведение как разновидность художественного «текста». И третий, герменевтический, опирается на традиции толкования кино в интертекстуальном взаимодействии всех художественных текстов. Научная новизна исследования заключается в комплексном и многоаспектном изучении произведения башкирского кинематографа. Автор сравнивает его с образцами мировой художественной культуры, выявляет ключевые особенности фильма. Ранее картина не подвергалась подробному научному изучению, хотя она стала дебютным игровым фильмом, снятым на базе открывшейся в 1990-м году киностудии "Башкортостан". Выявляется пласт культурных ценностей и символов, как общемировых, так и отличных от них. Посредством семиотического анализа вскрывается структура и значение структурных единиц фильма. Выявляются архетипические конструкции внутри медиатекста (например, литературный архетип поэта). Герменевтический анализ показывает социально-политические условия, в которых появилась эта кинокартина, а также особенности толкования медиатекста, его взаимосвязь с другими культурными текстами.

Ключевые слова: Башкирский кинематограф, история кино, герменевтический анализ, семиотический анализ, архетипический анализ, кино, Башкортостан, фольклор, башкирская культура, киностудия

Abstract: The subject of the article is a film of a Bashkir film director -"Glass Passenger" by Bulat Yusupov. The author of the article carries out an archetypal, semiotic and hermeneutic analysis of the cinematographic text. The first one is the study of mythological elements within the film. It will show us the presence in the work of elements of the national myth and their connection with the literary archetypes of Jung. The second, semiotic, takes place under the conditions of isolating signs from relationships within the whole structure that defines a film work as a kind of a media text. And the third, hermeneutic, is based on the traditions of cinema interpretation in the intertextual interaction of all literary texts. The scientific novelty of the research lies in the systematic, comprehensive study of the Bashkir cinema, in comparison with the samples of the world artistic culture; in identifying the key features of an individual film that has not previously been subjected to detailed scientific study. The film refers the viewer to the images of Bashkir mythology. The analysis carried out reveals in the media text the trends in the creation of feature films in Bashkortostan.

Keywords: bashkir culture, folklore, Bashkortostan, cinema, archetypal analysis, semiotic analysis, hermeneutical analysis, history of cinema, Bashkir cinema, film studio

Аннотация: Статья посвящена адаптированному медицинскому сериалу, как составной части профессиональной франшизы на современном телеэкране. Главным предметом при адаптации иностранного оригинала является трансформация современного образа врача. На примере сериального ряда «Доктор Хауз», «Доктор Рихтер», «Хекимоглу» проанализирован образ современного доктора в контексте архетипических образов прошлого. Адаптированный сериал, представляющий собой узаконенный ремейк иностранного оригинала, представляет собой достаточно новое явление. Главными принципом притягательности у зрителей является неординарность персонажа, который представляет собой сочетание архетипических образов прошлого в современном прочтении, предание образу национальных черт. Были рассмотрены и соотнесены типажи героев, их архетипические образы, проанализированы кастинг актеров оригинала и адаптации. На примере «Без свидетелей» проанализированы сериалы с сильной трансформацией сюжета. Выявлены причины неудач и как следствие низких рейтингов. Несмотря на то, что тема медицины является универсальной, вечной, тем не менее необходимо учитывать ментальные характеристики страны производителя так как не всякий сюжет возможно адекватно перенести на другую национальную почву. На данный момент адаптированный сериал не был предметом развернутого культурологического или искусствоведческого анализа. Подробный сравнительный анализ существующих сериальных образцов позволит выработать методологию проведения адекватной трансформации оригинального сюжета под национальный менталитет страны покупателя франшизы. Успех сериала складывается из множества составляющих. Одним из главных элементов является качественный кастинг актеров с попаданием в образ. Актерский состав должен создавать ансамбль сочетаемых образов. При адаптации требуется обеспечить национальному зрителю привычный темпоритм, качество картинки. Изучены причины успешности существующих сериальных адаптаций на медицинскую тему. Сделаны выводы, что тщательная проработка сценария под национальный менталитет позволяет создать ликвидный национальный продукт.

Ключевые слова: российские адаптации, сериал, современная массовая культура, доктор хаус, медицинская франшиза, Образ врача, Доктор Рихтер, Хекимоглу, национальный менталитет, профессиональный нарратив

Abstract: The article is devoted to an adapted medical series as an integral part of a professional franchise on a modern television screen. The main subject in the adaptation of a foreign original is the transformation of the modern image of a doctor. Using the example of the serial series "Dr. House", "Dr. Richter", "Hekimoglu", the image of a modern doctor is analyzed in the context of archetypal images of the past. The adapted series, which is a legalized remake of a foreign original, is a fairly new phenomenon. The main principle of attraction among the audience is the originality of the character, which is a combination of archetypal images of the past in a modern reading, devotion to the image of national traits. The types of heroes, their archetypal images were considered and correlated, the casting of the actors of the original and adaptation were analyzed. The series with a strong transformation of the plot are analyzed using the example of "Without Witnesses". The reasons of failures and as a consequence of low ratings are revealed. Despite the fact that the topic of medicine is universal, eternal, nevertheless, it is necessary to take into account the mental characteristics of the country of origin, since not every plot can be adequately transferred to another national soil. At the moment, the adapted series has not been the subject of a detailed cultural or art criticism analysis. A detailed comparative analysis of existing serial samples will allow us to develop a methodology for carrying out an adequate transformation of the original plot under the national mentality of the country of the franchise buyer. The success of the series consists of many components. One of the main elements is a high-quality casting of actors with getting into the image. The cast should create an ensemble of combined images. When adapting, it is required to provide the national viewer with the usual tempo, picture quality. The reasons for the success of existing serial adaptations on a medical topic are studied. It is concluded that careful study of the scenario for the national mentality allows you to create a liquid national product.

Keywords: professional narrative, national mentality, Hekimoglu, Dr. Richter, Image of a doctor, medical deductible, Dr. house, modern popular culture, soap opera, Russian adaptations

Аннотация: Изучение культурных эффектов телевидения неотделимо от исследования культурных привычек, обоснованных возрастом, полом и другими базовыми параметрами аудитории. В современном мире резкие технологические перемены телевещания приводят к перераспределению аудитории и рефлективному отношению телезрителей к собственным привычкам телесмотрения. Но, вопреки ожиданиям, такие перемены не ведут к непременному омолаживанию аудитории или резкому привлечению молодежи к техническим инновациям телевидения. Наоборот, аудитория различных каналов и передач остается верной им и «стареет» вместе с ними. В статье предлагается ряд объяснений почему зритель самых крупных государственных федеральных каналов – это человек предпенсионного и пенсионного возраста; почему количество молодых телезрителей уменьшается с каждым годом и куда они «уходят» и что смотрят. Предмет: специфика культурных привычек, связанных с российским телевидением. Методология исследования: анализ статистических данных, построение модели функционирования медиа в культуре, интерпретация культурных образцов поведения и привычек. Научная новизна: Впервые российское телевидение изучается с точки зрения соотношения технологических инноваций и габитусов (устойчивых привычек) восприятия, что позволяет уточнить социокультурные характеристики телезрителя в их динамике и культурные контексты функционирования российского телевидения как медиа. Выводы. Итак, исследование подтвердило наличие различной структуры телесмотрения у разных социально-демографических страт российской аудитории. В рамках исследования удалось выделить социально-демографические группы, обладающие сходными структурами телесмотрения, а также отразить социально-демографическую дифференциацию российской телевизионной аудитории...

Ключевые слова: российское телевидение, телепросмотр, культура и медиа, человек и культура, искусство массового телевещания, интернет тв, современный телезритель, массовая культура, новые медиа, медиа контент

Abstract: The study of the cultural effects of television is inseparable the study of cultural habits related to age, gender, and other basic parameters of the audience. Rapid technological changes in TV broadcasting lead to reconfiguration of audience and reflective attitude of the viewers to their own TV habits. Contrary to expectations, such changes, however, do not necessarily imply bringing younger audience or attraction of youth with technological innovations of television, but rather the audience remains loyal and “ages” along with the channels and programs. The article aims to explain why the viewers of major federal channels are of pre-retirement and retirement age, as well as why the number of young viewers decreases with each year, where do they go, and what do they watch. The subject of this research is the specificity of cultural habits with regards to Russian television. Research methodology employs statistical data analysis, building a functional model of media in culture, interpretation of cultural patterns of behavior and habits. The scientific novelty lies in the fact that the Russian television is examines from the perspective of correlation between technological innovations and habits of perception for the first time; this allows clarifying the sociocultural characteristics of the viewer in their dynamics, and cultural contexts of functionality of Russian TV as media. The conducted research has proven different structure of TV habits among different socio-demographic strata of the Russian audience. Within the framework this research, the author was able to determine socio-demographic groups with similar TV habits, as well as reflect the socio-demographic differentiation of the Russian TV audience.

Keywords: internet tv, art of mass television, human and culture, culture and media, tv viewing, Russian television, modern tv viewer, mass culture, new media, media content

Аннотация: Объектом исследования в статье является отдельный элемент жанрового хронотопа – время в антиутопии в отечественном кинематографе второй половины XX века – начала XXI века. Предметом исследования является идеологическое время – часть кинодраматургии, раскрывающая мировоззрение героев через вербальные конструкции. Особое внимание уделяется противостоянию идеологии (системы провозглашаемой автором) и контридеологии (противоборствующей системы общественного большинства), а также проявлениям «двоемыслия». Автор подробно рассматривает такой аспект темы как характеристика авторской позиции по идеологическому вопросу и ее соотношение с социальной и культурной обстановкой в советском и постсоветском обществе.     Новизна работы состоит в том, что автор, опираясь на теорию «вертикального» времени, изучает один из его хронологических пластов, связанный с идеологией антиутопии. На примере работ К. Лопушанского, А. Сокурова и А.Германа старшего исследование показывает, что взгляды могут быть представлены как минимум двумя сторонами и составлять одну из основ драматургического конфликта. Автор приходит к выводу, что различные части идеологии героев могут относиться ко времени, отличному от времени автора и зрителя. Другим выводом является констатация разнообразия гуманистических идеологий, к которым прибегают режиссёры, и вариативности путей их выражения героями. Результаты работы могут быть применены в жанровой драматургии, киноведении и кинокритике.

Ключевые слова: антиутопия, советский кинематограф, поэтика, драматургия, идеология, гуманизм, время, фантастика, российский кинематограф, теория кино

Abstract: The object of this research is a separate element of chronotope genre – the time in dystopia in Russian cinematography of the late XX century – early XXI centuries. The subject of this research is the ideological time – a part of screenwriting that reflects the worldview of the characters through verbal constructions. Special attention is given to juxtaposition of ideology (the system proclaimed by the author) and counter-ideology (the opposing system of the public majority), as well as the manifestations of “doublethink”. Detailed analysis is conducted on the characteristic of the author's position on the ideological questions and its correlation with the social and cultural situation in the Soviet and post-Soviet society. Leaning on the theory of “vertical” time, the author explores one of its chronological layers associated with the ideology of dystopia, which defines the scientific novelty of this research. The works of K. Lopushansky, A. Sokurov, and A. German Sr. demonstrate that there can be at least to perspectives on the events, which underlies the dramaturgical conflict. The conclusion is made that various parts of ideology of the characters may be attributed to time that is different from time of the author and the audience. Another conclusion indicates the diversity of humanistic ideologies that film directors resort to, as well as different ways of their expression by the characters. The acquired results can be implemented in the genre dramaturgy, film studies, and film criticism.

Keywords: science fiction, time, humanism, ideology, dramatic composition, poetics, Soviet cinema, dystopia, Russian cinema, film theory

Аннотация: В последнее время исследования кинопародии как части кинодискурса достигли пика в истории и философии науки. Поликодовая сущность понятия кинодискурса стимулирует изменения и модификации в трактовке кинопародии. Именно поэтому предметом анализа является кинопародия. Цель исследования - проанализировать особенности, значение, роль концепта «кинопародия», который представляет собой творческую работу, которая предназначена для высмеивания сюжета посредством сатирической или иронической имитации. Методологию работы предопределяют цель и задачи исследования, самобытность исследуемого материала. В ее основу заложен метод аналитического изучения источников для прояснения логики и содержания концептов «пародия», «кинопародия», «кинодискурс», а также раскрывающий сущность кинопародии как постмодернистской деконструкции в кинематографе; методы сравнительного анализа и концепции локальных культур. Научная новизна статьи заключается в том, что в ней систематизация существующих знаний о вопросах кинопародии осуществляется в свете кинодискурса, который как феномен на пересечении многочисленных дисциплин находится в эпицентре научных изысканий лингвистики, литературоведения, социолингвистики, философии семиотики и киносемиотики, критического дискурс-анализа, теории кинематографа. Теоретическая значимость подтверждается тем, что автором приведена характеристика понятий «пародия», «кинопародия», «комедия», «кинокомедия» в контексте современного знания о киноиндустрии и киноискусства. Результаты исследования позволят лучше понять место кинопародии в искусстве и жизни общества. Интерпретаторы поочередно или одновременно борются за кино, с одной стороны обожая его как искусство с неограниченными возможностями, с другой - пренебрегая за то, что оно должно удовлетворять неприхотливы запросы зрителей. Результатом работы стала констатация того факта, что в широком контексте кинопародия XXI века не направлена на пародирование художественного текста. Вместо этого режиссеры рассматривают и применяют кинопародию как средство для акцентирования внимания на различные обстоятельства в жизни общества и людей.

Ключевые слова: Пародия, кинопародия, кинематограф, режиссер, постмодернизм, деконструкция, киноотрасль, юмор, сатира, жанр

Abstract: Lately, the research of Parody film as a part of film discourse have reached its peak in the history and philosophy of science. The polycode essence of the concept of film discourse prompts changes and modifications in the interpretation of Parody film. Therefore, the subject of this analysis is Parody film. The goal of this research consists in examination of the peculiarities, meaning, and role of the concept of “parody film”, which is a creative work intended to ridicule the plot through satirical or ironic imitation. Research methodology is based on the method of analytical study of sources for clarification of the logic and content of the concepts of “parody”, “parody film”, and “film discourse”, as well for revealing the essence of parody film as a postmodernist deconstruction in cinematography. The article also employs the methods of comparative analysis and the concept of local cultures. The scientific novelty of this research consists in systematization of the existing knowledge on parody film in the light of film discourse, which being the phenomenon at the intersection of multiple disciplines is in the epicenter of scientific inquiries in linguistics, literary studies, sociolinguistics, philosophy of semiotics and film semiotics, critical discourse analysis, and theory of cinematography. The theoretical importance lies in characterization of the concepts of “parody”, “parody film”, “comedy”, “comedy film” in the context of modern knowledge of moviemaking and cinematography. The acquired results give a better perspective on the role of parody film in art and life of the society. The Interpreters fight for cinema, on the one hand adoring it as the art with unlimited capabilities, while on the other – neglecting the fact that it should need the unpretentious demands of the audience. The author claims that in a broad context, the parody film of the XXI century is not aimed at parodying a literary text. The filmmakers rather consider and use parody film as a means for drawing attention of various life circumstances.

Keywords: humor, film industry, deconstruction, postmodernism, Director, cinema, cinema parody, Parody, satire, genre

Аннотация: В работе исследована изобразительные средства современных музыкальных видеоклипов и их воздействие на восприятие зрителя. Впервые изучены особенности построения визуальных рядов в сочетании с изобразительными средствами музыкальных видеоклипов и воздействия на зрительскую аудиторию. Рассмотрено зарождение, периоды развития и особенности изобразительных рядов музыкальных клипов на телевизионных экранах: от Новогодних «Огоньков» и музыкальных телевизионных фильмов до современных песенных клипов. Каждая из них базируется на сбалансированности музыкального контента произведения, основанного на композиционных отличиях сюжетной основы, и конкретном восприятии зрителем, вызывая у аудитории проникновение в образ, ощущение сопричастности к происходящему на экране, переживания за героев. Новизна исследований заключается в том, что впервые сделана попытка сопоставления текстового содержания песенного клипа с его изобразительным рядом. Изучена возможность раскрытия образа при сопоставлении текста песни с ее изобразительным рядом. Сделан вывод о том, что на восприятие зрителя в определенной мере влияют особенности визуальных рядов видеоклипов, которым свойственна своя контрапунктическая эстетика, сопряженная с общей идеей музыкального клипа и различиями в рамках исполнительского видения композиции. Общими для всех построений клипов являются изображение движения, что еще раз подчеркивает неразрывную связь видеоклипа с кинематографом, а котором основой является создание актером определенного образа.

Ключевые слова: музыкальный клип, видео, изобразительные средства, телевидение, музыка, сознание, визуальный ряд, эстетика, композиция, Монтаж

Abstract: This article examines the visual means of modern music videos and their impact on perception of the audience. The author is first to study the peculiarities of creation of visual imagery along with artistic means of music videos and their impact on the viewership. The conception, development stages, and specifics of the visual imagery of music videos on TV – from the “Little Blue Light” and musical films to modern music videos – are considered. Each of the is based on the balance between musical content of the composition, based on the compositional differences of the plot, and viewership perception, arousing the feeling of immersion into the image, connectedness to the events on TV, and affection with  the heroes. The scientific novelty consists in the attempt to correlate verbal content of the music video with its visual imagery. The conclusion is made that the audience perception in a certain way depends on the peculiarities of visual imagery of music videos, which feature contrapuntal aesthetics combined with the main idea of music video and differences within the framework of performer’s representation of the composition. The common aspect for creation of all music videos is the depiction of motion, which again underlines its inextricable connection of music video and cinematography, which is based on creation of a certain image by the actor.

Keywords: consciousness, music, television, visual modelities, video, music video clip, visual range, aesthetics, composition, video editing

Аннотация: Предметом исследования являются суггестивные приёмы драматургии на различных уровнях восприятия фильма, которые способствуют вовлечению зрителя в кинематографическое зрелище. Большинство фильмов воспроизводят тему социальной табуированности, играя тем самым на запретных желаниях зрителя и провоцируя интерес аудитории. Подобные картины стремятся нарушать принятые в обществе моральные и этические ограничения, размывая границы общепринятой нормы. Наряду с нарушением социального Табу, одним из наиболее важных элементов активизации зрительского внимания является тайна, используемая в драматургии фильма качестве неполноты информации происходящего на экране действия и пробуждающая желание зрителя познать её. В качестве основных методов исследования используются аналитический и компаративный методы, которые способствуют анализу определённых механизмы воздействия, заложенные автором на смысловом и драматургическом уровне кинопроизведения. Тайна в качестве суггестивного драматургического элемента может быть выражена в качестве отложенного события или непосредственно тайны героя, формирующая его экранный образ и характер. В статье проведёт анализ фильмов А. Звягинцева "Возвращение" (2003 г.), "Нелюбовь" (2017 г.),"Отступники" (2006 г.) М. Скорсезе, "Бойцовский клуб" (1999 г.) Д. Финчера, "Меланхолия"(2011 г.) Ларса фон Триера. В качестве результата исследования следует охарактеризовать современную тенденцию сохранения автором тайны в повествовательной структуре фильма, что позволяет сохранить нетривиальность сюжетной линии.

Ключевые слова: манипуляция, тайна, драматургия, суггестивные приёмы, запрет, кинематограф, герой, персонаж, Табу, сюжет

Abstract: The subject of this research is the suggestive techniques of screenwriting on various level of perception of the movie, which engage the audience into cinematographic scene. The majority of movies reproduce the topic of social taboo, pulling upon the forbidden desires, and thus, instigating the audience. Such movies intend to distort the socially accepted moral and ethical restrictions, blurring the boundaries of the generally accepted standard. Alongside the violation of social taboo, one of the most important elements of drawing attention of the audience is unpredictability, used in dramaturgy to create an effect of incompleteness of story and the desire to reveal it. The research is based on the analytical and comparative methods, which allow analyzing particular effects intended by the author at the conceptual and dramaturgical level of the screen work. As a suggestive dramaturgical element, unpredictability can be reflected as a deferred event or a unpredictability  that forms the screen image and character of the hero. Analysis is conducted on the movies “The Return” (2003), “Loveless” (2017) directed by Andrey Zvyagintsev; “Fight Club” (1999) directed by David Fincher; “The Departed” (2006) directed by Martin Scorsese; “Melancholia” (2011) directed by Lars von Trier. The research result consists in characterization of the modern trend of preserving unpredictability within a narrative structure of the movie to maintain non-triviality of the storyline.

Keywords: hero, manipulation, mystery, dramaturgy, suggestive techniques, character, ban, cinema, taboo, plot

Аннотация: Предметом данного исследования являются актерские работы Б. В. Барнета 1940-х годов. Кинорежиссер Б. В. Барнет, начинавший свой путь в кино в качестве «натурщика» мастерской Л. В. Кулешова, активно снимался в фильмах 1920-х годов. Однако две самые крупные роли он сыграл в двух своих фильмах периода 1944-1947 годов. В фильмах «Однажды ночью» и «Подвиг разведчика» Барнет предстает в нетипичной роли офицера немецкого командования, то есть в «образе врага». Смену парадигмы актерского пути Барнета рассмотрена в контексте раннего периода творчества, его биографии, истории создания фильмов. Для достижения цели использован семиотический, контекстуальный, историко-сравнительный и антропологический подходы. В процессе изучения материала автор исследования пришел к выводу о принципиальных различиях в создании образов, сыгранных Барнетом в его фильмах: роль в «Однажды ночью» представляется ключевой работой в актерской фильмографии мастера, а роль в картине «Подвиг разведчика» - производственной необходимостью, в полной мере не отражающей мировоззрение режиссера.

Ключевые слова: кинематограф военного времени, Вторая Мировая война, советский авангард, саморепрезентация, советское кинопроизводство, актерский метод, советский кинематограф, мастерская Кулешова, критическая рецепция, образ врага

Abstract: The subject of this research is the acting jobs of B. V. Barnet of the 1940’s. Film director Boris Barnet, who started his path as an “actor-model” at the Lev Kuleshov’s workshop, and was active in the movies during the 1920’s. However, the two major roles he played in the movies Dark Is the Night” (1944) and “Secret Agent” (1947), in which he appears in an unusual role of German Officer, in other words as an “enemy”. The shift in paradigm of the actor’s path of B. Barnet is viewed in the context the early period of his works, biography, and the history of moviemaking. For achieving the set goal, the author apploes the semiotic, contextual, historical-comparative and anthropological approaches. The conclusion is drawn on the crucial differences in creating the characters played by Boris Barnet in his films: the role in “Dark Is the Night” is the key work in acting filmography of the master; while the role in “Secret Agent” is rather a production requirement, which does not fully reflects worldview of the film director.

Keywords: critical reception, Kuleshov's workshop, wartime cinema, The Second World War, soviet avant-garde, self-presentation, soviet film production, method acting, soviet cinema, enemy image

Аннотация: Сегодня все явственнее осознаются проблемы сохранения культурной памяти, актуализации культурного опыта и сохранения культурного наследия. Как ответ на тенденции «забвения», актуализируются механизмы саморегуляции культуры, усиливая ценностную и смысловую сторону традиций. Автор оперирует понятием «культурная память», трактуемым, вслед за Я. Ассманом, как особая форма возрождения и трансляции смыслов и ценностей культуры прошлого в настоящее. Предметом рассмотрения в статье явился популярный на сегодняшний день художественный прием исторической реконструкции с элементами реалити в документальном телевизионном сериале как одна из основных форм сохранения культурной памяти. Основанием для работы над статьей явились аксиологический и культурно-функциональный подходы, позволившие раскрыть функциональную ценность подобных телевизионных проектов для социальных и культурных процессов жизни современного общества. Новизна заключается в самой цели работы: изучение популярных телевизионных проектов, выстроенных по канонам жанра документального телевизионного сериала с задействованием приема исторической реконструкции и элементов реалити, как формы сохранения культурной памяти. Действенность таких проектов обеспечивается специфическим синтезом, с одной стороны, присущего современной массовой визуальной культуре тяготения к необычным, ярким, зрелищным образам, с другой – использования этого свойства в формировании исторически достоверной ситуации реального действия участников проекта, искреннего проживания ими коллизий уклада и особенностей взаимодействия, присущих прошлым временам. Тем самым содержание культурной памяти получает воплощение в материале, обладающем зрелищной эффективностью и, вместе с тем, передающем аутентичные смыслы и значения исторических явлений, актуальные для сохранения культурной идентичности в современном мире.

Ключевые слова: культурная память, коллективное забвение, культурная интерпретация, культурное наследие, коммуникативные репрезентативные практики, телеиндустрия, документальный телевизионный сериал, историческая реконструкция, художественный прием, реалити-шоу

Abstract: In this day and age, the problems of preservation of cultural memory and heritage alongside actualization of cultural experience become more and more relevant. As a response to the trends of “obliviousness”, culture’s self-regulation mechanisms become mainstream, enhancing the value and semantic aspect of the traditions. The author operates the concept of “cultural memory”, interpreted following J. Assmann, as a particular form of revival and translation of cultural meanings and values of the past onto the present. The subject of this research is the currently popular artistic method of historical reconstruction with the elements of reality in a documentary TV series as one of the key forms of preservation of cultural memory. The article is based on the use of axiological and cultural-functional approaches that allow revealing the functional value of such TV projects for social and cultural processes in the life of modern society. The novelty consists in examination of the popular TV projects, structured in accordance with the genre of documentary TV series, employing the method of historical reconstruction and elements of reality as a form of preservation of cultural memory. The effectiveness of such projects is ensured by the specific synthesis on the one hand, and the inherent to modern mass visual culture penchant for the unique and fascinating images; while on the other hand – the use of such quality in formation of the historically authentic situations of real actions of participants of the projects, sincere experiencing of the clash of life pattern and peculiarities of relationship characteristic to the past. Thus, the content of cultural memory attains embodiment in the materials that possess visual effectiveness, and at the same time, translate authentic meanings of historical events relevant for preservation of cultural identity in the modern world.

Keywords: documentary television series, television industry, communicative representative practices, cultural heritage, cultural interpretation, collective oblivion, cultural memory, historical reconstruction, artistic reception, reality show

Аннотация: Данная работа посвящена развитию современной российской анимационной школы на примере конкретного проекта. Объектом исследования выступает проект (сериал) студии «Пилот» «Гора Самоцветов», созданный в 2004 - 2018 годах. Предметом исследования является художественное и техническое решение его визуального ряда. Автором рассматриваются основные идеи проекта в целом, его особенности, стилистическое и технологическое оформление отдельных фильмов проекта. Важным для анализа фактором выступает то, что изначально все создатели проекта были поставлены в равные условия: в основе драматургии должна была лежать сказка в авторском прочтении, был задан одинаковый хронометраж фильмов и в распоряжение авторов предоставлены одинаковые студийные ресурсы. Метод описания, используемый в работе, включает приемы наблюдения, сопоставления, обобщения и интерпретации. Для рассмотрения технологий, используемых в фильмах, был применен метод сбора статистических данных. Особый вклад автором в исследовании темы, а также ее новизна определяется тем, что в работе впервые осуществлен систематический анализ фильмов из цикла «Гора Самоцветов», снятых с использованием компьютерных технологий. Выбор фильмов продиктован их эстетической ценностью, оригинальностью и уникальностью художественных и технических средств для создания изобразительного ряда. Выявлены компьютерные технологии, применяемые в создании данного сериала. Основные выводы исследования затрагивают роль и вклад проекта в развитие российской анимации.

Ключевые слова: анимационное кино, мультипликация, анимационный сериал, гора самоцветов, визуальный ряд, персонаж, технологии анимации, компьютерные технологии, эстетика анимационного фильма, компьютерная графика

Abstract: This work is dedicated to the development of the Russian animation school on the example of a particular project. The object of this research is the TV series “Mountain of Gems” created in 2004-2018 by the animation studio “Pilot”. The subject of this research is the artistic and technical solution of its visual imagery. The author examines the main ideas of the project, its specificities, stylistic and technical arrangement of separate films of the project. An important factor for this analysis is that initially all creators of the project were put into the equal circumstances: dramaturgy based on the tale read by the author, equal running time, and identical studio resources. The author’s special contribution to the research of this topic along with its novelty is defined by the development and implementation of systematic analysis of the films from the cycle “Mountain of Gems” made with the use of computer technologies. The choice of films is dictated by their aesthetic value, originality and uniqueness of artistic and technical means for creating visual imagery. The author reveals the computer technologies applied in creation of these TV series. The main conclusions emphasize the role and contribution of this project to the development of Russian animation.

Keywords: computer technology, animation technology, character, visual number, mountain of gems, animated series, animation, animated film, aesthetics of the animated film, computer graphics

Аннотация: Визуальная антропология рассматривается в статье с точки зрения использования основных доминант телесного аппарата актера в пространстве кадра, как партитуры архетипических образов, выстраиваемых режиссером-постановщиком, и личной телесности актера-исполнителя. В статье проведен анализ ролей Федора Никитина в фильмах Ф. Эрмлера второй половины 1920-ых гг.: Вадька Завражин («Катька – бумажный ранет» (1926) с Э. Иогансоном), Музыкант («Дом в сугробах» (1927), Кирик («Парижский сапожник» (1927), унтер-офицер Филимонов («Обломок империи» (1929). Использован метод культурной антропологии, автор опирается на труды М. Бахтина, М. Элиаде, К. Г. Юнга. Важнейшим является вопрос способа существования актера в кино, в статье впервые затрагивается проблема создания образа на экране на основе двух независящих друг от друга партитур: визуальная создается с помощью телесной природы актера и монтажных приемов режиссера и оказывает мощное влияние на зрительские эмоции; внутренняя основана на уникальной актерской природе и может быть автономна от создаваемого актером образа, выходит на уровень личного чувственного опыта актера. Подобные принципы работы актера и режиссера использовались, например, в 1960-ые гг. в театральной системе Ежи Гротовского. Автор приходит к выводу, что на данный момент сформулированы и зафиксированы основные принципы создания уникальных экранных образов, которые могут быть использованы в качестве базы для воспитания современного киноактера.

Ключевые слова: визуальная антропология, архетипический образ, экстатический человек, гротескное тело, зрительское восприятие, четырехугольный человек, божественный ребенок, тело-в-жизни, расширенное тело, способ существования

Abstract: Visual anthropology is viewed from the perspective of usage of the dominants of corporeal apparatus of the actor within a film frame, as a script of archetypical images structured by the filmmaker, as well as individual corporeality of the actor. The article analyzes the roles of Fyodor Nikitin in F. Ermler’s films of the late 1920’s : Katka's Reinette Apples (1926 with E. Ioganson), The House in the Snow-Drifts (1927), The Parisian Cobbler (1927), Fragment of an Empire (1929). The author applies the method of cultural anthropology, leaning on the works of M. Bakhtin, M. Eliade, and C. Jung. The article is firs to touch upon the problem of creating a screen image based on the two independent from each other scripts: visual is created using the corporeal nature of the actor and film editing approach of the director, and has powerful influence on the emotions of the audience; the inner is based on the unique actorly nature and can be autonomous from the created by an actor image, reaches the level of personal sensible experience of an actor. Similar principles of the work of actor and film director were also used in the theatre of Jerzy Grotowski in the 1960’s, The author concludes that the key principles for creating the unique screen images that can become the basics for a modern film actor have already been formulated and developed.

Keywords: godlike child, quadrangular man, spectator's appreciation, grotesque body, ecstatic man, archetypal image, visual anthropology, body-in-life, extended body, stage presence

Аннотация: Предметом исследования статьи является трансформация экранного канона в российских фильмах первого десятилетия XXI века. В статье подробно проанализированы три новые тенденции в фильмах этого периода, обозначающие, по мысли автора, новые канонические черты российского кино. Первая тенденция - возникновение героя в фильмах, способного совершать поступки. Вторая тенденция касается формирования новой мифологической структуры прошлого, которая визуализируется в современных отечественных фильмах о войне. Третья тенденция связана с обозначение пространства жизни и функционирования героев, которая формирует новый облик экранной картины мира. Методологией исследования является киноведческий разбор обозначенных фильмов с точки зрения пластических и монтажно-динамических выразительных средств и формирования структуры жанра. Основными выводами проведенного исследования являются положения о формировании нового образа полноценного героя отечественного фильма, формировании нового канона запечатления пространственных элементов экранной среды и формировании новых закрепленных идеологем, направленных на структурную морально-нравственную основу зрительских установок. понятие канона обосновывается развитием образного языка фильмов заявленного периода.

Ключевые слова: канон, экранный канон, экранная реальность, отечественное кино, российское кино, кино 00-х, киножанр, кинозрелищность, художественная выразительность, киномонтаж

Abstract: The subject of this research is the transformation of the screen canon in Russian films of the first decade of the XXI century. The article meticulously analyzes the three new trends characteristic to the films of this period, which in the author’s opinion, reflect the new canonic features of Russian cinematography. The first trend – emergence of a hero able to take action. The second trend pertains to formation of a new mythological structure of the past, visualized in modern national war films. The third trend is associated with delineation of space and functioning of film characters, which forms a new look of a screen worldview. The main conclusion lies in the idea of formation of a new image of full-fledged hero, establishment of a new canon of capturing the spatial elements of screen environment along with the new ideologemes aimed at structural moral-ethical principles of the audience. The concept of canon is justified by the development of figurative language of the films of the first decade of the XXI century.

Keywords: film entertainment, film genre, cinema of 00s, russian cinema, native cinema, screen reality, screen canon, canon, art expression, film editing

Аннотация: Объектом исследования являются основные принципы запечатления и анализа новой реальности 30-х годов ХХ века в творчестве наиболее заметных отечественных документалистов того времени. В статье прослеживаются сходства и различия в актуальной кинопублицистике того времени и документального фильма с точки зрения композиционного строения и визуализации героя, определяется понятие «документальный кинообраз», предлагаются варианты зрительской интерпретации действительности сквозь призму авторского знака.На материале фильмов Д. Вертова и Э. Шуб прослеживается развитие авторских стилей двух наиболее ярких документальных художников и определяются основные тренды развития документального кино, которые будут актуальны до периода «оттепели». В тексте поступательно анализируется пластическая и образная природа материала документальных фильмов, новые монтажно-динамические выразительные средства и способы их реализации в таких ярких лентах, как «Симфония Донбасса», «КШЭ», «Три песни о Ленине». Актуальность проблематики обусловлена изменением традиционного подхода к искусствоведческому анализу аудиовизуального контента. В статье разобрано понятие «хронотопа», обозначившее новые пластические и монтажно-динамические выразительные средства. Новые возможности звукового искусства позволяют обозначить новые выразительные средства, основанные не на языке классических искусств, а на языке советского авангарда 20-х годов, адаптированного под нужды созидательного искусства 30-х годов ХХ века. Новизна культурологического осмысления перспектив роста и становления советского документального искусства той поры апробируется автором на фильмическом анализе наиболее заметных авторских документальных фильмов той поры (Д. Вертова и Э. Шуб), предлагающих зрителю новые формы визуального зрелища на публицистической основе.

Ключевые слова: документальное кино, документалистика 30-х годов, хронотоп, Дзига Вертов, Эсфирь Шуб, кинопублицистика, документальный образ, киноправда, крупный план, экранная картина мира

Abstract: The object of this research is the fundamental principles of capturing and analysis of new reality of the 1930’s in creative works of the most prominent national documentarians of that time. The article traces the similarities and differences in the relevant film journalism and newsreel of 1930’s from the perspective of compositional structure and visualization of a character; defines the concept of “documentary film image”; makes suggestions of the audience interpretation of reality through the prism of author’s mark. Based on the material of the films of D. Vertov and E. Shub, the author traces the evolution of original styles of the two brightest documentary artists, and determines the main trends of the development of documentaries that would be relevant until the “Thaw” period. The author conducts a gradual analysis of the plasticity and imagery nature of documentary material, new editinf and dynamic expressive means and methods of their implementation in such films as “The Symphony of Donbass”, “Three Songs About Lenin”, “Komsomol: Patron of Electrification”. The relevance of problematic is substantiated by transformation of the traditional approach towards the art analysis of the audio-visual content. The article examines the concept of “chronotope”. The new capabilities of sound art allow indicating the new expressive means based not on the language of classical arts, but the language of Soviet avant-garde of the 1920’s, adjusted to the need of creativity of the 1930’s. The novelt of culturological interpretation of the prospects of growth and establishment of the Soviet documentary art of that time is tested by the author on the film analysis of the most notable auteur films of that era (D. Vertov and E. Shub), which demonstrate the new forms of visual performance adding a publicist element.

Keywords: documentary image, film journalism, Esther Shub, Dziga Vertov, chronotope, documentary of the 30s, documentaries, kinopravda, close-up, screen reality

Аннотация: Предметом исследования является использование архетипических конструкций в рамках киновселенной "Игра престолов" Объектом работы является феномен современных аудиовизуальных искусств Основными аспектами темы является анализ практик использования в современной киноиндустрии феномена «скандинавского мифа». Этот феномен трактуется авторам как фактор видоизменения массового сознания, оформляющего целый комплекс «социальных мифов» эпохи глобализации, что прослеживается в довольно широком спектре кинопродукции. Представленные характеристики обобщаются на примере созданной по романам Дж. Мартина киновселенной «Песнь льда и пламени», именуемой в прокате «Игрой престолов» и являющейся в массовом сознании одним из самых ярких примеров «новой мифологии». Автор оперирует в первую очередь методом историзма в рамках рассмотрения архетипических конструкций и исторических аллюзий в кинематографической вселенной "Игра престолов" Подводя итог рассмотрения кинематографической продукции, представляющей образы и архетипы скандинавского мифа, на основе представленных характеристик можно сделать следующие выводы. Одной из тенденций развития современной киноиндустрии является активное использование комплекса клише, формирующих как особую культурную реальность специфический феномен, трактуемый нами как скандинавский миф, базирующийся на фаталистической провиденциальности. Используя феномен манипуляции временем и пространством, высокотехнологичные виды искусства создают новые модели «интеллектуального поля», разрывающие устаревшие информационно-семантические структуры культурного пространства. Это приводит к реализации принципа сбалансированного единства, обращенного к коллективному бессознательному. Таким образом, данные модели развивают концепции мифологичности искусства, его взаимовлияния с социумом, что выражается в эффекте удовлетворения потребностей массового зрителя.

Ключевые слова: культурный ландшафт, скандинавский миф, провиденциализм, архетипические конструкции, Средневековье, фэнтези, фатализм, инструментализация, Игра престолов, Вестерос

Abstract:   The subject of this research is the use of archetypical constructs within the framework of cinematic universe “The Game of Thrones”. The object is the phenomenon of the modern audiovisual arts. The key aspect of the topic is the analysis of application of the phenomenon of “Scandinavian myth” in modern film industry. This phenomenon is interpreted as a factor of transformation of mass consciousness that illustrating a set of “social myths” of globalization era, which is traced in a broad range of movies. The presented features are generalized on the example of created from the novels by G. Martin cinematic universe “A Song of Ice and Fire”, which in is named “The Game of Thrones” film’s release and is one of the brightest examples of “new mythology” in mass consciousness. The author makes the following conclusions: one of the development trends of film industry is the active use of cliché complex, which forms a special cultural reality interpreted as a Scandinavian myth, based on the fatalistic providence; using the phenomenon of time and space manipulation, the hi-tech types of art form the new models of “intellectual field”, which disrupt the outdated information and semantic structures of cultural space. This leads to implementation of the principle of balanced unity, referred to the collective unconscious. Thus, these models develop the concepts of mythology of art, its interrelation with society, which is expressed in the effect of satisfaction of the demands of gross audience.  

Keywords: fatalism, fantasy, middle Ages, archetypal constructions, providentialism, Scandinavian myth, cultural landscape, instrumentalization, Game of thrones, Westeros

Аннотация: При использовании архивной ранней кинохроники часто возникает вопрос, насколько достоверным является то или иное событие, запечатленное на пленку, соответствуют ли снятые кадры реалиям времени? Проанализировав ряд архивных хроникальных киноматериалов, с уверенностью можно сказать, что многие кадры снимались с использованием постановочных элементов, а отдельные сцены режиссировались. Это становится заметным уже при работе с ранней отечественной кинохроникой времён Первой мировой войны. Хотя отдельные сцены и являются подлинными. Но каким образом формируется критерий подлинности киносъёмки, на основе какого знания? Источниками такого знания, как правило, выступают обыденный жизненный опыт зрителя, ранее виденные фильмы, книги, другие виды средств массовой информации. Кроме всего прочего, при съёмке хроникального материала операторы стараются следовать определённым нравственно-этическим нормам исторического периода. Привнесение элементов постановочности в ранней кинохронике прослеживается не только на примере съёмок периода Первой мировой войны, но также в так называемой царской кинохронике и киножурналах той поры. Отмечается, что в отдельных случаях операторы при монтаже использовали не только линейные приёмы, но и овладевали смысловым монтажём, присущим более позднему времени. В качестве вывода можно сказать следующее: историческая кинохроника не всегда демонстрирует нам объективную правду запечатлённого факта. Отснятые кинокадры зачастую носят организованный, постановочный характер. Сами элементы постановочности могут носить разный характер: начиная от режиссирования отдельных сцен и заканчивая следованием установившемуся ритуалу той или иной церемонии.

Ключевые слова: кинохроника, историческое событие, постановочность, зритель, режиссёр, кинооператор, кинокадр, съёмка, съёмочный материал, архивный монтажный кинематограф

Abstract: The article deals with the question of how accurate is one or another filmed event, as well as its correspondence with the realities of time. Having analyzed a number of archival chronicle film footage, the author can be assured that multiple scenes were filmed using the staging elements, and some of them staged. This becomes noticeable in working with the early national newsreel of the World War I period. Although, separate scenes are authentic. The author attempts to identify which criterion and knowledge form the accuracy of the footage. The source of such knowledge usually imply the ordinary experience of the audience, previously seen films, books, and other types of mass media. In addition, in shooting the chronicle material, the camera operators try to follow the certain moral and ethical norms of the historical period. Staging elements in the early newsreel are traced not only on the example of the World War I period, but also the so-called imperial documentaries and film magazines of the era. It is noted that in separate cases, the camera operators during the film editing, used not only the linear methods, but also acquired the skills of essential film editing, which was inherent to the later period. It is concluded that the historical newsreel not always demonstrates the objective truth of an event; the filmed images often carry the organizational and prearranged character, beginning from staging separate scenes, ending with following to the established ritual of one or another ceremony.

Keywords: film image, film shooting, camera operator, director, audience, staging, historical event, newsreel, film footage, editing archival cinematography

Аннотация: Тема исследования данной статьи – фильмы режиссеров Андрея Тарковского «Жертвоприношение» и Ингмара Бергмана «Фанни и Александр». Предмет исследования – их смысловое и структурное соотношение. Автор задается вопросом, можно ли рассматривать каждый из этих фильмов в качестве своего рода дополенения по отношению к другому. В статье подробно анализируется темпоральная структура названных фильмов, сходство и различие их внутренних пространств, распределение персонажей и их смысловая нагрузка. Автор сравнивает также обстоятельства создания фильмов. Особое внимание уделяется поднимаемой и в том и другом фильме проблеме игра/истина, а также проблеме отношения отец-сын (и сын-отец). Автор пользуется методом феноменологического анализа (придавая значение тому факту, что фильм дан зрителю в качестве единой временной длительности), а также методом структурного анализа (рассматривая соотношение персонажей как некую знаковую структуру, которая зрителю нечто «говорит»). Автор приходит к выводу, что эти два фильма имеют как очевидные сходства (начиная с обстоятельств их создания), так и очевидные и менее очевидные различия. Во многих отношениях один может быть рассмотрен в качестве антитезы другому. При этом нельзя сказать, что «Жертвоприношение», вышедшее на 4 года позже «Фанни и Александра», является в какой-то степени вторичным или производным по отношению к нему. Скорее здесь можно говорить о двустороннем заочном споре: авторов, их экзистенциальных позиций, а также культурных традиций, в которые они оба (так или иначе) вписаны.

Ключевые слова: кинематографическое пространство-время, гомогенность-гетерогенность пространства, обыденный мир, семья, дом, катастрофа, антитеза, отношения отец-сын, отцеубийство, жертвоприношение

Abstract:   The topic of this article is the movies “Fanny and Alexander” Ingmar Bergman and “The Sacrifice” by Andrei Tarkovsky. The subject of this research is their conceptual and structural interrelation. The author questions whether it is possible to view each movie as a so-called addendum with regards to another. The article thoroughly analyzes the temporal structure of the aforementioned movies, similarity and difference of their inner spaces, distribution of characters, and their meaning. The author also compares the circumstances under which the movies have been created. The article applies the method of phenomenological analysis (emphasizing the fact that a movie is given to the audience as a single temporal reality), as well as method of structural analysis (that views the relationship between characters as a certain landmark structure, which delivers a particular message to a spectator). A conclusion is made that both movies have the obvious similar features (beginning with the circumstances of their creation), as well as clear and less clear discrepancies. At the same time, it does not mean that “The Sacrifice” that came out four years later than “Fanny and Alexander” is a somewhat secondary or derivative with regard to it. It rather manifests as a two-sided latent discourse of the authors, their existential positions, and cultural traditions, into which both of them are inscribed in one or another way.   

Keywords: Sacrifice , Patricide, Father-son relationship, Antithesis, Catastrophe, Home, Family, Ordinary world, Homogeneity/heterogeneity of space, Cinematographic space/time

Аннотация: Предметом исследования является игра как художественный прием в современном кинематографе. Объект исследования – современное киноискусство. Изучается вопрос о том, что такое игра с точки зрения философии и искусствоведения. В исследовании анализируются экранизации известных произведений мировой литературы, в основе сюжета которых используется игра в различных ее проявлениях. Интерес представляют в этом аспекте несколько кинематографических произведений, среди них отечественная экранизация повести Ф. Дюрренматта «Авария», режиссер В. Жалакявичюс, и экранизации пьесы Э. Шеффера «Сыщик». Основными методами данного исследования являются сравнительно-исторический и аналитический. Сопоставительный анализ кинематографического материала разных лет позволяет проследить динамику изменения кинематографических художественных приемов. В исследовании впервые анализируются фильмы, в которых игра становится одним из главных сюжетообразующих, эстетических или смысловых компонентов, через осмысление которых происходит понимание смысла художественного произведения. Игра интересна как художественный прием в киноискусстве, так как позволяет включать в пространство фильма множество кинематографических приемов, которые позволяют разнообразить и усовершенствовать язык кино.

Ключевые слова: художественный прием, игра, киноискусство, художественный образ, сюжет, экранизация, композиция, искусствоведение, Кеннет Брана, Энтони Шеффер

Abstract: The subject of the study is the game as an artistic device in modern cinema. The object of research is modern cinema art. The author examines the question of what the game is from the point of view of philosophy and art history. The study analyzes screen versions of famous works of world literature based on the game in its various manifestations. Of interest are several cinematographic works in this aspect, among them the national adaptation of F. Durrenmatt's novel "The Accident", the director V. Zhalakiavicius, and the screen version of the play "The Sleuth" by A. Shaffer.The main methods of this study are comparative-historical and analytical. A comparative analysis of the cinematographic material of different years makes it possible to trace the dynamics of changes in cinematic artistic techniques. In the study for the first time films are analyzed in which the game becomes one of the main plot-forming, aesthetic or semantic components, through the comprehension of which the understanding of the meaning of the artistic work takes place. The game is interesting as an artistic device in the film industry, since it allows to include in the space of the film a lot of cinematographic techniques that allow diversifying and improving the language of the cinema.

Keywords: art history, composition, adaptation, plot, artistic image, art cinema, game, artistic technique, Kenneth Branagh, Anthony Shaffer

Аннотация: Предметом исследования являются музеи кино. Объект исследования – искусство кино. Автором рассматривается мировой опыт в области создания музеев кино. Изучается история отечественного Музея Кино и перспективы его дальнейшего развития, особое внимание уделяется современному состоянию музея кино и проблемам, связанным с определением функций подобных музеев, которые в настоящий момент однозначно не определены. Осмысление мирового опыта в данном вопросе необходимо для разрешения проблемы создания и функционирования музея кино в России. Основными методами данного исследования являются сравнительно-исторический и аналитический. Анализируются основные концепции видения музеев кино, их социокультурная значимость. Научная новизна статьи заключается в том, что культурный феномен музея киноискусства детально не исследовался и требует серьезного изучения. Музеи кино существуют во многих странах мира, однако вопрос о том, что понимается именно под музеем кино – это вопрос достаточно сложный в силу синкретичности экранных искусств.

Ключевые слова: музей кино, кинематограф, культурное наследие, экранные искусства, искусство кино, мультимедиа, фотоискусство, синкретизм, музей фотографии, экспозиция

Abstract: The subject of this research is the cinema museums, while the object is the art of cinematography. The author examines the global experience in the area of creation of cinema museums, as well as studies the history of Russian Cinema Museum and prospects of its further development. Special attention is given to the modern status of cinema museums and issues associated with determination of their functions, which at the present stage remain unambiguous. The perception of the world experience in regards to this question is necessary for resolving the problem of creation and functionality of the cinema museum in Russia. The main methods of this study is the comparative-historical and analytical. The work analyzes the key concepts of outlook upon the cinema museums, as well as their sociocultural importance. The scientific novelty lies in the fact that the cultural phenomenon of the museum of cinematography art requires thorough examination. Cinema museums are located in multiple countries of the world, however, the question of what does the notion of cinema museum imply, is rather complicated due to the syncreticity of the screen arts.

Keywords: multimedia, art of cinema, screen art, cultural heritage, cinematography, cinema museum, photography, syncretism, Museum of photography, exposition

Аннотация: В рамках исследования рассмотрен массовый кинематограф США и СССР. Несмотря на идеологическую полярность, культура данных стран была во многом взаимосвязана. В ее рамках применялись сходные инструменты для раскрытия важных символов, выражения общественных настроений. В довоенный период герои фильмов двух стран были похожи друг на друга - они жили в пространстве идеальной мечты, соответствующей актуальным ценностям того времени. Однако в послевоенный период эволюция героев массового кино США и СССР пошла в разных направлениях. Предметом данного исследования является анализ таких направлений. В качестве методологической основы использовался философско-культурологический подход, подразумевающий применение общенаучных методов системного и структурно-функционального анализа. Основным результатом проведенного исследования является выделение закономерностей развития образов протагонистов в массовом кино США и СССР/ России. Показано, что в фильмах США приоритет в таких образах отдается личности как таковой, а в отечественных кинокартинах - взаимосвязи личности и социума. Демонстрируются причины таких закономерностей.

Ключевые слова: кинематографический дискурс, ценности, массовая культура, игровое кино, нарратив, протагонист, герой, супергерой, символ, образ

Abstract: This research examines the mainstream cinema of the United States and Soviet Union. Despite the ideological polarity, the culture of these countries was interconnected in multiple way; it incorporated similar tools for expansion of the important symbols, as well as expression of public moods. In the preceding war period, the movie characters of the two countries were rather alike – they lived within the space of the perfect dream that corresponds with the relevant values of this era. However, in the post-War period, the evolution of the heroes of mainstream cinema of the United States and Soviet Union started has taken different courses. The main result of the conducted research consists in determination of regularities in development of the images of protagonists in the mainstream cinema of the United States and Soviet Union/Russia. It is demonstrated that in the US movies the priority in such images belongs to the individual as such, while in the Russian cinematographer – to the interrelation between individual and society. This article illustrates the reason why such pattern was taking place.   

Keywords: protagonist, narrative, live action, mass culture, values, cinematographic discourse, hero, superhero, symbol, image

Аннотация: На основе анализа нескольких кинофильмов, созданных творческим союзом братьев Корда в конце 1930-х – начале 1940-х гг., автор рассматривает способ конструирования в них образа Индии и ее жителей, выделяя стереотипные представления, присущие дискурсу ориентализма и традициям бинарной колониальной логики. В широком смысле, работа обращена к теме идеологии английского колониализма, которая в отечественной историографии разработана в первую очередь по письменным источникам второй половины XIX века. Прослеживается связь кинообразов с предшествующей литературной традицией, политическими стратегиями Британской империи на закате колониального периода и официальной пропагандой. Автор приходит к заключению, что обращение к индийской тематике означало использование сюжетов, действие которых невозможно было бы представить в европейском мире. Главную роль в эскапистcких по своему духу, фантастических и приключенческих фильмах «Маленький погонщик слонов» 1937 г., «Барабан» 1938 г., «Багдадский вор» 1940 г. и «Книга Джунглей» 1942 г. сыграла экзотика. В результате образ Индии представлял собой образ Другого, что не означало обязательных отрицательных характеристик. Индия в фильмах творческого союза представляла собой особый мир, имеющий свою историю, свой визуальный код и свой собственный словарь, который был далек от образа страны, готовой получить независимость от Британской империи.

Ключевые слова: колониальный дискурс, ориентализм, образ Другого, стереотипы, идеология, Индия, Британская империя, кино, Корда, Киплинг

Abstract: Based on the analysis of several films made by the brothers Korda’s creative union in the late 1930s – early 1940s, the author considers the method of formation in them the image of India and its inhabitants, highlighting the stereotypes inherent in the discourse of Orientalism and the traditions of colonial binary logic. In a broad sense, the work refers to the ideology of British colonialism, which in Russian historiography developed primarily from written sources of the second half of the nineteenth century. A correlations between the film images and the previous literary tradition, the political strategies of the British Empire on the sunset of the colonial period and the official propaganda are traced. The author concludes that the approach to Indian theme meant the use of scenes, which would have been impossible to imagine in the European world. The exotic played the main role in escapistic in spirit, fantastic and adventure films «Elephant Boy» 1937, «the Drum» 1938, «The Thief of Bagdad» 1940 and «The Jungle Book» 1942. As a result, the image of India represented an image of the Other that did not imply compulsory negative characteristics. India in the Korda’s films is a special world with its own history, visual code and dictionary, which is far from the image of the country ready to obtain the independence from the British Empire.

Keywords: India, ideology, stereotypes, the image of the Other, orientalism, colonial discourse, British Empire, cinematography, Korda, Kipling

Аннотация: В данной статье рассматриваются особенности реализации эстетической концепции экранного звука в форме континуума в рамках формирования аудиовизуального образа. Выявление ряда характерных деталей процесса восприятия звуковой информации человеком как реципиентом экранного произведения позволяет более глубоко и подробно взглянуть на природу звукозрительного образа, его реализацию в соответствии с современными тенденциями в аудиокультуре и эстетике звука, а также - предложить некоторое доколнение к инструментарию практической звукорежиссуры в экранных искусствах. Приведенное в статье исследование выполняется с привлечением некоторых положений феноменологических направлений в искусствоведении и психологии искусства. Новизна исследования заключается в том, что существующие модели эстетики фонографии экранных искусств дополняются и подвергаются развитию в соответствии с актуальными достижениями феноменологических направлений в искусствоведении и психологии искусства, обозначается эстетическое отношение к экранному звуку в соответствии с современными реальниями экранной культуры.

Ключевые слова: звук, звукозрительный, образ, экранные, искусства, психология, феноменология, фонография, континуум, контрапункт

Abstract:   This article examines the peculiarities of realization of the aesthetic concept of screen sound in a form of continuum within the framework of formation of the audiovisual image. The determination of characteristic of details of the process of perception of the sound information by human being a recipient of screen oeuvre allows taking a more in-depth and thorough look at the nature of sound-visual image, as well as its realization in accordance with the contemporary trends in audio culture and sound aesthetics, and also suggesting a certain addition to the instruments of practical acoustical engineering in screen arts. The presented research is carried out with the attraction of certain positions of the phenomenological directions in history and psychology of art. The scientific novelty consists in the fact that the existing models of the screen arts phonography aesthetics are complemented and subjected to the development  in accordance with the actual achievements of the phenomenological directions in the history and psychology of art; the aesthetic attitude towards the screen sound is defined with regards to the modern realities of the screen culture.  

Keywords: phonography, phenomenology, psychology, arts, screen, image, audiovisual, sound, continuum, counterpoint

Аннотация: Предметом исследования является отражение в советском кино 1920-х гг. социальных перемен в обществе. Отражение – не всегда прямое, опосредованное, метафорическое, поэтическое. Например, Москва эпохи военного коммунизма, НЭПа – в фильме «Аэлита» Я.А. Протазанова. В статье анализируются отдельные аспекты советского кинопроцесса второй половины 1920-х годов. Исследуются некоторые идеологические составляющие творчества Дзиги Вертова. Рассматриваются с точки зрения отражения идеологии в кино фильмы «Аэлита» (1924, режиссер Я. Протазанов), «Третья Мещанская» (1927, режиссер А. Роом), «Поэт и царь» (1927, режиссер В. Гардин). Статья базируется на архивном материале (архивные фонды «Главискусство», «Совкино» РГАЛИ) и прессе этого периода («Советское кино», «Кино-Неделя», «Кино-Фронт» и др.). Применен сравнительный анализ источников. По данному периоду развития советского кино в последнее время опубликованы научные исследования Ю.И. Горячева, Н.М. Зоркой, В.С. Листова, Е. Марголита, А. Рубайло, В.И. Фомина и других киноведов. Новизной отличается постановка цели исследования: выявление проекций, систем отражения изменяющейся социальной действительности в советском кинопроцессе 1920-х гг. Характеристика в данном исследовании деталей отражения в кинопроцессе изменений социо-культурного облика страны позволит обнаружить подробности и узловые моменты кинопроцесса 1920-х гг. К научным результатам исследования следует отнести вывод о постепенном укреплении мифологем в советском кино, «укоренении» в пространстве фильма уже не поэтизированной реальности, а мифологической схемы функционирования социалистического общества.

Ключевые слова: Россия, революция, классика, социальность, рабочий зритель, фильмы, режиссура, репертуар, идеологическое реформирование, культура

Abstract: Object of research is reflection in the Soviet cinema of the 1920th of social changes in society. Reflection – not always direct, mediated, metaphorical, poetic. For example, Moscow eras of military communism, the New Economic Policy – in the movie "Aelita" of Ya.A. Protazanov. In article separate aspects of the Soviet film process of the second half of the 1920th years are analyzed. Some ideological components of creativity of Dzigi Vertov are investigated. Movies "Aelita" (1924, the director Ya. Protazanov), "the Third Petty-bourgeois" (1927, the director A. Room), "The poet and the tsar" are considered from the point of view of reflection of ideology at cinema (1927, the director V. Gardin). Article is based on archival material (archival funds "Glaviskusstvo", "Sovkino" of RGALI) and the press of this period ("The Soviet cinema", "Film Week", "Film Front", etc.). The comparative analysis of sources is applied. On this period of development of the Soviet cinema scientific researches Yu.I are published recently. Goryachev, N. M. Zorkoy, V. S. Listov, E. Margolita, A. Rubaylo, V. I. Fomin and other film experts. Statement of a research objective differs in novelty: identification of projections, systems of reflection of the changing social reality in the Soviet film process of the 1920th. The characteristic in this research of details of reflection in film process of changes of sociocultural image of the country will allow to find details and focal points of film process of the 1920th. It is necessary to refer a conclusion about gradual strengthening of mythemes in the Soviet cinema, "rooting" in movie space of not poeticized reality, and the mythological scheme of functioning of socialist society to scientific results of research.